Abraham conversou com o Format durante a produção de uma instalação encomendada pela Bienal de Arte de Toronto e apresentada em conjunto com a Gallery TPW. A abertura será realizada no sábado, 21 de setembro de 2024. Acesse o site da Toronto Biennale para obter mais informações.
Para ver mais do trabalho de Abraham, Confira o portfólio Format dele.
A arte é um chamado
Meu nome é Abraham Onoriode Oghobase. O nome Onoriode vem da tribo Urhobos, do estado do Delta, na Nigéria. Esse nome significa "quem sabe o amanhã". Nasci na Nigéria em 1979, na época do boom do petróleo. Portanto, nasci naquela época em que havia muito, muito dinheiro na Nigéria. Mas, ao mesmo tempo, também enfrentávamos o regime militar. O regime entrou e saiu durante os anos 80 e 90, antes de nos tornarmos uma democracia, quando conseguimos um presidente democraticamente eleito para o nosso estado.
Cresci em um ambiente em que não havia muita exposição à arte. O que importava mesmo era ser correto, ir à escola. Todos nós deveríamos ir para a engenharia ou contabilidade. Não havia muitos museus ou instituições de arte para as crianças visitarem. Acho que nos contentávamos em brincar na igreja. Mas à medida que fui crescendo, percebi que adoro música, adoro artes. Naturalmente, eu não estava inclinado a ser um artista devido ao ambiente em que cresci. Digo isso porque acredito firmemente que a arte é um chamado. Ela chama você. Não basta você saber desenhar, saber pintar ou saber cantar. Acho que é muito mais do que isso. Há algo sobrenatural que a impulsiona.
Abstrações, identidade e pós-colonialismo
Minha prática, em sua essência, é sobre pós-colonialismo. Exploro a identidade e a representação.
Uso abstrações como uma maneira de me envolver. Estou realmente interessado na linguagem e na filosofia da estética. O que você quer dizer com isso? Enquanto aprendia, eu me apropriava de certas linguagens dentro das estruturas dos livros. Isso me levou ao meu interesse pela produção de conhecimento. Em sua raiz, esse interesse na produção para mim é o resultado de uma análise do conhecimento dos preconceitos raciais ao meu redor. Cresci na Nigéria, mas quando fiquei mais velho, comecei a viajar. E, pela primeira vez, pude perceber a diferença - OK, minha negritude era uma coisa. Assim que saí da minha comunidade, ela se tornou uma coisa. Quando cheguei à Europa e à América do Norte, fiquei muito confuso. Percebi que ela [a divisão racial] é muito profunda. E, embora eu seja negro, vim de uma cultura diferente, onde minha negritude não fazia tanta diferença. Também vim de uma história diferente de produção.
E acho que foi assim que a mudança em meu trabalho começou. Porque minha prática costumava ser predominantemente baseada na estética do formato de documentário. Quando comecei a viajar para a Europa, por volta de 2006, foi quando começou essa conscientização. Isso me fez realmente questionar muitas coisas: meu trabalho, minha prática. E, em algum momento, a fotografia se tornou muito chata, eu simplesmente achava que a fotografia não era suficiente. Ela era muito bidimensional, muito plana, para capturar todas as camadas de informações, emoções e identidades que eu estava experimentando. Capturar apenas uma representação não era suficiente.
Compartilhando experiências pessoais por meio de imagens em camadas
Sou muito cativado por música, especificamente música ambiente. Um de meus álbuns favoritos é "Música para aeroportos", de Brian Eno. Durante minha primeira viagem à Europa, em 2006, um curador tocou esse álbum para mim e me deu o CD. Lembro que na primeira vez que o ouvi, chorei. Era incrível que algo pudesse comover alguém a ponto de você sentir algo. E não era barulhento. Era suave, mas também forte em sua própria maneira. Então, à medida que me aprofundei nesse tipo de música, comecei a descobrir pessoas como você, Philip Glass e o restante deles, Steve Reich.
Por meio dessa exploração, passei a me interessar mais por ideias de nada e quietude e a eliminar noções anteriores do que a fotografia é para mim - pensando no próprio meio e em como ele poderia ser elástico. No início, a performance me proporcionou uma maneira de brincar com as composições e a estrutura do meu trabalho. Mais tarde, procurei outras maneiras de desenvolver essas ideias e percebi que poderia realmente usar a repetição e a colagem para dar profundidade às minhas ideias. Acho que o motivo pelo qual meu trabalho mudou tanto foi porque eu estava muito ligado à música ambiente e à sensação que ela me proporcionava. Eu queria começar a fazer trabalhos que tivessem essa sensação.
Agora penso no meu trabalho sonoramente, como se eu fosse um compositor. Tento fazer conexões entre o que vejo e como me sinto. Esse tipo de imagem em camadas me permite explorar grandes temas, como a violência na terra causada pela mineração, por exemplo, mas isso pode ser expresso por meio de uma fotografia de uma paisagem com imagens repetidas e distorcidas de pássaros e terra, umas sobre as outras. Estou mais interessado no peso da emoção que esse jogo de imagens pode provocar. Não quero ficar preso a essa ideia de literalidade. Não quero reduzir o trabalho porque ele é muito mais do que apenas uma representação da história colonial ou uma documentação de temas como extração, exploração, corpo ou terra.
Estou tentando criar algo com nuances e camadas que seja muito interno. Só posso falar sobre minha experiência, certo? Não posso falar sobre as experiências de todas as pessoas. Então, o que esses assuntos, o que a situação do nosso mundo significa para mim? Eu vejo o mundo a partir de uma lente específica. Passar pela imigração é diferente para mim e para outras pessoas. São essas pequenas experiências cotidianas que acrescentam camadas à nossa experiência. Essas são estruturas que são criadas para humanizar certos tipos de pessoas e não outros. Você não tem dúvidas.
Esse sentimento está presente na maneira como tento criar as coisas que crio, sejam elas experiências pessoais ou questões tão amplas quanto o nacionalismo. Mas sempre se trata de algo interno. Há algo de belo nisso. Acho que essa também é a nossa força como seres humanos, certo? Você sabe, viemos de lugares diferentes, raças diferentes, origens diferentes, histórias diferentes. Mas há semelhanças em nossas experiências internas e profundas que são muito semelhantes - quer você goste ou não, estamos todos conectados - e isso é simplesmente incrível.
Imagem ©: Galeria Goodman
Fontes de inspiração: Mentores, livros e esquemas
Os esquemas também têm sido um dispositivo que uso para falar sobre diferentes frequências em meu trabalho. Lembro-me de que estava trabalhando com um famoso fotógrafo nigeriano radicado em Berlim, Akinbode Akinbiyi. Ele é um pai idoso, você sabe, por isso foi mentor de muitos de nós ao longo dos anos. Ele me deu dois livros porque eu lhe disse que queria começar a trabalhar com o tema da mineração na Nigéria.
Um dos livros era de Jane Mercy, de Johanesburgo, que faz desenhos com colagens que incorporam fotografias e pinturas. O outro livro que ele me deu era intitulado "On the Mines" (Nas minas), de David Goldblatt. As fotografias desse livro eram apenas composições muito frontais. A franqueza parecia muito pura e eu as achei muito inspiradoras.
Sempre que eu visitava Akinbiyi, ele me levava às suas livrarias favoritas em Berlim, que o conheciam lá. Foi em uma dessas viagens que me mostraram esse livro de dois volumes intitulado "Prática metalúrgica da Rand." Esse livro foi publicado em 1912. Comecei a pensar nesse enorme livro de dois volumes que é basicamente um diagrama metodológico usado para a extração de minas, tanto em Joanesburgo, na África do Sul, quanto em outros campos semelhantes, ou seja, os campos que eles estavam colonizando, incluindo a Nigéria, o Congo e outros lugares, como Gana. E isso foi fascinante. Eu não conhecia a extensão dessa história. Também não sabia que esse tipo de livro existia. Era muito matemático, de engenharia, de física - mas também era esteticamente bonito. Então, com base na estética, eu pensei: "Isso é interessante". Mas eu não sabia o que fazer com ele ou como abordá-lo. Eu tinha esse livro há quatro anos antes de começar a trabalhar nas minas. Acho que o momento em que comecei a trabalhar nas minas foi quando comecei a fotografar essas paisagens.
Assim que comecei a fazer isso, começou em minha cabeça, comecei a fazer uma conexão com o fato de que os esquemas poderiam começar a se estender até mesmo às paisagens. E então fez sentido para mim: todos os esquemas também poderiam se tornar uma animação de algum tipo. Então comecei a ver o esquema novamente como hieróglifos, como linguagem. Pensei: "Ok, estou começando a encontrar alguma clareza nisso agora".
Para mim, esses esquemas são uma linguagem, ou também um tipo de partitura. Por isso, eu os utilizo e os integro em minhas imagens de diferentes maneiras. Às vezes, até os uso (como na exposição na Hunt Gallery) como vinil de parede para que possam ser vistos sozinhos. Há muitas possibilidades que surgem quando você começa a ver como pode realmente mover as coisas e quase coletar informações e imagens como se fosse um DJ. É uma estratégia semelhante à da música como o hip hop - pegar todas essas camadas de diferentes lugares para criar um novo todo. E isso é fascinante, pois cria profundidade, mas também faz surgir um certo tipo de abstração. Todas as camadas do trabalho também criam seu próprio significado no trabalho. Elas não podem mais ser vistas isoladamente - elas criam uma experiência facetada com profundidade.
Capturando a magia
Tive uma experiência quando estava fotografando minas que nunca esquecerei. Eu estava fotografando no auge da luz do sol há horas e fiquei até o sol se pôr, por volta das 18h30. Subi uma colina e, de longe, você via o pequeno ônibus atravessar uma colina. Era o mesmo tipo de colina em que eu estava. Foi um momento em que as coisas pareciam muito conectadas - a luz, a repetição da paisagem e esses postes elétricos e coisas que costumavam alimentar as minas.
Acabei fotografando a cena de diferentes ângulos. Fotografei o fato de estar naquela colina, fotografei as pessoas que conheci naquele dia. Você nem sabia, mas eu só vi aquele ônibus, em uma terra enorme e vasta, uma terra tranquila. E então você vê a poeira, foi um momento muito bonito. É um daqueles momentos na fotografia que parecem mágicos. Como se eu soubesse que estava fotografando algo realmente especial. Eu simplesmente sabia. Não digo isso com muita frequência, mas essa é realmente uma de minhas imagens favoritas. E não se trata de dizer se alguém a coleciona ou não. Para mim, pessoalmente, é apenas isso. Na verdade, foi apenas um presente. Aquele momento foi um presente pelo qual sempre me sinto muito grato. Você sabe, sou sempre grato a Deus por ter me abençoado com aquele momento - por aquela mágica que aconteceu.
Estar aberto; a capacidade de reimaginar
Ser um artista é uma luta. Não é fácil. Porque você está procurando por algo. Você está buscando o seu verdadeiro eu. O resultado disso é quase como um documento do tempo, o que criamos. Mas estamos nesse negócio de realização que também é muito profundo. É uma jornada. E eu sempre quero que as pessoas entendam que a criação de arte não é algo que serve para todos. A jornada de cada um é completamente diferente.
Acho que também é importante que todos estejam abertos a outras práticas, que estejam abertos a outras pessoas, abertos ao amor. Quando pensamos em sistemas de poder, é importante reimaginar ou recontextualizar. Essas são palavras que prefiro a "desmontar". Desmontar é quase destruir algo. Você não o está destruindo, mas é para interrompê-lo. É como um terremoto. É como um terremoto. Como se você o sentisse, você sabe - você pode senti-lo. Você fica com medo. De repente, você se dá conta. É como se você pensasse, meu Deus, você sabe, eu poderia perder minha vida ou algo assim. Não quero criar medo no que crio. Estou tentando encontrar maneiras diferentes de reimaginar essas estruturas de poder, estruturas de representação, porque é aí que está a agência definitiva.
Acesso e envolvimento com instituições de arte
Quando você expõe em instituições, acho que é importante manter um diálogo. É importante que você esteja aberto, que aprenda com essas instituições, certo? Envolver-se bastante com essas instituições e, de certa forma, questionar graciosamente os sistemas, esteticamente em seu trabalho. Mas o acesso é muito importante quando você lida com essas instituições. Quando você obtém acesso, acho que é importante perceber que isso já é um grande passo em direção a um discurso crítico. Isso é algo que eu valorizo. Sinto que, às vezes, temos que vir com um senso de graça e não com um senso de direito. Temos que ter um senso de empatia para podermos usar esses objetos ou arquivos de uma forma que não vilipendie, mas que envolva um discurso global relacionado ao racismo, ao racismo sistêmico ou ao racismo institucional.
O acesso, como eu disse, é muito importante. E, quando você obtém esse acesso, cria uma estrada para a próxima geração. Você cria um caminho para eles. E precisamos entender que isso também tem muito a ver com pedagogia, e estar aberto para poder ensinar aqueles que virão depois. Acho que é importante que você seja humilde.
Educação e comunidade
Terminei meu mestrado na Universidade de York há dois anos. Esses dias foram muito estranhos porque, assim que entrei no programa, a COVID-19 chegou. Então, fiz meu mestrado durante a COVID e me formei. Foi terrível, mas você sabe como fizemos isso funcionar e fiz bons amigos também. Mesmo com todas as restrições, era uma ótima comunidade.
Eu adoro Toronto. Adoro a comunidade artística. A vibração artística é realmente - é um lugar pequeno. Portanto, é muito fácil para as pessoas se conhecerem. Mas eu realmente gosto muito daqui. É tranquilo. Posso me concentrar apenas em meu trabalho. Posso viajar e voltar. É uma ótima base para você. No momento, estou trabalhando em uma encomenda para a Bienal de Toronto e em uma co-apresentação com a Gallery TPW. É com isso que estou realmente ocupado no momento. Estou finalizando a produção da minha instalação de trabalhos impressos, desenhos e objetos, intitulada Onoriode (Quem sabe o amanhã?)-e será inaugurado em 21 de setembro de 2024.
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