A ideia de arte geralmente evoca uma imagem de trabalho solitário. Os clichês do artista solitário em seu estúdio, alternadamente atingido pela inspiração ou mergulhado na melancolia, ocupam a história da arte. Embora esse arquétipo possa se adequar a processos que exigem períodos de foco intenso, como escrever e pintar, também é verdade que há muitos tipos de trabalho criativo, como música e performance, em que a colaboração está embutida. Nas artes visuais, também é verdade que algumas trocas podem não ser creditadas; a conversa entre o artista e o curador, ou o vai-e-vem entre o escritor e o editor. Trabalhar em um coletivo de artistas, uma estrutura de trabalho em grupo que prevalece desde o século XX até o mundo da arte contemporânea, é uma maneira de expandir esses modelos de prática, colocando em primeiro plano a troca e a tomada de decisões compartilhadas no processo criativo.
O que é um coletivo de artistas?
Um coletivo de artistas é geralmente um grupo de artistas que fazem trabalhos ou se organizam juntos. Não existe um modelo único de coletivo de artistas - alguns coletivos de artistas assumem um nome compartilhado, enquanto outros destacam os nomes de membros individuais. Os coletivos podem se reunir para buscar interesses artísticos compartilhados, mas também costumam ser fundados para tratar de questões sociais ou compartilhar recursos, dentro de uma infraestrutura DIY, para a continuação da prática artística. Os coletivos de artistas podem ser formados para criar trabalhos baseados em projetos, nos quais os artistas membros também mantêm práticas individuais fora do coletivo. Em alguns coletivos, os membros do grupo mudam com o tempo; os membros fundadores saem e outros se juntam a eles após o estabelecimento do grupo. Alguns coletivos de artistas, inclusive exemplos de alto nível da história recente, também são colaborações de longo prazo que se tornam fundamentais para o perfil e o legado de cada artista.
A prática coletiva traz benefícios, mas também seus próprios desafios. Trabalhar com outras pessoas geralmente significa mais trabalho administrativo, juntamente com a possibilidade de discordância, diferenças no estilo de comunicação e conflitos de ego. Então, por que trocar a liberdade da tomada de decisão individual por dinâmicas de grupo e conversas por e-mail? Os exemplos a seguir de coletivos de artistas respondem a essa pergunta.
Por que participar de um coletivo de artistas?
Por dinheiro, fama e glamour – Ideia geral
De perfil lendário e ampla influência, a General Idea foi um coletivo em atividade entre 1969 e 1994, formado pelos artistas Felix Partz, Jorge Jontal e AA Bronson. Conhecido por seu humor irônico e paródico característico sobre a mídia de massa, o trabalho do General Idea inclui performance, vídeo, instalação e arte postal. Surgidos do movimento de contracultura da década de 1960, esses temas influenciam fortemente o trabalho inicial da General Idea, que mais tarde passou a ser associado à arte ativista feita em resposta à crise da AIDS durante as décadas de 1980 e 1990. Dois dos membros da General Idea, Felix Partz e Jorge Jontal, morreram de doenças relacionadas à AIDS em 1994. Uma de suas obras mais icônicas, Vírus de imagem (1989-91), até mesmo antecipou o fenômeno da "imagem viral". O bloco quadrado repetitivo de Vírus de imagem foi modelado com base no livro de Robert Indiana Amor (1967), substituindo as letras "LOVE" por "AIDS", e circulou como uma tomada visual do espaço público. Vírus de imagem ocupou muitos espaços fora da galeria, muitas vezes (literalmente) colocando papel de parede nas superfícies, e foi notavelmente reproduzido na placa de imagem Spectacolor na Times Square. (Fonte: Galeria Nacional do Canadá.)
Sem nunca minimizar suas próprias ambições, o grupo descreveu certa vez suas motivações para formar um coletivo, afirmando: "Queríamos ser ricos, queríamos ser famosos, queríamos ser glamourosos, queríamos ser artistas. E sabíamos que, se fôssemos famosos, se fôssemos glamourosos, poderíamos dizer "somos artistas" e seríamos." (fonte: CBC.) A General Idea continua a ser um modelo para artistas que trabalham em coletivos, mostrando que a experiência vivida, a ambição e a motivação podem ser uma forte força unificadora.
Para exigir a prestação de contas - Guerilla Girls
O coletivo de artistas The Guerilla Girls, que se autodenomina "The Conscience of the Art World" (A consciência do mundo da arte), é conhecido por subverter o espaço público de publicidade em seu trabalho e ativismo. Fundadas em 1985, as Guerilla Girls são um coletivo anônimo de artistas feministas, identificadas por seu vestuário icônico, que sempre inclui uma máscara de gorila que esconde o rosto, e famosas por perturbar os espaços dos museus. Sua prática contínua aborda a desigualdade de gênero no mundo da arte por meio de uma lente interseccional (fonte: Site da Guerilla Girls.)
Envolvendo o público e as instituições por meio de provocações, um de seus trabalhos mais conhecidos é uma imagem de banner que pergunta: "As mulheres precisam ficar nuas para entrar no Met. Museum'? Apropriando-se da imagem de uma mulher nua da pintura neoclássica de Ingres A Grande Odalisca (1814), o grupo substituiu a cabeça da modelo pela máscara de gorila característica das Guerilla's Girls, que olha ameaçadoramente para o espectador. Ao lado da figura, o pôster lista as estatísticas coletadas pelas Guerilla Girls sobre o número de artistas mulheres representadas na coleção do Metropolitan Museum of Art, contrastando esses números com a porcentagem de obras exibidas que retratam corpos femininos. Originalmente projetada para um espaço de outdoor, essa imagem de banner ficou famosa como um anúncio nos ônibus da cidade de Nova York. Embora o projeto do banner tenha sido publicado pela primeira vez em 1989, ele também foi reeditado em 2005 e 2012, cada vez com uma nova contagem de suas estatísticas. A longevidade das Guerrilla Girls mostra que um forte senso de justiça social pode reunir mentes semelhantes em ação, como um coletivo em busca de uma causa.
Para nos unirmos em meio ao isolamento - Array Collective
Fora desses grupos famosos, os coletivos de artistas continuam a circular na arte contemporânea e a se mobilizar internacionalmente em relação a preocupações sociais. Em 2015, o coletivo de artistas BGL representou o Canadá na Bienal de Veneza. Como forma de enfatizar a urgência do trabalho colaborativo que defendeu a mudança sistêmica durante um período de turbulência nos bloqueios da pandemia de 2021, o júri do Prêmio Turner optou por nomear todos os coletivos de artistas na lista de finalistas do prêmio. No comunicado de imprensa para o anúncio da lista de 2021, o Prêmio Turner observou que os indicados "... refletem a solidariedade e a comunidade em resposta à pandemia". (fonte: Tate Britain). Dos 5 coletivos indicados para o prêmio, o grupo de 11 pessoas Coletivo de matrizes ficou com o prêmio de £25.000.
A instalação vencedora do Array Collective, O Baile do Druthaib (2021), A instalação de um dos maiores grupos de artistas do mundo, o "The World", ecoou a natureza social de sua prática e centralizou o ato de reunir-se. A instalação recriou uma síbínO Array é um bar de música, também conhecido como um bar ilícito, que foi mobiliado com coisas efêmeras que faziam referência ao ativismo do grupo. Com sede na Irlanda do Norte, o ativismo do Array responde ao contexto político da divisão sectária irlandesa, em que as divisões históricas entre católicos e protestantes levam à segregação com base em diferenças religiosas. Notavelmente, essa divisão foi o cerne dos Problemas na Irlanda do Norte durante a segunda metade do século XX, e as tensões persistem. Os trabalhos passados e presentes do Array Collective citam mitologias pré-cristãs para chamar a atenção para um sistema de crenças compartilhado em sua região, e o grupo também fala abertamente sobre o acesso ao aborto e os direitos das pessoas queer. Abordando essas divergências, O Baile do Druhaib está impregnado de uma sensação de calor e acolhimento. Quando perguntado sobre a escolha de recriar um bar como seu projeto, um dos membros do Array brincou: "Onde você prefere estar, em uma galeria de arte ou em um pub?" (fonte: O Guardião.) As lições da pandemia também são úteis para os artistas de maneira prática, pois podemos refletir sobre como a cultura mais ampla aborda o trabalho e a formação de comunidades. Há oportunidades para que os coletivos ocupem o espaço digital e se reúnam usando plataformas remotas.
Para pensar com quatro cérebros e oito mãos - Mataaho Collective
Além do sucesso do Array Collective com o prêmio Turner, o trabalho coletivo continuou a receber atenção e reconhecimento internacionais. No verão passado, o Mataaho Collective, de Aotearoa (Nova Zelândia), ganhou o prêmio Leão de Ouro na Bienal de Veneza de 2024. Composto por quatro membros do grupo de ascendência maori (Erena Arapere-Baker, Sarah Hudson, Bridget Reweti e Dr. Terri Te Tau), esse coletivo descreve sua maneira de trabalhar como proveniente de uma "autoria única", com uma 'abordagem de quatro cérebros e oito mãos.'
O trabalho do coletivo geralmente assume a forma de têxteis em grande escala. Seu trabalho foi exibido em Veneza, TakapauA Mataaho, uma instalação tecida, foi apresentada inicialmente no Te Papa Tongarewa (Museu da Nova Zelândia), onde os membros da Mataaho puderam acessar e estudar tecidos feitos por fabricantes com ascendência maori em comum. Os padrões de tecido da Takapau O trabalho do Mataaho Collective, que foi realizado em uma das salas de aula da escola, ecoou as estruturas e os designs dessas referências selecionadas, que o grupo teve de desconstruir mentalmente e criar um protótipo antes de criar o trabalho final em grande escala. O envolvimento do Mataaho Collective com as tecelagens tradicionais também traz à tona os ensinamentos geracionais inerentes às práticas artesanais e os discursos contemporâneos que envolvem a recuperação do conhecimento indígena. Embora o grupo tenha se envolvido com a tecelagem tradicional nos estágios iniciais, o trabalho final brincou com as convenções ao ser tecido com tiras fluorescentes de caminhões, fazendo referência à história da classe trabalhadora do grupo (fonte: o Guardian.) O Mataaho Collective expande a estrutura de colaboração para incluir abertamente as gerações passadas de fabricantes, mostrando que a continuidade das tradições e o compartilhamento de habilidades podem ser tanto um conceito quanto um propósito.
Para compartilhamento de habilidades, diálogo e apoio de colegas
Como no caso do Mataaho Collective, além de um meio de buscar interesses comuns e trabalhar criativamente como um grupo, os coletivos apresentam o benefício prático de compartilhar habilidades e recursos e criar oportunidades para os membros do grupo. O Array Collective mantém um estúdio compartilhado onde alguns de seus membros têm um espaço de estúdio em Belfast, e o General Idea também foi fundamental na criação de infraestrutura na comunidade artística de Toronto. Metrópole de ArteO General Idea, um espaço administrado por artistas fundado pelo General Idea, continua a apoiar o trabalho de outros artistas, preservando o legado do coletivo.
Para os artistas que talvez não estejam acostumados a trabalhar em coletivos, há o benefício adicional de compartilhar o trabalho administrativo entre os membros do grupo com base nos pontos fortes, mas também de unir forças para refletir uns aos outros sobre a importância de continuar com o seu trabalho. É muito mais fácil escrever a proposta de subsídio quando você pode fazer um brainstorming com outras pessoas, e trabalhar com amigos também pode ajudar a responder à temida pergunta "por que estou fazendo isso". Embora o trabalho em um coletivo de arte exija mais comunicação e comprometimento, os membros do coletivo costumam ser recompensados por seus esforços com o compartilhamento de habilidades, apoio de colegas e, ocasionalmente, a alegria de sair juntos.
