Il n'existe pas de type de photographie comparable à la photographie de concert. Il s'agit souvent d'un travail rapide, difficile et impitoyable, qui vous place dans des situations dans lesquelles vous ne vous aventureriez pas, si ce n'est pour l'amour du jeu.
Il n'y a pas la sérénité de la photographie de paysage, ni la mise en scène que permet la photographie de studio, et même le monde notoirement rapide de la photographie de sport se déroule généralement dans des circonstances incroyablement bien éclairées.
En revanche, prendre des photos de musique en direct pose des problèmes particuliers. C'est une activité trépidante, qui se déroule dans une fosse photo confortable si vous avez de la chance, mais qui implique souvent de jouer des coudes pour essayer d'obtenir un bon point de vue dans une foule ou un mosh pit de fans qui ont autant, voire plus, le droit d'être là que vous ; la préparation se fait au mieux au jugé, ce qui signifie que vous avez parfois emporté le mauvais objectif ou que vous êtes coincé dans un endroit où vous n'avez pas de visibilité ; et la plupart du temps, il n'y a pas de lumière ou la scène est tellement inondée de rouge et de bleu que vos sujets ressembleront à des taches de couleur grisâtre. Et vous n'avez généralement que les trois premières chansons pour prendre au moins quelques photos qui seront publiées et peut-être même payées.
Cela peut sembler un peu décourageant, et ça peut l'être. Vanessa Heins, photographe indépendant, met en garde les photographes en herbe qui se lancent dans l'aventure pour de mauvaises raisons.
"Souvent, surtout dans le domaine de la photographie musicale, les gens disent qu'il ne faut pas se lancer pour l'argent, parce que ce n'est pas vraiment là que se trouve l'argent", explique M. Heins. "C'est particulièrement vrai pour la photographie en direct. La situation financière n'est pas toujours bonne". Mais ce n'est pas pour l'argent que vous lisez encore cet article, n'est-ce pas ? Vous avez cliqué sur cet article parce que vous aimez capturer un beau moment et que vous aimez les défis. Et le fait de pouvoir entrer gratuitement dans tous les spectacles et festivals que vous voulez voir ne fait pas de mal non plus.
Photo de Tiana Feng
Comment s'y prendre ?
C'est une question difficile. Il n'existe pas de méthode éprouvée pour obtenir l'accès nécessaire à la prise de vue de musique en direct. En outre, les moyens traditionnels - collège et université, travail en studio, etc. - ne vous fourniront que certains des outils dont vous avez besoin pour faire ce travail, mais ne vous aideront pas à l'obtenir.
Presque tous les photographes que nous avons interrogés ont cité des histoires d'origine similaires : ils ont travaillé gratuitement pour obtenir l'accès dont ils avaient besoin, se sont fait des amis solides et se sont efforcés de produire un travail suffisamment remarquable pour progresser. À partir de là, il est plus facile de s'ouvrir aux publications.
Amanda FotesMoneen a quitté l'université à 19 ans, a acheté une caméra avec ses frais de scolarité et a photographié Moneen à la légendaire Horseshoe Tavern.
"À partir de là, tout s'est enchaîné", dit-elle, expliquant que sa capacité à se faire des amis parmi les groupes était inestimable. "Il faut savoir repérer les groupes locaux, produire du bon travail pour eux - leur montrer que l'on est compétent et que l'on peut le faire - et ensuite construire une relation avec eux.
Cela l'a également conduite à la vie "glamour", mais aussi à la vie de tournée à faible revenu (ou sans revenu), en suivant les Greys et The Dirty Nil sur la route, où elle a reçu des conseils pour faire du merchandising et s'est vu accorder un accès total à ses sujets.
Heins réalise toutes sortes de prises de vue dans d'autres types de photographie-portraitsIl travaille également avec l'animateur de la CBC, le Dr. George Stromboulopoulos à la House of Strombo, documentant des interviews et des performances en studio. Elle a commencé vers 16 ans à Vancouver, lorsqu'elle a commencé à s'intéresser à la photographie, en photographiant les groupes de ses amis (elle était et est toujours amie avec ses camarades de lycée Ben et Tyler de Said The Whale), en leur offrant son temps pour les leurs et en les laissant utiliser les photos s'ils le souhaitaient, ce qui l'a aidée à étoffer son portfolio. Finalement, ces amitiés, associées à son aversion pour la fosse, l'ont amenée à poursuivre son travail documentaire, en photographiant les coulisses de groupes tels qu'Alexisonfire et City & Colour.
Photo de Tiana Feng
Tiana Feng a eu une approche différente. Elle a commencé par voler le reflex numérique de son père pour photographier des spectacles pour lesquels elle payait (les règles concernant les appareils photo étaient moins strictes à l'époque) ou travaillait bénévolement à des événements comme le NXNE pour y avoir accès. Elle a également créé un blog, Suivre le rythmeElle a ainsi pu accéder à la plupart des émissions qu'elle souhaitait couvrir en tant qu'organe de presse légitime. Et Daniela TantaloPour ce faire, elle a tout simplement contacté A Music Blog, Yea ? et leur a demandé si elle pouvait tourner pour eux.
Mais soyons clairs : cet article ne cautionne en aucun cas le travail gratuit. Le travail bénévole est souvent nécessaire pour obtenir un petit corpus de travaux que vous pouvez présenter à des publications ou à des clients, mais au-delà de cela, si vous avez perfectionné votre art et travaillé suffisamment dur pour croire que vous faites un travail de qualité, ne vous laissez pas abuser.
S'il vous en coûte $6,50 pour vous rendre à un concert et en revenir, et que la publication ne vous paie que $20 pour les shots, vous avez perdu les ¾ de votre argent avant même d'avoir quitté la maison. Si vous buvez un verre, vous êtes déjà dans le trou. Rappelez-vous le meilleur conseil du Joker : "Si vous êtes doué pour quelque chose, ne le faites jamais gratuitement. En fait, Format propose un guide pratique sur les thèmes suivants Qui paie les photographes (et combien).
Comment s'assurer d'être prêt ?
Comme nous l'avons déjà mentionné, les concerts comportent de nombreuses variables, ce qui les rend plus ou moins impossibles à préparer complètement. Mais il existe des moyens d'être aussi prêt que possible.
"Connaissez le groupe avant d'aller au concert", dit Tantalo. "Ce que j'aime faire avant de filmer un concert, c'est me documenter sur le groupe en regardant des vidéos sur YouTube. Parfois, je vais sur setlist.com et je regarde les trois premières chansons qu'ils jouent, et je vais sur YouTube et je regarde les trois premières chansons d'un concert récent, et j'ai une idée de la façon dont ils aiment se tenir, s'ils ont un style particulier. mouvements de signatureJ'essaierai de comprendre ce qu'ils font, ce qu'ils font, quand ils le font. Et j'essaierai de me positionner dans le bon espace au bon moment pour obtenir ces tirs".
Sur la base du conseil de Tantalo en matière de préparation, Feng donne quelques conseils dont beaucoup de photographes - notamment ceux qui se retrouvent avec des milliers de photos à passer en revue à la fin de quelques chansons - pourraient s'inspirer. Après tout, une prise de vue en spray ne fera que remplir vos cartes mémoire et vous laissera avec un grand nombre d'images à supprimer plus tard. En vous préparant à prendre les bonnes photos, vous serez sûr de les obtenir.
"Je n'ai pas les yeux rivés sur le viseur tout le temps", explique Feng. "Je regarde toujours en tant que fan, et j'ai l'impression qu'en tant que fan, on remarque des moments qui surgissent et que l'on ne remarquerait peut-être pas si l'on était derrière la caméra tout le temps. On sent qu'une étincelle est sur le point de jaillir, on trouve le bon moment, et alors je commence à prendre des photos. Je regarde environ 75% du temps et je prends des photos les 25% restants".
Photo : Amanda Fotes
Quels sont les conseils à suivre pour que votre technologie s'adapte à votre environnement ?
Lorsque vous arrivez sur le lieu de l'événement, votre technologie (quelle qu'elle soit) doit être au point et, surtout, vous devez savoir comment elle fonctionne. Cela peut sembler évident, mais la myriade de bizarreries et de fonctions supplémentaires des reflex numériques peut vous sauver la mise, à condition que vous sachiez qu'elles existent. Les connaissances à acquérir dépendent de la manière dont vous souhaitez photographier.
"Soyez à l'aise avec votre équipement", dit Tantalo. "Si vous devez prendre des photos en mode manuel, il est très important que vous sachiez comment fonctionne votre appareil.
Elle adopte également une technologie plus primitive qui s'avère étonnamment pratique.
"L'une des façons dont je me bats contre ma petite taille est que j'ai un tabouret pliable que j'emporte avec moi lorsque la scène est un peu plus haute", explique Tantalo. "Je filme depuis les côtés de la salle, mais je me tiens sur le tabouret, ce qui me permet d'être au-dessus de la tête de tout le monde. Je ne gêne personne - il n'y a personne derrière moi, donc personne ne peut s'énerver parce que je suis debout sur un tabouret - mais je peux utiliser un objectif plus large pour obtenir plus de corps et moins de portraits".
Tantalo souligne également que toutes les salles ne sont pas à l'intérieur et que les festivals peuvent nécessiter d'autres préparatifs. "J'étais à Hamilton pour Supercrawl", raconte-t-elle. "Le jour où j'y étais, il pleuvait des cordes et je n'ai pas pensé à couvrir mon appareil photo avec autre chose qu'un sac à provisions. Mon appareil photo fonctionnait mal, il s'énervait, il ne fonctionnait pas". Pour remédier à ce problème, il suffit de un sac étanche spécialement conçus pour les tirs actifs. Ils sont bon marché et jetables.
Le choix de l'objectif dont vous aurez besoin dépendra de plusieurs facteurs : quelle est la hauteur de la scène ? Quelle est la hauteur de la scène ? Y a-t-il une fosse photo ou dois-je photographier depuis l'avant de la salle (c'est-à-dire la table de résonance) ?
Dans le cas de Fotes, elle a souvent dû tenir compte d'un monstre environnemental totalement différent : le mosh pit. Mais c'est en s'immergeant qu'elle obtient ces clichés qui vous donnent l'impression d'y être.
"J'ai tendance à prendre des photos avec un objectif plus large", explique M. Fotes. "J'ai un [Canon] 5D, qui est vraiment extraordinaire en basse lumière. Dans beaucoup de concerts punk, j'ai un flash sur moi. J'essaie d'être le plus discret possible, car personne n'a envie d'avoir de la lumière en plein visage toutes les cinq secondes.
"C'est difficile quand on tourne beaucoup de trucs punk, parce qu'on n'a pas beaucoup de temps pour réfléchir", poursuit-elle. "On se contente d'improviser et d'espérer que tout se passe bien.
Encore une fois, même si vous avez pris toutes les mesures possibles pour vous assurer que tout se passerait bien, la musique en direct a des tendances inconstantes. Heins rappelle ce que tout bon photographe sait : tout se résume à la lumière.
"Chaque circonstance est tellement différente", explique Heins. "Souvent, les choses que nous photographions sont vraiment incontrôlées et inconnues. À moins que je ne fasse des portraits - pour lesquels j'aime utiliser des décors avec beaucoup de lumière naturelle -, c'est généralement dans des espaces qui n'ont pas beaucoup de lumière. Je pense qu'avec le temps, j'ai appris à travailler dans des espaces très peu éclairés."
Cela signifie que vos idéaux pour la photographie musicale sont des objectifs rapides comme l'éclair et un boîtier d'appareil photo qui peut pousser sa sensibilité ISO sans que les photos ne soient noyées dans le grain. Ces deux éléments réunis vous coûteront une fortune, mais vous ne pourrez pas vous en passer. la partie la plus importante est le verreBien sûr. Pour un peu moins de $1 000, vous pouvez monter un objectif de 50 mm f/1,4 sur un boîtier de $500, et vous serez toujours en mesure de réaliser des clichés brillants en basse lumière. Le reste consiste à savoir où et quand se trouver.
Photo : Vanessa Heins
Maintenant que je suis un professionnel certifié, que vont attendre de moi les publications, les blogs et les groupes de musique ?
Cela dépend de la personne avec laquelle vous travaillez, n'est-ce pas ? Même si vous commencez par convaincre un groupe de renoncer à votre cachet pour que vous puissiez photographier leur spectacle, ils vous ont donné accès, alors envoyez-leur vos meilleurs clichés. S'ils les apprécient, vous aurez plus de travail.
Dans le cas de travaux plus importants impliquant des médias appartenant à des entreprises ou autres, les résultats attendus varient considérablement. Certaines publications n'ont besoin que d'une seule photo, d'autres en demandent 20 ou plus. Certaines peuvent exiger des fichiers massifs à des dimensions très spécifiques, d'autres peuvent vouloir un JPEG de 1200 px de large et c'est tout. Mais vos choix artistiques sont les vôtres et les vôtres seuls, à moins qu'un média n'exige quelque chose de très spécifique. Il peut être difficile de se détacher de l'attrait de la perfection technique, mais une fois que Heins a réussi à le faire, cela lui a permis de découvrir de nouvelles façons de voir les choses (et d'obtenir de superbes photos comme celle ci-dessous).
"Je pense que la chose la plus importante que j'ai apprise ces deux dernières années, c'est que je m'efforçais toujours de faire en sorte que les choses soient techniquement parfaites, et si une photo n'était pas parfaitement mise au point, je me disais 'ugh, ça ne peut pas être quelque chose'", explique Heins. "Aujourd'hui, j'apprends à lâcher un peu la bride et à me rendre compte que certains moments sont plus forts que cette petite chose qui m'obsède.
Au-delà de cela, le plus important pour votre travail sera de cultiver une esthétique qui vous distingue des autres, explique Heins. "Je pense qu'il faut travailler très dur et prouver aux gens que ce que vous faites et votre esthétique sont quelque chose d'unique et de différent, qui vaut la peine d'être vu et d'être payé.
Il est également probable que les emplois que vous trouverez, même s'il s'agit d'emplois réguliers, seront toujours des emplois en free-lance. La qualité du travail et la réputation sont donc plus essentielles que jamais, faute de quoi vous ne trouverez plus d'emploi. Mais l'écrivain Neil Gaiman, dans son Discours d'ouverture 2012 à l'Université des Arts, a donné les conseils les plus réconfortants que j'aie jamais entendus pour naviguer dans les eaux agitées de la profession de freelance.
"Les gens continuent à travailler, dans une monde des freelances-et de plus en plus d'indépendants aujourd'hui- parce que leur travail est bon, parce qu'il est facile de s'entendre avec eux et parce qu'ils livrent leur travail dans les délais impartis. Et il n'est même pas nécessaire d'avoir les trois. Deux sur trois suffisent. Les gens toléreront que vous soyez désagréable si votre travail est bon et que vous le livrez à temps. Ils pardonneront le retard si le travail est bon et s'ils vous apprécient. Et vous n'avez pas besoin d'être aussi bon que les autres si vous êtes à l'heure et que c'est toujours un plaisir d'entendre parler de vous".
Il est toutefois conseillé de viser les trois. Mais aussi, un addendum qui a été repris par les quatre photographes : c'est bien d'être désagréable parfois (tout le monde a des mauvais jours), mais ne soyez pas un con. Respectez le groupe, respectez la foule, respectez les autres photographes, respectez les gens qui vous laissent photographier le concert. Respectez les gens en général. Les nouvelles circulent vite dans ces petites communautés, et vous seriez surpris de voir combien de personnes ne comprennent pas cette vérité toute simple. Ils n'obtiennent pas non plus beaucoup de contrats.
Photo : Amanda Fotes
Vous êtes donc dans des situations stressantes, impossibles à prévoir, et il est difficile de vous faire payer ? Pourquoi ferais-je cela ?
Comme je l'ai déjà dit : l'amour du jeu. Si vous êtes arrivé jusqu'ici, c'est que vous n'avez pas posé la question ci-dessus, parce que vous aimez suffisamment la musique live et la photographie de concert pour la poursuivre malgré la frustration qu'elle peut engendrer. Et tant mieux pour vous, car il y a beaucoup plus de victoires que de défaites dans la photographie de concert. Certaines victoires sont importantes, comme le fait d'être transporté par avion pour couvrir des festivals de musique, et d'autres sont plus modestes, comme le fait que votre groupe préféré double une photo que vous avez prise d'eux sur Instagram.
Tantalo a posté une photo de Grace Potter sur les réseaux sociaux et a ensuite été contactée par l'équipe de Grace Potter pour obtenir une licence pour le merchandising. L'attention de Fotes a été attirée sur le fait que la superstar australienne du shredder Courtney Barnett reprenait l'une de ses photos sur un t-shirt METZ pour lequel le groupe avait obtenu une licence d'utilisation. Feng a eu la chance de photographier l'immense Mac DeMarco lors d'un barbecue sur un toit peu fréquenté, à l'époque où il était encore connu sous le nom de Makeout Videotape.
Le plus grand W de Heins est cependant un peu plus abstrait.
La moitié des personnes que je photographie ont commencé par une petite phrase du type "Hé, je peux te photographier ?", qui s'est ensuite transformée en une relation à long terme dans laquelle ces personnes vous font vraiment confiance dans leur espace et veulent que vous y soyez", explique-t-elle. "Je suis assez fière de ces relations et très reconnaissante de l'accès que j'ai.
Il semble que cela mérite un peu de stress.
Matt Williams est également photographe de musique live. Découvrez son travail sur ce site de portfolio Format, magnifique et convivial.
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