La cinématographie est un élément essentiel de la réalisation d'un film. Il s'agit de visuels créatifs qui renforcent une narration et procurent au public une expérience émotionnelle. Il s'agit moins du matériel que vous utilisez que de la manière dont vous l'utilisez, mais ce fait est souvent négligé par les cinéastes contemporains.
Alicia Robbins, directrice de la photographie basée à Los Angeles (L'invitation au mariage, L'aube de la planète des singes) expliqueA l'ère du numérique, tout le monde peut acheter et posséder sa propre caméra. On fait croire aux producteurs et aux réalisateurs que s'ils ne tournent pas avec l'Arri Alexa, leur film n'est pas un film. Quand les producteurs et les réalisateurs ont-ils cessé de se concentrer sur la recherche d'un directeur de la photographie qui comprenne l'histoire, l'éclairage et la composition ?
Les directeurs de la photographie sont autant des conteurs d'histoires en tant que directeurs-La différence est qu'ils dirigent des images plutôt que des acteurs. "Nous racontons des histoires émotionnelles avec les images ; il ne s'agit pas seulement de faire de belles images. Je pense que c'est une idée fausse. Les gens pensent que la cinématographie est bonne parce qu'elle est belle", a déclaré Rodrigo Prieto au cours de la saison des prix de cette année The Hollywood Reporter table ronde des directeurs de la photographie. Prieto a été nommé aux Oscars pour son travail sur le film de Martin Scorsese Le silenceet a également été directeur de la photographie pour Le loup de Wall Street, 8 milleset Brokeback Mountain.
Ce sentiment a été partagé par les autres directeurs de la photographie participant à la conférence. THR dont Caleb Deschanel, nommé aux Oscars (La Passion du Christ). "Plus que de photographier un magnifique lever de soleil ou une image incroyable, certaines choses que je filme et qui ne sont pas très intéressantes incarnent une certaine émotion qui est vraiment puissante dans le contexte du film", a-t-il déclaré.
La série de tables rondes de THR sur les Oscars réunit Rodrigo Prieto ("Silence", "Passengers"), Linus Sandgren ("La La Land"), John Toll ("Billy Lynn's Long Halftime Walk"), Charlotte Bruus Christensen ("Fences", "The Girl on the Train"), Bradford Young ("Arrival") et Caleb Deschanel ("Rules Don't Apply").
Pour créer des images qui rehaussent et soulignent un récit, les directeurs de la photographie doivent comprendre et moduler les mouvements de caméra, le placement de la caméra, la composition, la mise au point et, plus important encore, éclairage. La lumière est le principal outil cinématographique qui distingue les vidéos amateurs des films professionnels. D'une part, les personnes et les lieux ne ressemblent pas à ce que nos yeux perçoivent une fois qu'ils ont été capturés par une caméra, et c'est donc au directeur de la photographie qu'il incombe d'utiliser un éclairage précis pour créer le réalisme. Mais surtout, les directeurs de la photographie utilisent l'éclairage comme un indicateur de l'humeur et de l'émotion non verbales d'un film. Un bon directeur de la photographie s'intéresse à l'éthique d'une scène dans le contexte d'un arc narratif et utilise la lumière pour souligner les subtilités et les sous-entendus émotionnels de l'intrigue.
En réalité, l'aspect "professionnel" recherché par les cinéastes émergents est en grande partie constitué par des éléments de base de l'acquisition de l'image qui sont présents dans tout film professionnel et n'ont pas grand-chose à voir avec les choix artistiques faits par les directeurs de la photographie. Ces spécifications techniques sont supervisées par un technicien en imagerie numérique qui s'assure que l'équipement est personnalisé pour capturer la vision créative du directeur de la photographie.
Ces spécifications comprennent la résolution, déterminée par le nombre de photosites dans le capteur de la caméra, l'échantillonnage des couleurs, qui est la dynamique de la luminosité par rapport à la couleur dans les séquences, et l'obturateur, qui détermine la manière dont la caméra capture les mouvements. Aucun de ces éléments n'influe de manière significative sur la qualité de l'image, mais ils doivent être utilisés conjointement pour obtenir le meilleur rendu de la lumière, de la position et du mouvement que le directeur de la photographie a choisi pour un plan donné. Le véritable travail du directeur de la photographie consiste à mettre les images au service de l'histoire, et non à leur donner un aspect professionnel.
Les coulisses du tournage de Tangerine via
Le film de 2015 Mandarinequi a été tourné avec un iPhone 5S, est un bon exemple de film qui utilise une cinématographie nuancée pour dépeindre viscéralement l'expérience de ses personnages. Le réalisateur Sean Baker et son collaborateur Radium Cheung, qui se partagent la direction de la photographie sur le film, ont choisi de tourner avec un adaptateur d'objectif anamorphique spécifique qui a permis à l'iPhone de capturer une image 30 % plus large que d'habitude (2.4:1 au lieu de 16:9).
Mandarine suit deux travailleurs du sexe transgenres dans leur mission d'un jour pour trouver une femme dans les rues de Los Angeles, et la majeure partie du film les montre marchant sur les trottoirs, attendant les bus et arrivant à différents endroits. Le fait de filmer avec un adaptateur grand angle accentue le béton plat et tentaculaire caractéristique de L.A., permettant aux longues bandes de trottoirs et aux devantures de magasins de former des lignes parallèles qui donnent au public l'impression d'être au niveau de la rue crasseuse.
En outre, de nombreuses scènes dans Mandarine ont été tournés au crépuscule avec une forte saturation des couleurs, donnant au film une esthétique de "coucher de soleil". Ce ton visuel de transition d'un moment de la journée à l'autre nous fait ressentir l'élan de la quête des personnages. C'est ce type de décisions cinématographiques qui permet de tirer le meilleur parti de ce que le cinéma a à offrir.
L'un des facteurs qui peut être partiellement responsable des idées fausses sur ce qu'implique une cinématographie efficace est le manque fréquent d'attention accordée à ce département par les cérémonies de remise de prix. Les films distingués par les Oscars et les Golden Globes ne présentent pas souvent des réalisations audacieuses et nuancées en matière d'éclairage et de narration esthétique.
Prenons l'exemple du meilleur film des Oscars 2016, Pleins feux sur l'avenirqui s'articule autour d'une histoire intéressante et importante, mais dont le style visuel est terne et peu inspiré. Pleins feux sur l'avenir utilise en grande partie un éclairage de bureau fluorescent et des plans génériques qui font reposer tout le poids de l'engagement profond sur les mots prononcés par les acteurs. Ajoutez à cela son aspect plat et gris, et vous obtenez un film d'une grande qualité. étalonnage des couleurs et Pleins feux sur l'avenir est un exemple de film primé, doté d'une intrigue, d'une réalisation et d'un jeu d'acteurs solides, qui a été acclamé en dépit de son manque de substance dans l'un des domaines les plus cruciaux de la réalisation cinématographique.
Seul un très petit nombre de meilleurs films récompensés par l'Académie sont également reconnus par l'American Society of Cinematographers (ASC), une guilde considérée comme l'autorité en matière de réalisations dans l'art cinématographique, ou remportent l'Oscar de la meilleure cinématographie. Au cours des 19 dernières années, seuls trois films récompensés par un Oscar du meilleur film ont également reçu le prix de l'ASC pour la cinématographie ou l'Oscar de la cinématographie : L'homme-oiseau, Slumdog Millionaireet La beauté américaine. Le fait que La La Land a remporté le prix de la cinématographie aux Oscars 2017 face à Clair de lune, Le silenceet Manchester By The Sea est un indicateur supplémentaire du fait que, dans l'ensemble, l'Académie récompense les films dont le style visuel est plus superficiel que la cinématographie nuancée et complexe. Compte tenu de la popularité des Oscars et d'autres cérémonies de remise de prix, ce phénomène pourrait contribuer à expliquer la sous-appréciation générale du potentiel de la cinématographie en tant que forme d'art.
Les expériences cinématographiques intéressantes, pénétrantes et immersives reposent sur de nombreuses nuances qui coïncident pour créer un film qui est plus que la somme de ses parties. Si la cinématographie peut sembler insignifiante à première vue, elle est importante pour créer des films qui sont à la fois des expériences émotionnelles et des expériences informatives.
Comme le dit Deschanel, "vous pouvez regarder vos rushes et penser que ce n'est pas très intéressant. Mais vous savez qu'une fois replacé dans le contexte du film entier, il aura un certain pouvoir émotionnel qui est important pour raconter l'histoire."
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