Uma breve história da arte de protesto

No clima político atual, os artistas estão encontrando maneiras de se envolver na política. Com um governo americano que chamou o apoio à arte e às humanidades de "não "prudente"Em um momento em que você está se sentindo mais seguro, a população criativa está assumindo a responsabilidade de provar que a arte desempenha um papel vital na sociedade.

O resultado tem sido tudo, desde ações individuais, como A denúncia de Richard Prince sobre seu trabalho de propriedade de Ivanka Trump, para exposições como O Centro Knockdown's Mulheres desagradáveis em Queens, Nova York, que doou as vendas de obras de arte para a Planned Parenthood.

À medida que as pessoas são chamadas para ação na ruaSe você não quiser participar, alguns artistas talvez queiram largar os pincéis, fechar os laptops e participar. Mas eles também podem usar seu talento e visão para ajudar um movimento. Por exemplo, o artista Christo decidiu abandonar um projeto que custou $15 milhões de seu próprio dinheiro, além de mais de 20 anos para ser criado, no que o New York Times chamado "o maior protesto do mundo da arte até o momento". A ação de outros artistas parece iminente.

A iniciativa de eliminar o financiamento da arte poderia revelar o desejo do atual governo de calar as vozes críticas? Ao longo da história, os artistas têm participado como reacionários inflexíveis a ações políticas injustas. Eles têm sido manifestantes declarados durante a Guerra do Vietnã nas décadas de 60 e 70, entre inúmeros outros casos. Em geral, eles são a primeira comunidade a se manifestar em nome dos direitos humanos e contra a opressão. Nos últimos cem anos, os artistas e suas ações foram incrivelmente importantes para os direitos LGBTQIA, o feminismo, o pacifismo, os direitos de imigração e os direitos das pessoas de cor.

A história da arte de protesto é vasta e densa. Nesta breve visão geral, estamos analisando uma seleção de artistas politicamente impactantes do século passado para que você se inspire em chamadas artísticas para a ação. Dos dadaístas às Guerrilla Girls, aqui estão os movimentos artísticos e os indivíduos que você deve conhecer. É uma olhada no passado para que você possa olhar para frente.

Hannah Höch, "Untitled (Large Hand Over Woman's Head)" (Sem título (mão grande sobre a cabeça de uma mulher), 1930, fotomontagem via Artístico

Os Dadaístas

Absurdistas políticos europeus baseados em Zurique

Na década de 1920, os dadaístas fundaram a boate Cabaret Voltaire como um local para arte performática experimental e política. Eles também inventaram colagem como um meio acessível. Eles usaram a colagem para se apropriar de jornais em reação à Primeira Guerra Mundial. O grupo se dividiu em várias disciplinas: escultores, designers, artistas e poetas. Eles se uniram sob o absurdo da humanidade devastada pela guerra e fizeram uma arte reacionária sem remorso e com força total. Alguns dos dadaístas mais influentes incluem Hannah Höch, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Francis Picabiae Kurt Schwitters.

Diego Rivera, Detalhe de "The Uprising" (A Revolta) 74 x 93 3/4″, 1931 via MoMA

Muralistas mexicanos

Muralistas para o Apoio Comunista Mexicano

Na América do Norte, durante a década de 1920, os muralistas mexicanos estavam em uma revolução contra a industrialização tirânica. Sua intenção era proteger os direitos dos trabalhadores. Artistas como Diego RiveraOs artistas, que eram os mais famosos, estavam pintando afrescos públicos em grande escala, ilustrando a luta do proletariado. O grupo alinhado com Ideais leninistas e se envolveram com a política por meio dos padrões da história da pintura. Eles reproduziram estratégias tradicionais de pintura, principalmente a pintura de afrescos em grande escala. Assim como os artistas renascentistas, eles se comunicavam com massas de pessoas por meio de suas cenas didáticas e poderosas.

Jacob Lawrence, "Um dos maiores tumultos raciais ocorreu em East St. Louis". NPR

Jacob Lawrence

Pintor social afro-americano

Jacob Lawrence é um dos artistas visuais mais importantes dos Estados Unidos. Ele fez uma série ilustrativa de trabalhos com foco em momentos históricos que capturam a desigualdade racial. A imagem retratada acima faz parte de sua enorme coleção de pinturas de 60 peças chamada A série Migração. A série retrata as causas, o tumulto e os resultados da grande migração de afro-americanos do Sul para as cidades do Nordeste/Central. A migração ocorreu depois que Jim Crow ameaçou suas vidas e a igualdade no sul. Lawrence pintou incansavelmente em papelão e madeira simples com tinta tempera colorida. As pinturas expressam momentos da viagem, inclusive momentos mais calorosos, mostrando a família e a camaradagem. Porém, o mais forte é que ele descreveu os momentos de violência e opressão tanto no Sul quanto no Norte. Lawrence continuou a fazer várias outras séries sobre questões históricas sociais e foi um colaborador prolífico da American Art.

Gordon Parks, "American Gothic, Washington, D.C.", 1942, impressão em gelatina e prata via Galeria Metivier

Gordon Parks

Fotógrafo documental de direitos civis afro-americanos

Gordon Parks foi um prolífico fotojornalista, cineasta, escritor e humanitário. Foi um artista proeminente entre as décadas de 1940 e 1970 e fez trabalhos até sua morte em 2006. Ele documentou os direitos civis, a desigualdade racial e a pobreza. Como um dos primeiros cineastas afro-americanos, Parks também foi essencial para o desenvolvimento do gênero "Blaxploitation". A maioria dos filmes desse gênero eram essencialmente filmes de ação voltados para o público negro. No entanto, seu trabalho político mais impactante foi provavelmente suas imagens da pobreza negra tiradas durante a década de 1940. Compostas de maneira formal e assombrosa, as obras descrevem uma comunidade empobrecida que precisava ser destacada para provocar mudanças. Parks foi fundamental para o desenvolvimento da fotografia social e política. '

Danny Lyon "Arrest of Taylor Washington" (Prisão de Taylor Washington) Atlanta, 1963, Impresso em 1967, Impressão em prata gelatinosa vintage - 25,4 x 20,3 cm (10 x 8 polegadas)

Danny Lyon

Fotógrafo de rua americano

No verão de 2016, Danny Lyon fez uma retrospectiva melhor do que nunca chamada *Danny Lyon: Mensagem para o futuro no Whitney Museum of Art. A galeria exibiu fotografias históricas de pessoas de cor sendo presas em protestos durante a década de 1960, imagens do recente movimento Occupy e um filme em estilo de entrevista chamado "One Man One Vote: Danny Lyon em conversa com Julian Bond". Observando as novas imagens justapostas às imagens do movimento pelos direitos civis, fica claro que não houve muito progresso. Lyon passou as últimas seis décadas fotografando alguns dos momentos de maior impacto social. Momentos em que as pessoas estão lutando por seus direitos e a reação das comunidades contra eles. Muitas de suas imagens são usadas como fotografias de referência importantes para o movimento dos Direitos Civis. Como artista associado à fotografia de rua americana, seu trabalho se destaca por fornecer a documentação necessária para os movimentos da década de 1960 até os dias atuais sobre questões raciais e direitos humanos. Ele trabalhou como fotógrafo desonesto, não afiliado a nenhuma publicação importante da mídia. Ele não foi apenas um fotógrafo de ativismo, mas também trabalhou incansavelmente com os movimentos como participante e organizador.

William Kentridge, Still from "Felix in Exile", 1994, Hand Drawn Animation via Galerias Serpentine

William Kentridge

Animador político sul-africano

William Kentridge é um artista sul-africano. Sua prática baseada em desenhos usa narrativas e imagens para expressar preocupações com os direitos humanos. Ele geralmente se concentra em Joanesburgo, um lugar repleto de problemas industriais, políticos e econômicos. O conhecido trabalho Felix no exílio é uma animação que retrata uma crítica, com remorso, ao cenário político da cidade. A animação curta consiste em mais de quarenta desenhos que são apagados e desenhados sucessivamente para animar cenas complexas. Kentridge ilustra uma cidade industrial abandonada que está repleta de dor e sofrimento de corpos negros. O filme expressa profunda preocupação, pesar e perda sobre as consequências do estado social e político da cidade. Esse é apenas um dos muitos trabalhos que Kentridge fez usando sua técnica exclusiva. Ele continua a criar obras políticas emocionalmente carregadas sobre as nuances da dor que resultam na negação dos direitos humanos.

Ana Mendieta; Sem título; 1974

Ana Mendieta

Artista de performance feminista

Ana Mendieta nasceu em Cuba, mas migrou para os EUA aos 12 anos de idade para escapar da Revolução Cubana. Ela foi uma figura importante no desenvolvimento da arte corporal feminista. Ela frequentemente combinava seu corpo em instalações de land art e performances utilizando materiais naturais, além de seu cabelo e sangue. Um de seus trabalhos mais conhecidos é Sem título (transplante de pelos faciais) (1976), na qual ela cortou os pelos faciais de participantes do sexo masculino para adornar seu próprio rosto com os restos. A obra comenta a natureza performativa do gênero. Seu trabalho se concentrou em questões de feminismo, corpo, pertencimento cultural, lugar e mortalidade. Sua obra assume a forma de performance, instalação, filme, livros e peças sonoras. Ana Mendieta morreu prematuramente - é popularmente pensado que seu marido e artista Carl Andre a jogou pela janela de seu apartamento em Nova York. No entanto, as acusações nunca foram feitas e sua morte é oficialmente considerada um acidente.

"Uma Guerrilla Girl posa em frente a um outdoor em 2002 que critica o Oscar, não muito longe de onde eles são apresentados em Hollywood." via NYT

Guerrilla Girls

Artistas feministas anônimos

Em 1985, as Guerrilla Girls entraram em ação como manifestantes anônimas que usavam máscaras de gorila. Elas lutaram contra a falta de reconhecimento e inclusão de mulheres e pessoas de cor no mundo da arte. As Guerrilla Girls continuam ativas até hoje, pois continuamos a enfrentar esses problemas, e as identidades das integrantes ainda estão ocultas. O grupo de ativistas usa pseudônimos de artistas femininas mortas para manter seu trabalho vivo. O grupo protesta, fala e se apresenta publicamente, em instituições de arte e galerias particulares. Suas identidades ocultas ajudam a proteger os membros de arruinarem suas carreiras primárias como artistas. Elas costumam criticar grandes instituições com financiamento público e galerias privadas por sua falta de remuneração e inclusão de artistas marginalizados. Eles são mais conhecidos por seus pôsteres, painéis, folhetos e livros inteligentes e bem-humorados. O trabalho utiliza um design gráfico estiloso para apresentar rapidamente estatísticas claras sobre o déficit de apoio.

Judy Chicago "The Dinner Party" (O jantar), 1974-79. Cerâmica, porcelana, tecido, 576 × 576 pol.

Workshop de estúdio feminista

Organizado por Judy Chicago, Sheila Levrant de Bretteville e Arlene Raven

O Feminist Studio Workshop era um programa autossustentável administrado pelas fundadoras do Edifício feminino em Los Angeles. Entre os fundadores havia três mulheres: A reverenciada artista feminista Judy Chicago, que projetou a famosa obra feminista quintessencial dos anos 70 O jantarDesigner gráfico Sheila Levrant de Bretteville que fez inúmeras imagens em apoio ao feminismo; e a historiadora de arte feminista Arelene Ravenque, em 1989, escreveu "Art in the Public Interest" (Arte no interesse público), abordando as mesmas questões que estamos enfrentando hoje. O Women's Building e o Feminist Studio Workshop existiram de 1973 a 1991. O Feminist Studio Workshop foi uma das primeiras escolas de arte independentes para mulheres com foco em oficinas. As três sócias fundadoras o iniciaram depois que se cansaram de trabalhar em escolas dominadas por homens CalArts. O espaço foi uma iniciativa importante para o desenvolvimento de outras artistas feministas e de trabalhos artísticos feitos por mulheres. O espaço incluía uma galeria, livraria, cafeteria e espaços de trabalho.

Carrie Mae Weems. De "The Kitchen Table Series", 1990

Carrie Mae Weems

Fotógrafo e artista de vídeo

Carrie Mae Weems é uma das artistas mais importantes de nosso tempo. Weems passou a vida inteira realizando trabalhos que exploram raça, gênero, classe e ativismo. Ela trabalha com fotografia, vídeo, palavra falada e têxteis. Seu trabalho descreve questões cotidianas com recursos visuais poéticos e clareza astuta sobre o peso da condição humana. Série A Mesa da Cozinha é provavelmente seu projeto fotográfico mais conhecido. A obra descreve os momentos que acontecem nos espaços internos domésticos entre gênero e família. Seu trabalho está repleto de descrições sutis de poder e intimidade. Ela capta com beleza como o pessoal é político.

Nancy Spero. "Search and Destroy", detalhe, 1967 Guache e tinta sobre papel, 24 x 36 polegadas.

Nancy Spero

Pintora política feminista

Nancy Spero esteve nas trincheiras como feminista durante o início do Movimento das Mulheres na década de 1960. Suas pinturas/desenhos gestuais em grande escala ilustram reações emocionais à guerra e questões femininas. Embora seja considerada uma pintora, a artista rejeitou o uso de tinta sobre tela, pois era sinônimo de pintores masculinos misóginos. Em vez disso, ela optou por uma variedade de materiais de desenho para criar obras políticas intensas, cruas e ilustrativas. Discutindo sua Série War trabalha com Stephanie Buhmann para The Brooklyn RailSpero disse: "Com as pinturas de guerra, tive que descobrir como pintar 'manifestos' contra a guerra e a violência. De 1966 a 1970, trabalhei de forma rápida e furiosa. Você não precisa mais trabalhar com tinta a óleo e tela. Usei guache, aquarelas, tintas de desenho e papel". Ela também jogou tortas você pode usar o telefone celular para protestar, por isso somos grandes fãs.

Imagem de arquivo via

PAD/D

Grupo de artistas ativistas de Nova York

Na década de 1980, o grupo PAD/D, com sede em Nova York, foi para as ruas e para os arquivos. O nome do grupo significa Political Art Documentation and Distribution (Documentação e distribuição de arte política). O grupo tinha a missão de "proporcionar aos artistas uma relação organizada com a sociedade, demonstrar a eficácia política da criação de imagens e fornecer uma estrutura na qual os artistas progressistas pudessem discutir e desenvolver alternativas ao sistema artístico convencional". Eles criavam eventos, distribuíam informações, participavam de protestos, criavam arte para uso em demonstrações, publicavam boletins informativos, realizavam fóruns e se envolviam em qualquer coisa que combinasse arte e protesto.

Martha Rosler. "Gladiators from the series Bringing the War Home: House Beautiful", 2004, fotomontagem.

Martha Rosler

Fotomontagem política inteligente

Martha Rosler é uma artista americana. Ela trabalha com fotomontagem, vídeo, fotografia, texto, performance e instalação para criar comentários políticos a partir de uma visão feminista. O mandato que une sua prática multidisciplinar é seu forte senso de política e seu olhar fervoroso sobre a mídia. Ela costuma usar a apropriação para criar imagens satíricas e poderosas. Seu trabalho captura e comenta de forma concisa momentos de injustiça, nuances de violência e questões de desigualdade. Seu trabalho tornou-se mais popular na década de 1970, mas Rosler está mais ativa do que nunca. Sem dúvida, ela fará trabalhos relacionados ao clima político dos Estados Unidos no momento.

Felix Gonzalez-Torres, "Untitled" (Sem título), 1991. Quadro de avisos. Vista da instalação do Projeto Billboard de Felix Gonzalez-Torres.

Felix Gonzalez-Torres

Artista conceitual cubano-americano

Felix Gonzales-Torres foi um importante artista conceitual que confrontou questões sociais e políticas por meio do minimalismo. Ele empregou uma grande variedade de materiais para expressar suas premissas conceituais visuais usando pilhas de papel, doces, luzes de corda e quebra-cabeças. Como homossexual que vivia na cidade de Nova York na década de 1980, ele fez muitas obras que comentavam com compaixão a proliferação da AIDS em sua comunidade. Seu trabalho usava abordagens sutis, concisas e poderosas para discutir a mortalidade e a natureza fugaz da vida. A peça acima, Sem título (1991), retrata a imagem de uma cama vazia. Esse trabalho, com a mais elegante simplicidade, discute a perda de um amante e como a morte nos cerca em lugares cotidianos após a perda. Seu trabalho geralmente tem essa capacidade de usar materiais e alusões cotidianas e criar um efeito emocional profundo.

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