Em defesa das fotos alteradas digitalmente

Não existe uma fotografia objetiva.

Um artigo recente do The Wall Street Journal intitulado "Fotos alteradas digitalmente representam fatos ou ficção?" O fotógrafo de fotografia da Universidade de São Paulo disse que há muita "manipulação" (ou seja, Photoshopping) em muitas das imagens atuais, especialmente em fotojornalismo e concursos de fotografia. Evidentemente, há um padrão arbitrário (que ninguém parece definir objetivamente) que postula que, essencialmente, apenas uma imagem tirada diretamente da câmera é honesta ou aceitável - especialmente se você for um fotojornalista ou estiver inscrevendo sua imagem em um concurso.

A autora do artigo, Ellen Gamerman, dá exemplos de fotos alteradas, incluindo Harry Fischque "ganhou e perdeu um prêmio de primeiro lugar em um concurso de fotografia da National Geographic" pela imagem "Preparando as orações no Ganges" porque ele removeu digitalmente uma sacola plástica estranha de uma área sem importância da imagem. Também discutimos o seguinte Steve McCurryque é mais conhecido por seu icônico "Garota afegã" foto na capa da revista National Geographic em 1985. Ele foi acusado de manipular digitalmente algumas imagens tiradas em 1983 em Bangladesh e na Índia.

De modo geral, acho isso absurdo e a lógica por trás dessas tentativas de definir uma "fotografia objetiva" fatalmente falha. De um ponto de vista puramente científico, não existe absolutamente nada como uma fotografia "objetiva" - por uma série de razões. Todas as fotografias mentem, de forma permanente e absoluta. A única diferença é o quanto e em quantas áreas.

Um exemplo de combinação de enquadramento e profundidade de campo. Um fotógrafo está a 2,5 m de distância (da posição da minha câmera) do outro, mas o encurtamento da teleobjetiva de 200 mm parece retratar fotógrafos em duelo. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]

A primeira mentira: enquadramento

A própria natureza da fotografia, desde os primórdios até hoje, tem em seu núcleo um recurso essencial: o quadro. Apenas uma certa quantidade do que pode ser visto pelo fotógrafo pode ser capturada como uma imagem.

Há quatro bordas em cada fotografia. Se as bordas finais apresentadas ao espectador se devem às limitações da câmera/filme/sensor de imagem ou ao corte durante o processo de edição, isso é irrelevante. A escolha inicial do enquadramento é feita pelo fotógrafo, em conjunto com a câmera em uso, que apresenta limitações físicas que não podem ser ultrapassadas.

A escolha do enquadramento é totalmente subjetiva: é o olho/cérebro/intuição do fotógrafo que decide no momento para onde apontar a câmera e o que incluir no enquadramento. Girar a câmera alguns graus para a esquerda para evitar um poste telefônico feio é uma "manipulação digital injustificada"?

A maioria dos editores de notícias e juízes de concursos de fotografia provavelmente não concordaria. Mas e se você obtiver o mesmo resultado exato cortando a imagem durante um processo de edição - já começamos a ver discordância na literatura.

Se Fisch tivesse simplesmente se aproximado e pegado a sacola plástica ofensiva antes de expor a imagem, ele provavelmente seria o merecedor do prêmio de primeiro lugar da National Geographic, mas como ele removeu a sacola durante a edição, sua fotografia foi desqualificada.

Por essa mesma lógica, quando Leonardo Da Vinci pintou o Mona Lisa Há uma balaustrada com duas colunas atrás dela. Há uma simetria perfeita na colocação de Lisa Gherardini (a suposta modelo) entre as colunas, o que ajuda a enquadrar o tema. A pintura leva tempo, e é provável que um pássaro pousasse de vez em quando na balaustrada. Leonardo deveria incluir o pássaro ou não? Ele "manipulou" a imagem incluindo apenas as partes da imagem que eram importantes para a composição? Algum editor ou juiz ousaria perguntar a ele hoje, se isso fosse possível?

Foto em ângulo amplo, demonstrando foco nítido do primeiro plano ao plano de fundo. Além disso, o exagero da perspectiva faz com que a proa do navio pareça muito mais alta do que a popa. [©2013 Ed Elliott / Clearlight Imagery]

A segunda mentira: a lente

Nenhuma fotografia pode ser feita sem uma lente. Toda lente tem certas propriedades irrefutáveis: a distância focal e a abertura máxima são as mais importantes. Cada um desses parâmetros confere um aspecto vital e subjetivo à imagem capturada posteriormente.

Cada distância focal coloca mais ou menos foco no quadro e, inversamente, reduz a profundidade de campo. As lentes grande-angulares tendem a colocar todo o campo de visão em foco nítido, enquanto as telefotos desfocam tudo, exceto o que o fotógrafo selecionou como ponto de foco principal.

Além disso, cada tipo de lente distorce visivelmente o campo de visão: as lentes grande angular tendem a exagerar a distância entre o primeiro plano e o plano de fundo, fazendo com que os objetos mais próximos no quadro pareçam maiores do que realmente são e tornando os objetos distantes ainda menores. As lentes telefoto têm o efeito oposto, encurtando a imagem e achatando a imagem resultante.

Por exemplo, em uma foto teleobjetiva longa de uma árvore em um cume iluminada pela lua, tanto a árvore quanto a lua podem ser nítidas e, aparentemente, a lua está diretamente atrás da árvore, mesmo estando a 239.000 milhas de distância.

O resultado final é que a escolha da lente e da abertura é um elemento de controle do fotógrafo (ou de sua carteira) e tem um efeito enorme na imagem tirada com essa lente e configuração. Nenhuma dessas escolhas pode ser considerada uma manipulação "analógica" ou "digital" da imagem durante a edição, mas, sem dúvida, elas têm um efeito maior sobre o resultado, a mensagem, o impacto e o teor da fotografia do que qualquer coisa que possa ser feita posteriormente na câmara escura (seja química ou digital).

A terceira mentira: velocidade do obturador

Toda exposição é um produto de dois fatores: luz e tempo. A quantidade de luz que incide sobre um negativo (ou sensor digital) é regida exclusivamente pela abertura selecionada (e possivelmente por quaisquer filtros adicionais colocados na frente da lente); a duração pela qual a luz pode incidir sobre o negativo é definida pela velocidade do obturador.

Embora a principal propriedade da configuração da velocidade do obturador seja produzir a exposição correta após a seleção da abertura (para evitar a subexposição ou a superexposição da imagem), há um grande efeito secundário da velocidade do obturador em qualquer movimento da câmera ou dos objetos no quadro.

Velocidades rápidas do obturador (acima de 1/125 de segundo com uma lente normal) basicamente congelam qualquer movimento, enquanto velocidades lentas do obturador resultam em tremores, borrões e outros artefatos de movimento. Embora alguns desses artefatos possam ser apenas irritantes, nas mãos de um fotógrafo habilidoso, os artefatos de movimento contam uma história. E, da mesma forma, um congelamento de quadro (de uma velocidade de obturador muito rápida) pode distorcer a realidade na outra direção, dando ao observador um ponto de vista que o olho humano nunca poderia vislumbrar na realidade.

O tempo de exposição de horas de trilhas de estrelas ou a foto de animação suspensa de uma bala prestes a perfurar um balão são manipulações da realidade, mas elas ocorrem quando a imagem é formada, não na câmara escura. A experiência subjetiva de uma bola de futebol americano distorcida pelo impacto do pé do jogador, travada no tempo por uma velocidade de obturador de 1/2000 de segundo, é muito diferente da mesma foto do jogador a 1/15 de segundo, em que sua perna é um arco borrado contra um fundo nítido de grama. Duas histórias totalmente diferentes, apenas pela escolha da velocidade do obturador.

A quarta mentira: sensibilidade do filme/sensor (ISO)

Como se o nariz do Pinóquio já não tivesse crescido o suficiente, temos mais uma distorção da realidade que toda imagem contém como um componente básico: a sensibilidade do filme/sensor. Já discutimos a exposição como um produto da intensidade da luz x tempo de exposição, mas ainda resta um parâmetro.

A chamada exposição "correta" é aquela que tem um equilíbrio de valores tonais e (mais ou menos) representa os valores tonais da cena que foi fotografada. Isso significa essencialmente que os pretos, sombras, tons médios, realces e brancos são todos aparentes e distintos na fotografia resultante, e os valores de contraste estão mais ou menos alinhados com os da cena original.

A sensibilidade do filme (ou do sensor digital) é fundamental nesse aspecto. Um filme muito sensível permitirá a obtenção de uma imagem correta com uma exposição menor (abertura menor, velocidade de obturador mais rápida ou ambos), enquanto um filme "lento" (insensível) exigirá o contrário.

Um corolário da sensibilidade do filme é a granulação (no filme) ou o ruído (nos sensores digitais). Se você deseja um negativo com granulação fina e super nítido, deve usar um filme lento. Se você precisar de um filme rápido que possa produzir uma imagem aceitável com pouca luz sem flash, por exemplo, para trabalhos de fotojornalismo ou vigilância, deverá usar um filme rápido e aceitar grãos do tamanho de arroz, em alguns casos. A vida é uma questão de compromisso.

Mais uma vez, o resultado final é subjetivo e está totalmente sob o controle do fotógrafo experiente, mas isso existe completamente fora da câmara escura (ou do Photoshop). Duas cenas idênticas capturadas com filmes de ISOs muito diferentes (ou configurações de sensor) produzirão resultados muito diferentes. Um ISO lento produzirá uma imagem muito nítida e super-realista, enquanto um ISO muito rápido será granulado, um pouco difuso e poderá tender ao surrealismo se for levado ao extremo. [Observação técnica: a parte aritmética da classificação ISO é a mesma que a escala de classificação ASA mais antiga; eu uso a nomenclatura atual.]

Não existe uma verdade objetiva na fotografia

Toda fotografia é uma ilusão. Usando uma lente, um elemento fotossensível de algum tipo e uma caixa para restringir a imagem apenas à luz que passa pela lente, uma fotografia é uma representação do que está diante da lente. Nada mais.

Distorcida e limitada pela escolha do fotógrafo quanto ao ponto de vista, lente, abertura, velocidade do obturador, filme/sensor e assim por diante; a imagem resultante, se executada corretamente, reflete, no máximo, a visão interna da mente/percepção do fotógrafo sobre a cena original.

Um dos grandes desafios da fotografia é que, à primeira vista, muitas fotos parecem ser apenas uma cópia da realidade e, portanto, não contêm nenhum valor artístico inerente. Nada poderia estar mais longe da verdade. É que essa arte se esconde à vista de todos.

A raiz do problema é a nossa visão coletiva, subjetiva e imprecisa de que as fotografias são verdadeiras e representam com precisão a realidade que estava diante da lente. Presumimos ingenuamente que as fotos são confiáveis, que elas nos mostram a única visão possível da realidade. É hora de crescermos e aceitarmos que a fotografia, assim como todas as outras formas de arte, é, antes de tudo, um produto do artista.

Ed Elliott é um fotógrafo que vive em Nova York. Visite seu portfólio on-line aqui. Todas as fotos deste artigo foram tiradas por Ed Elliott.

Este artigo foi publicado originalmente aqui e republicado com a permissão do autor.