Je suis allé à Frieze Art Fair avec un esprit ouvert et un carnet de notes à la main. Lorsque j'ai trouvé une œuvre qui m'a émue ou qui m'a fait réagir de manière mémorable, j'ai noté les noms et les détails. Plus tard, chez moi, j'ai été surprise de découvrir que presque tous les artistes griffonnés dans mon carnet de notes étaient des femmes. C'était tout à fait involontaire.
À l'exception de Eva LeWitt la plupart des artistes de cette liste ne le sont certainement pas talents émergents. Ils sont cependant "sous le radar" de la plupart des amateurs d'art. Judith Linhares, par exemple, est bien connue et respectée à New York, mais n'a pas encore reçu la reconnaissance internationale qu'elle mérite. Irma Blank, une artiste européenne chevronnée qui a joué un rôle essentiel dans le développement de l'art conceptuel ésotérique, sort à peine d'une carrière insulaire en Italie. Le travail de Kiki Kogelnik à Galerie Simone Subal a envahi son stand à Frieze avec des peintures et des dessins psychédéliques réalisés dans les années 1960. Son travail pourrait facilement trouver sa place dans n'importe quelle exposition de peinture du centre-ville d'aujourd'hui. De plus, les peintures et dessins laborieux de Jessica Dickinson reçoivent enfin l'attention qu'ils méritent. Il était passionnant de voir Dickinson représentée par deux galeries à la foire.
Frieze New York a lieu tous les ans en mai dans le parc de Randall's Island, de l'autre côté de l'East River à Manhattan. Elle "rassemble les plus grandes galeries d'art moderne et contemporain du monde, des sections innovantes, une série de conférences, des commandes d'artistes spécifiques et les restaurants les plus réputés de la ville". Bien que je ne sois généralement pas une adepte des foires d'art, celle-ci a toujours valu le déplacement.
Voici les femmes artistes qui ont volé la vedette cette année à Frieze avec des œuvres subtiles, matures et réfléchies.
Irma Blank
Irma Blank est une artiste d'origine allemande qui vit et travaille en Italie. Elle a participé à la formation du mouvement ésotérique de l'art conceptuel en Europe. Elle expose régulièrement en Europe depuis plus de 65 ans et n'a obtenu que récemment une reconnaissance internationale pour son travail.
Ce fut une grande joie de voir ses œuvres subtiles basées sur l'écriture exposées dans un stand sous les feux de la rampe à Frieze. Bien que le travail de l'artiste ait évolué par la suite vers des peintures monochromatiques plus audacieuses à grande échelle, cette petite série intitulée "Radical Writing" a été réalisée uniquement sur une période de dix ans. Pour l'œuvre illustrée ci-dessus, elle recrée l'action d'écrire, sans le contenu littéral. Chaque "mot" écrit correspond à une respiration.
Dans une méthode comme méditatif En marchant, elle pratique l'écriture méditative, afin de séparer l'œuvre de sa propre subjectivité. Une quête qui peut être ou non impossible. Son travail rappelle celui d'autres artistes sages et dévoués, tels que Agnes Martin. Le travail de Blanks est cohérent, provocateur et répétitif. Son éthique produit des séries d'une beauté obsédante et déroutante.
Ursula Schulz-Dornberg
Galerie Luisotti a présenté le travail d'Ursula Schilz-Dornberg à Frieze. J'ai d'abord été séduite par la série de photographies en noir et blanc d'étranges œuvres architecturales. abris bus autour de l'Arménie. Les tirages à la gélatine argentique ont capturé ces non-lieux étrangers, soit vides, soit abritant des personnes déprimées en train d'attendre.
Seize photographies en noir et blanc ont été installées en grille sur le mur, chacune représentant une fenêtre fendue de la chapelle avec de la lumière se déversant dans l'espace intérieur sombre. Les images ont été prises à des moments différents, indiqués par l'angle changeant de la lumière. Cette stratégie simple pour montrer comment la lumière affecte le lieu et représente le temps était magique.
Joanne Greenbaum
Les opinions sur les abstractions colorées et désinhibées de Joanne Greenbaum peuvent être polarisées. Son travail fait appel à de multiples façons de peindre ou de dessiner. Elle prend un pinceau, verse de la peinture, retourne la toile, dessine avec des marqueurs ou tout autre stylo ou outil de marquage coloré. Cette attitude flexible à l'égard de la création d'images et des matériaux est difficile à avaler pour certains. Pourquoi fait-elle cela ? De quoi s'agit-il ? C'est précisément son refus de répondre et son élan vers la création qui me semblent intéressants. Nous n'avons pas toujours besoin de remettre en question la validité - le caractère ludique du travail de Greenbaum n'est pas destiné à être critiqué, mais simplement apprécié.
Eva LeWitt
J'ai écrit le nom d'Eva LeWitt avant de savoir qu'elle était en fait... Sol LewittLa fille d'un artiste aussi vénéré n'est pas facile. Il n'est pas facile d'être la progéniture d'un artiste aussi vénéré, mais l'œuvre exposée par le VI, VII à Frieze, où sont exposés de "nouveaux talents passionnants", se suffit à elle-même.
Je dois mentionner qu'en regardant la couverture médiatique des débuts de LeWitt, il est clair que ce nouveau travail exposé peut être un grand pas en avant. Certaines des premières œuvres de LeWitt, en raison de son âge, semblaient juvéniles et un peu évidentes. Ces nouvelles œuvres utilisent du caoutchouc, du vinyle transparent et coloré coupé dans les mêmes proportions que le revêtement en vinyle, l'acétate, la mousse et le tissu rembourré.
Les matériaux ne renvoient pas au machisme présenté par les ancêtres minimalistes comme le célèbre Richard Serra. Au lieu de cela, ils utilisent des matériaux flexibles, communs et synthétiques. Leur flexibilité et leur attitude molle semblent indiquer la personnification des objets et leur éventuelle fausseté. La qualité humaine de ces installations d'objets à grande échelle est leur qualité la plus captivante.
Yamini Nayar
Il est surprenant que je voie Yamini Nayar pour la première fois exposée par le musée de Mumbai. Jhaveri Contemporain à Frieze, compte tenu du fait qu'elle est américaine et basée à Brooklyn. Nayar comprime différents médias et attitudes en un simple geste photographique. Elle utilise des collages, des déchets, des matériaux sculpturaux et de la peinture pour créer des tableaux qui sont ensuite photographiés dans leur itération finale.
Les résultats sont vertigineux, sans échelle et denses. Les photographies qui en résultent sont des objets multiples, riches et stratifiés, qu'il est impossible de réduire ou de décomposer. Les images deviennent alors circulaires par nature, le spectateur ne pouvant discerner un début ou une fin. La qualité indéchiffrable de l'œuvre est attribuée à l'effet homogène de la photographie. C'est l'absence de limites de la photographie que Nayar exploite avec élégance, et peut-être avec frustration.
Judith Linhares
Judith Linhares était le stand que je recherchais particulièrement à Frieze. Son travail pourrait ressembler à Dana SchutzL'œuvre d'un artiste beaucoup plus jeune, qui a été l'objet d'un débat passionné récemment. Mais, comme s'exclament mes amis peintres, comme s'il s'agissait d'une idole du hip-hop des années 90, Linhares est le gangster originel.
Son travail est rempli d'images personnelles et kitsch. Il est imprégné de camp et d'exubérance, mais d'une manière qui crée un attrait familier pour le langage et l'histoire. Les couleurs vives, presque maladivement douces, sont appliquées en empâtement de grands coups de pinceau. Les images de chats, d'oiseaux et de femmes qui soulèvent leur robe pour révéler leurs sous-vêtements (une métaphore pour toute la peinture peut-être ?) semblent presque briller de leurs surfaces multicolores. Elles dansent et deviennent réelles grâce à l'insistance de la merveilleuse manipulation de la peinture. Son travail se situe quelque part entre ses racines dans le cirque d'artistes de Los Angeles et la mémoire des livres d'histoires.
Jessica Dickenson
Le processus de peinture de Jessica Dickenson est axé sur le temps. Elle applique la peinture comme s'il s'agissait d'une boue primordiale sur un polymère calcaire lourd et une surface en contreplaqué. Il lui faut environ un an pour réaliser une seule peinture. Elle applique des couches et gratte la peinture de la surface, encore et encore, jusqu'à ce que l'œuvre commence à se faire d'elle-même. Les peintures ont une vitalité qui leur est propre. Leur long temps de travail et leur relation avec les mains de l'artiste compliquent leur position. Leur surface ressemble à une peau usée. Ses marques indicielles sont liées à l'étrange temporalité transformatrice de leur fabrication.
Kiki Kogelnik
Le travail de Kiki Kogelnik m'a frappé comme un comprimé d'acide. Les couleurs brûlantes, les motifs qui tournent et les corps qui se transforment m'ont donné de l'énergie dans une explosion pop. L'œuvre révèle un esprit et une exploration futuristes. Le plus impressionnant, c'est que ces œuvres ont été créées dans les années 1960 et 1970, bien avant les fréquentes discussions sur les corps androgynes ou les cyborgs qui sont populaires aujourd'hui.
Un sentiment similaire à celui du film Blade RunnerKogelnik tente d'imaginer un corps futur sans disposer de suffisamment d'informations. Ce manque d'exactitude ne fait que renforcer le jeu et l'aspect fictif de l'œuvre. Au début, les peintures semblaient fonctionner exclusivement comme des icônes pop plutôt que comme une recherche sur la logique d'une surface peinte. Cependant, les peintures ont lentement révélé des détails plus sophistiqués, comme de petits éléments sculpturaux, et un jeu intéressant entre la peinture fine et la surface colorée audacieuse.
Ces peintures donnent l'impression que Kiki Kogelnik pourrait se projeter dans l'avenir, qu'elles ont été réalisées par un jeune peintre de Bushwick aujourd'hui, en particulier avec leurs combinaisons de couleurs néon et leurs éléments figuratifs proéminents. Comme Hilma Af Klimt qui a créé des œuvres abstraites bien avant son temps, Kogelnik était un spectre dans un futur débat sur la peinture.
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