Todos os anos, a Frieze realiza uma feira internacional de arte no Randall's Island Park. Com o foco nas principais galerias e artistas, ainda há espaço para descobrir novos talentos na seção Frame da feira, que é dedicada a artistas emergentes.
A grande variedade de idades, níveis de carreira e origens na Frieze proporciona uma experiência fascinante. Fiquei particularmente impressionado com a variedade multigeracional em exibição, que trouxe à tona as nuances de cada obra. Quando as obras se sobrepõem em termos de tempo e estilo, diferentes atributos são destacados e acentuados.
Os estandes da Frieze que se destacaram como os mais memoráveis são uma combinação de artistas jovens e nomes estabelecidos, uma mistura de escultura, pintura, fotografia e muito mais. Como um dos principais eventos de arte de Nova York, há sempre muito talento em exibição na Frieze, mas esses são os estandes que continuaram a ser instigantes mesmo após o término da feira.
Mira Schor, MA (eu) MA , 1991. 48 x 100 polegadas. Óleo sobre 12 telas. Cortesia de Lyles e King.
Mira Schor em Lyles e King
As obras expostas no estande de Lyles e King na Frieze pareciam contemporâneas, mas na verdade foram feitas na década de 1990 e não haviam sido exibidas anteriormente. Por quê? Não faço ideia, porque elas são incríveis. Mira Schor's Os trabalhos de Schor são ousados, mas suaves, politicamente engajados, mas poéticos, e executados de forma pictórica, mas com a sensibilidade dos desenhos. O trabalho de Schor me fez pensar sobre a recente Show de Judith Bernstein que aconteceu na Paul Kasmin Gallery. A sala estava cheia de imagens de pênis, tinta Day-Glo e luzes negras iluminando representações de Trump e Mau. Pensei que talvez eu fosse um puritano por não ter gostado daquelas obras. Mas Schor provou que isso estava errado; eu aprecio retratos mais complexos. No trabalho de Schor, há beleza e violência, e sim, há falos, mas também muito mais.
Nas obras de Schor na Frieze, vemos formas de útero sobrepostas a formas de esperma, palavras cursivas onomatopaicas rabiscadas e o motivo repetitivo de cabeças fálicas presas em geometrias diagramáticas de composição. Aprecio o contraste do espaço controlado e gráfico com as interrupções mais soltas e poéticas da forma e da linguagem.
Schor cria espaço para reflexão em seu trabalho, em vez de argumentos combativos. Definitivamente, há uma posição apresentada, mas ela é evocativa, não dogmática. As pinturas produzem um espaço estético e simbólico no qual você pode meditar. Adoro o tipo de beleza dolorosa dessas imagens pintadas em tons pastéis e terrosos. A variedade de estratégias e as interpretações abertas aqui permitem que o trabalho abra um diálogo honesto sobre sexo e gênero.
Sonia Almeida. Cortesia do artista.
Jesse Wine e Sonia Almeida em Galeria Simone Subal
A cabine era deliciosa. Ambos Jesse Wine e Sônia Almeida usam um tipo charmoso de taquigrafia em suas criações, fazendo referência à história de sua mídia e, ao mesmo tempo, dando espaço para o humor.
Jesse Wine é um jovem escultor britânico cujo trabalho explora formas corporais em cores monocromáticas ou brilhantes, formas revestidas de plasticina que talvez lembrem Henry Moore ou escultores surrealistas como Jean Arp, que contorciam e dobravam o corpo em argila e madeira. Esses artistas exploraram a violência dos corpos no contexto de novas guerras e do pensamento existencialista. Wine parece estar reagindo mais à cultura popular e às mudanças na mídia, contorcendo o corpo de forma cartunesca e capturando uma relação com a forma que é indicativa de nossa época.
Sonia Almeida, artista nascida em Portugal e radicada em Boston, faz pinturas de maneira semelhante. Suas obras são coloridas, fazendo referência a fundos simplistas de desenhos animados e ao formalismo abstrato despojado. Com uma pintura fina, tanto na quantidade de camadas de tinta quanto no corpo da tinta em si (ela é diluída e solta em partes), o trabalho de Almeida também revela truques de composição sofisticados e bem planejados. Em uma pintura, as camadas de lavagens criam uma geometria complexa de sombras. Em outro caso, sua pintura é literalmente capaz de separar dois painéis de madeira, revelando uma corda finamente pintada que se desfaz à medida que uma tela se transforma lentamente em duas. A pintura é visualmente unida por uma corda, em uma execução elegante, porém irônica.
Merrill Wagner, Sem título A e B, 1978. Cortesia do artista e da Zürcher Gallery, Nova York.
Merrill Wagner em Galeria Zürcher
O estande da Zürcher Gallery na Frieze era quase uma representação de sua exposição com o trabalho de Merrill Wagner no ano passado. Wagner, nascido em 1935, está finalmente sendo reconhecido como um pintor materialista pós-minimalista.
A maior parte de seu trabalho em exposição na Frieze apresentava um processo exclusivo, usando fita de tecido e plexiglass, que Wagner desenvolveu na década de 1970. O que torna suas pinturas minimalistas monocromáticas incomuns é seu interesse na degradação e na vida útil dos pigmentos. Inspirada pela longa história dos pigmentos como alquimia, Wagner se baseia nas representações da tinta como um material terroso, manipulado e espalhado sobre superfícies a serviço da expressão humana. Algumas pinturas em fita colorida com Alizarin Crimson recém-exibidas se destacaram especialmente por seus ricos matizes. A variedade de saturação e de suavidade na superfície deu vida ao trabalho. Como um Rothko, ela tremeluzia quando você andava para frente e para trás diante dela, com o monocromático despretensioso brilhando e recuando.
Também foi um prazer ver alguns dos documentos fotográficos de intervenção na paisagem de Wagner exibidos em uma grade. Wagner, que passa muito tempo no campo, criou um conjunto de trabalhos em que fez pinturas do lado de fora, em cercas na paisagem ao redor. Durante sua vida útil, ela fotografou sua decomposição in situ, observando a luz do sol e o clima alterarem a obra. Wagner acelera a natureza entrópica da pintura e, ao mesmo tempo, fala sobre ela na paisagem. Há uma Belo trabalho com o livro sobre essas peças, que mostra uma visão mais completa dessas pinturas performativas.
Martin Wong, Homem carrega um gêmeo não nascido dentro de sua cabeça por 21 anos, 1982. 36 x 48 polegadas. Acrílico sobre tela. Cortesia da P.P.O.W. Gallery.
Martin Wong e Peter Hujar na sala dos fundos do Galeria P.P.O.W.
Esses dois artistas estavam expostos na sala dos fundos da P.P.O.W., uma galeria com ótima programação. Gostei do trabalho destacado no espaço principal, mas realmente adorei ver algumas joias no espaço do armário, de artistas que admiro e que não esperava ver. Esse é o aspecto das feiras de arte; sempre há o evento principal - o estande planejado - mas a beleza das feiras pode ser suas surpresas ocultas. As conversas entre as pessoas que perambulam pelos corredores. Os manipuladores de arte no dia anterior desembrulhando as peças como se fossem presentes. A sala dos fundos pode ser um espaço mágico. Ele pode conter obras que acabaram de ser descobertas em um estúdio ou propriedade de um artista.
No estande da P.P.O.W., encontrei duas obras representativas das propriedades de Martin Wong e Peter HujarHujar e Wong, ambos trabalharam predominantemente na década de 1980 e fizeram trabalhos que tratavam da epidemia de AIDS, de relacionamentos figurativos e de identidade. Hujar é mais conhecido por seus retratos introspectivos em preto e branco, enquanto Wong, um pintor sino-americano, pinta com motivos altamente pessoais e repetitivos. Suas obras são algumas das minhas favoritas que tive o prazer de conhecer desde que me mudei para Nova York, e adorei ter a oportunidade de explorar seu trabalho mais uma vez.
Hans Breder, Ikarus, 1974. Fotografia de Ikarus. Cortesia da Ethan Cohen Gallery.
Hans Breder em Galeria Ethan Cohen
Embora eu achasse que a mobília da cabine de Ethan Cohen fosse uma grande distração, consegui tirá-la de minha mente. Isso permitiu que eu me concentrasse no elegante trabalho performático do artista alemão Hans Breder, revelando uma sala provocante de objetos simples e proposições corporais em um espaço cinematográfico e fotográfico. Breder, que faleceu no ano passado aos 81 anos de idade, merece essa atenção em seu trabalho. Usando frequentemente o corpo como tema, a prática de Breder se equilibra entre as noções de sublimidade e simplicidade doméstica. É interessante ver esses dois lados da escala do artista equilibrados em suas estratégias despojadas e de baixa fidelidade de criação de imagens e filmes.
Summer Wheatley, Piquenique com ketchup e mostarda, 2018. 74 x 144 polegadas. Acrílico sobre malha de alumínio. Cortesia da Andrew Edlin Gallery.
Trigo de verão em Galeria Andrew Edlin
Sou fã de Trigo de verão Vi seu trabalho pela primeira vez na Triangle Artist Residency em 2010. A Frieze foi a primeira vez que vi essas novas pinturas em tela de alumínio. À distância, elas aparecem como tapetes de tinta brilhante exuberantes e esculturais. Wheat desenvolveu essa nova técnica: ela trabalha a tinta acrílica na parte de trás da tela e depois a empurra para a frente, simulando formas de tinta semelhantes a fios. Anteriormente uma pintora a óleo, faz sentido que Wheat agora esteja usando acrílico de secagem rápida para essa nova aplicação. O processo deve ser ao mesmo tempo trabalhoso e libertador. É exato e impreciso ao mesmo tempo.
Essas obras estão repletas de simbolismo e narração de histórias típicas da história da tapeçaria narrativa. O tema remete a algumas imagens que vi em 2015 em uma visita ao estúdio. Aqui vemos piqueniques, corpos, objetos, cerâmicas, padrões, céus noturnos e a paisagem. As obras me lembram pergaminhos ou panoramas sinuosos. Sua extensão, qualidade imersiva e paleta mínima imploram que você decifre a técnica, as imagens ocultas e o senso exagerado de espaço. Há muito tempo admiro o trabalho de Wheat, e essas novas pinturas parecem sintetizar seus interesses entre artesanato, pintura, tema e técnica.
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