A Independent Art Fair chamou a atenção do mundo da arte de Nova York nesta primavera. Embora muitas pessoas se refiram às feiras de arte de março de Nova York como "Armory Week", em referência ao histórico Armory Show que acontece nos cais de Manhattan, este ano, a bem organizada Independent Art Fair ofuscou o show mais conhecido. A feira recebeu muito mais atenção este ano, em parte porque duas outras feiras, NADA e Volta, foram canceladas.
A feira foi bem-sucedida devido à bela variedade de trabalhos apresentados por galerias bem selecionadas. Foi como se a Independent tivesse distribuído um memorando dizendo: "Por favor, nada de arte selfie e trate este espaço como um museu". Com a única exceção da pintura de retratos ao vivo no último andar, que parecia um número de circo, a maioria das obras de arte foi exibida de forma significativa. As galerias priorizaram a melhor maneira de mostrar o trabalho de seus artistas em vez de se concentrarem apenas em vendas rápidas e sujas.
Abaixo você encontra seis portfólios de artistas cujo trabalho brilhou mais intensamente nas paredes brancas da Independent Art Fair.
Dona Nelson na Thomas Erben Gallery
Dona Nelson é uma força. Ela faz pinturas multimídia independentes de dupla face. Suas obras ocupam espaço de uma forma que parece um gesto político. Elas exibem sem pudor uma poderosa liberdade estética e assumem a história tanto da pintura abstrata quanto do artesanato. Sua marcação frenética e improvisação escultural são feitas sem preocupação com o que é correto ou com quem está assistindo. Seu trabalho é o equivalente, para os pintores, a dançar sozinho e cantar no chuveiro - e fazer tudo isso em público.
Nelson é uma pintora sênior de destaque que deveria estar recebendo muito mais atenção do que está. Assim como Judith Linhares e Mira Schor, Nelson faz parte de uma onda de pintoras que finalmente estão começando a receber o que merecem. Fiquei feliz em ver dois trabalhos de Nelson na frente e no centro da Galeria Thomas Erben uma galeria que tem o dom de mostrar ótimas pinturas. E se você ainda estiver com fome de algum trabalho saboroso como um lanche bônus, confira a exposição deles em Chelsea com o trabalho de Jackie Gendel.
Sarah Gamble em Fleisher/Ollman
Sarah Gamble é uma pintora idiossincrática que vive na Filadélfia. Seu trabalho é obsessivo, elegante e rico em camadas. Cada peça que ela faz se torna uma tapeçaria pintada de pontos, marcas e camadas de tinta. O trabalho em exposição parece que Gamble está jogando um jogo de xadrez celestial em que todas as peças do jogo são as estrelas. Ela se torna tanto uma atmosfera quanto uma mensagem. Você tem a sensação de algo antigo e de algo que está sendo gerado de novo. Parece particular e imbuído de um desejo humano de registrar e refletir o mundo que nos cerca. Há uma poderosa qualidade desconhecida em suas pinturas. Em vez de serem dogmáticas, elas são abertas, permitindo que o espectador explore e se perca em seus pequenos detalhes. Elas parecem descrever tanto uma energia quanto um mapa. Essa pintura parece ao mesmo tempo um guia e o vento. Espero ver uma exposição individual do trabalho de Gamble em breve em Nova York para que eu possa me deixar levar completamente.
Goutam Ghosh na Standard (Oslo)
Eu adorava as escadas de Jacob quando era criança. Meu avô fazia essas engenhocas de brinquedo à mão com restos de madeira. Costumávamos brincar com elas em sua oficina enquanto ele construía móveis. Nesse dispositivo simples, eu pensava na regeneração do mundo, na repetição, em escalar o espaço e cair de novo. Goutam GhoshAs sutis colagens esculturais de multimídia da empresa me remeteram a esses brinquedos. As obras emolduradas em miniatura capturam como os brinquedos podem ser simples, misteriosos e diagramáticos. Também pensei em diagramas renascentistas, manuscritos, livros didáticos, sistemas pictóricos, padrões de voo, anagramas e matemática abstrata.
Os pontos de referência nessas obras gestuais fragmentadas são amplos e ricos. Ghosh, que expõe na Standard Oslo, mora em Prantik, para onde se mudou depois de concluir seu treinamento artístico na Escandinávia. Seu trabalho segue um caminho distinto e individual para ser feito, o que faz com que suas peças pequenas e modestas se destaquem na feira.
Imagem: Goutam Ghosh, Gymnasium, 2016 Cortesia do artista, da Renaissance Society, Chicago e da STANDARD (OSLO), Oslo Fotógrafo: Tom Van Eynde
Alex Kwartler em Magenta Plains
As pinturas de Alex Kwarlter em Planícies Magenta incorporam sua atitude pessoal de laissez-faire. O grande trabalho vertical em exibição era simples em sua construção, mas múltiplo em seu efeito. Nessa obra, Kwartler espalha lavagens ondulantes de gradiente pastel pela superfície. Sobre esse campo, há círculos mascarados que revelam a tela crua por baixo. Formas circulares de sombras pintadas do mesmo tamanho que a tela rebaixada são aplicadas ao swoosh pintado. Isso cria uma experiência visual que confirma o material da pintura e confunde a ótica do espaço descrito. Em três movimentos calculados, Kwartler cria uma ilusão de ótica atrevida e um efeito atmosférico envolvente. Seu trabalho defende dispositivos minimalistas simples e fáceis. Ele executa um trabalho de baixo custo a serviço de um alto impacto. Para alguns, isso pode ser frustrante, mas apenas porque você gostaria de ter tido a coragem de fazer isso ou de pensar nisso primeiro.
Julie Curtiss em Galeria Anton Kern
Julie Curtiss é uma artista francesa que trabalha e vive no Brooklyn. Suas obras lembram as vibrações surrealistas pop dos Imagistas de Chicago. Em particular, ela me lembra as técnicas de pintura de sinais de Jim Nutt e as estranhas formas figurativas de Barbara Rossi. Isso se soma ao fato de que ela estudou no Instituto de Arte de Chicago em 2004. No entanto, Curtiss cria seu próprio mundo pintado distinto - um mundo repleto de corpos nus, unhas longas e afiadas e a maioria das coisas cobertas de pelos. É estranho, belo e enervante. Em suas cenas teatrais, não vemos rostos explícitos; em vez disso, vemos o corpo feminino retratado como peculiar, perigoso, nojento e sedutor. Na maioria das vezes, ela escolhe narrativas cotidianas para retratar, como um dia na praia ou cortando um bolo de aniversário. As imagens parecem doces e simples, mas se tornam sinistras por meio de representações lineares obsessivas e uma insistência em encobrir a identidade das personagens femininas. Cada pintura é como o chamado tribal de uma música do Le Tigre tocada em looping repetidamente: é uma diversão pop cativante, mas também é perigosamente subversiva e sacarina.
Renate Bertlmann em Richard Saltoun
No sexto andar, encontrei uma coleção de Renate Bertlmannno trabalho de Richard Saltoun. Bertlmann é uma artista de vanguarda feminista austríaca de 79 anos que trabalha com performance e escultura. Ela frequentemente confunde a linha entre objeto de arte, adereço e brinquedo sexual. Ela também ofusca os papéis masculino e feminino em suas performances, objetos e figurinos. Seu trabalho, alguns do início dos anos 70, tem energia renovada em um mundo cada vez menos binário.
Ela confunde os papéis de gênero em seu trabalho como uma forma de inverter o poder sobre si mesma. Seus gestos performativos são tão simples quanto confundir a forma de um falo com um mamilo em suas esculturas corporais de látex. Os papéis sexuais e de gênero que desempenhamos são seu tema principal. Cada escultura parece precisar ser tocada, usada, pega ou até mesmo inserida. As fotografias em preto e branco documentam como as esculturas foram usadas em uma performance de ação ao vivo. Fiquei feliz ao ler que Richard Saltoun estava doando 5% de suas vendas para a galeria A.I.R., um centro de artistas sem fins lucrativos, administrado por mulheres, com quase 50 anos de existência, em D.U.M.B.O. É uma combinação perfeita para o trabalho de Bertlmann, pois ela ajudou a pavimentar o caminho para muitas artistas mais jovens.
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