Chaque année, Frieze organise une foire d'art internationale dans le parc de Randall's Island. Si l'accent est mis sur les galeries et les artistes les plus en vue, il est encore possible de découvrir de nouveaux talents dans la section Frame de la foire, qui est consacrée aux artistes émergents.
Le large éventail d'âges, de niveaux de carrière et d'horizons présents à Frieze constitue une expérience fascinante. J'ai été particulièrement impressionnée par la diversité des générations exposées, qui fait ressortir les nuances de chaque œuvre. Lorsque les œuvres se chevauchent dans le temps et dans le style, les différents attributs sont mis en évidence et accentués.
Les stands de Frieze qui se sont révélés les plus mémorables sont une combinaison de jeunes artistes et de noms établis, un mélange de sculpture, de peinture, de photographie et bien plus encore. Frieze étant l'un des événements artistiques les plus importants de New York, on y trouve toujours beaucoup de talents, mais ce sont les stands qui ont continué à faire réfléchir même après la fin de la foire.
Mira Schor, MA (moi) MA , 1991. 48 x 100 pouces. Huile sur 12 toiles. Avec l'aimable autorisation de Lyles et King.
Mira Schor à Lyles et King
Les œuvres exposées au stand de Lyles et King à Frieze paraissaient contemporaines, mais elles avaient été réalisées dans les années 1990 et n'avaient jamais été exposées auparavant. Pourquoi ? Je n'en ai aucune idée, car ces œuvres sont remarquables. Mira Schor's Les œuvres de Schor sont audacieuses mais douces, politiquement engagées mais poétiques, et exécutées à la manière d'une peinture mais avec la sensibilité des dessins. L'œuvre de Schor m'a fait penser à l'exposition récente de l'Union européenne. Spectacle de Judith Bernstein Cela s'est passé à la galerie Paul Kasmin. La pièce était remplie d'images de pénis, de peinture Day-Glo et de lumières noires éclairant des représentations de Trump et de Mau. J'ai pensé que j'étais peut-être prude parce que je n'aimais pas ces œuvres. Mais Schor a prouvé le contraire : j'apprécie les représentations plus complexes. Dans le travail de Schor, il y a de la beauté et de la violence, et oui, il y a des phallus, mais aussi beaucoup plus.
Dans les œuvres de Schor présentées à la Frieze, nous voyons des formes d'utérus superposées à des formes de sperme, des mots cursifs griffonnés en onomatopées et le motif répétitif de têtes phalliques enfermées dans des géométries diagrammatiques compositionnelles. J'apprécie le contraste entre l'espace contrôlé et graphique et les interruptions plus libres et poétiques de la forme et du langage.
Schor crée un espace de réflexion dans son travail, plutôt qu'une argumentation combative. Il y a bien une position présentée, mais elle est évocatrice et non dogmatique. Les peintures créent un espace esthétique et symbolique propice à la méditation. J'aime la beauté blessante de ces images pastel, terreuses et peintes. La variété des stratégies et l'ouverture des interprétations permettent à l'œuvre d'ouvrir un dialogue honnête sur le sexe et le genre.
Sonia Almeida. Avec l'autorisation de l'artiste.
Jesse Wine et Sonia Almeida chez Galerie Simone Subal
Ce stand était délicieux. Les deux Jesse Wine et Sonia Almeida utilisent une sorte de raccourci charmant dans leurs créations, faisant référence à l'histoire de leur média tout en laissant place à l'humour.
Jesse Wine est un jeune sculpteur britannique dont le travail explore des formes corporelles monochromes ou de couleur vive, enduites de plasticine, qui rappellent peut-être Henry Moore ou des sculpteurs surréalistes comme Jean Arp qui contorsionnaient et pliaient le corps dans l'argile et le bois. Ces artistes ont exploré la violence des corps dans le contexte des nouvelles guerres et de la pensée existentialiste. Wine semble réagir davantage à la culture populaire et à l'évolution des médias, en contorsionnant le corps d'une manière caricaturale et en saisissant un rapport à la forme qui est révélateur de notre époque.
L'artiste Sonia Almeida, née au Portugal et installée à Boston, réalise des peintures de la même manière. Ses œuvres sont de couleur bonbon et font référence à des arrière-plans de dessins animés simplistes et à un formalisme abstrait dépouillé. Peintes en couches minces, à la fois en termes de quantité de peinture et de corps de la peinture elle-même (elle est diluée et lâche par endroits), les œuvres d'Almeida révèlent également des astuces de composition sophistiquées et bien planifiées. Dans un tableau, les couches de lavis créent une géométrie complexe d'ombres. Dans un autre cas, sa peinture est littéralement capable d'enrouler deux panneaux de bois l'un sur l'autre, révélant une corde finement peinte qui s'effiloche au fur et à mesure qu'une toile se transforme en deux. La peinture est visuellement encordée, dans une exécution élégante mais pleine d'humour.
Merrill Wagner, Sans titre A et B, 1978. Avec l'autorisation de l'artiste et de la Zürcher Gallery, New York.
Merrill Wagner à Galerie Zürcher
Le stand de la Zürcher Gallery à Frieze était presque une représentation de son exposition de l'année dernière avec le travail de Merrill Wagner. Wagner, née en 1935, est enfin reconnue comme peintre matérialiste post-minimaliste.
La plupart des œuvres exposées à Frieze sont réalisées selon un procédé unique, utilisant du ruban adhésif et du plexiglas, que Wagner a mis au point dans les années 1970. Ce qui rend ses peintures minimalistes monochromes inhabituelles, c'est son intérêt pour la dégradation et la durée de vie des pigments. Inspirée par la longue histoire des pigments en tant qu'alchimie, Wagner s'inspire des représentations de la peinture en tant que matériau terreux, manipulé et étalé sur des surfaces au service de l'expression humaine. Certaines peintures au ruban coloré au cramoisi d'alizarine, récemment exposées, se distinguent particulièrement par la richesse de leurs teintes. La variété de la saturation et de l'aspect lisse de la surface a donné vie à l'œuvre. À l'instar d'un Rothko, l'œuvre scintillait lorsque l'on marchait de long en large devant elle, le monochrome discret s'illuminant et s'effaçant.
Ce fut également un plaisir de voir certains documents photographiques d'intervention paysagère de Wagner présentés sous forme de grille. Wagner, qui passe du temps à la campagne, a créé un ensemble d'œuvres dans lesquelles elle a réalisé des peintures à l'extérieur, sur des clôtures dans le paysage environnant. Pendant leur durée de vie, elle a photographié leur décomposition in situ, en observant la lumière du soleil et les conditions météorologiques modifier l'œuvre. Wagner accélère la nature entropique de la peinture et en parle en même temps dans le paysage. Il y a une beau travail sur le livre sur ces pièces qui montre une gamme plus complète de ces peintures performatives.
Martin Wong, Un homme porte un jumeau à naître dans sa tête pendant 21 ans, 1982. 36 x 48 pouces. Acrylique sur toile. Avec l'aimable autorisation de la galerie P.P.O.W.
Martin Wong et Peter Hujar dans l'arrière-salle de l'hôtel de l'Union européenne. Galerie P.P.O.W.
Ces deux artistes étaient exposés dans l'arrière-salle de P.P.O.W., une galerie à la programmation très intéressante. J'ai aimé les œuvres présentées dans l'espace principal, mais j'ai vraiment apprécié de voir dans l'espace du placard quelques perles d'artistes que j'admire et que je ne m'attendais pas à voir. C'est ce qui caractérise les foires d'art : il y a toujours l'événement principal - le stand prévu - mais la beauté des foires réside parfois dans les surprises cachées qu'elles réservent. Les conversations entre les gens qui se promènent dans les couloirs. Les manutentionnaires qui, la veille, déballent les œuvres comme des cadeaux. L'arrière-boutique peut être un espace magique. Elle peut contenir des œuvres qui viennent d'être découvertes dans l'atelier d'un artiste ou dans sa propriété.
Au stand de P.P.O.W., j'ai trouvé deux œuvres représentatives des patrimoines de Martin Wong et Peter Hujarqui ont tous deux travaillé principalement dans les années 1980 et dont les œuvres traitent de l'épidémie de sida, des relations figuratives et de l'identité. Hujar est surtout connu pour ses portraits introspectifs en noir et blanc, tandis que Wong, peintre sino-américain, peint avec des motifs très personnels et répétitifs. Ses œuvres font partie de celles que j'ai eu le plaisir de découvrir depuis que j'ai emménagé à New York, et j'ai adoré avoir l'occasion de les explorer une fois de plus.
Hans Breder, Ikarus, 1974. Photo tirée de Ikarus. Avec l'autorisation de la galerie Ethan Cohen.
Hans Breder à Galerie Ethan Cohen
Alors que le mobilier de la cabine d'Ethan Cohen me semblait être une énorme distraction, j'ai réussi à le chasser de mon esprit. Cela m'a permis de me concentrer sur l'élégant travail performatif de l'artiste d'origine allemande Hans Breder, révélant une salle provocante d'objets simples et de propositions corporelles dans un espace filmique et photographique. Breder, qui est décédé l'année dernière à l'âge de 81 ans, mérite que l'on s'intéresse à son travail. Utilisant souvent le corps comme sujet, la pratique de Breder oscille entre les notions de sublimité et de simplicité domestique. Il est intéressant de voir ces deux côtés de l'échelle de l'artiste s'équilibrer dans ses stratégies de création d'images et de films dépouillées et low-fi.
Summer Wheatley, Pique-nique avec ketchup et moutarde, 2018. 74 x 144 pouces. Acrylique sur filet d'aluminium. Avec l'aimable autorisation de la galerie Andrew Edlin.
Blé d'été à Galerie Andrew Edlin
J'ai été un fan de Blé d'été J'ai vu son travail pour la première fois lors de la Triangle Artist Residency en 2010. C'est à Frieze que j'ai vu pour la première fois ces nouvelles peintures sur écran d'aluminium. De loin, elles ressemblent à de luxuriants et sculpturaux tapis de peinture brillante. Wheat a mis au point cette nouvelle technique : elle travaille la peinture acrylique au dos de l'écran et la pousse ensuite vers l'avant, simulant ainsi des formes de peinture semblables à des fils. Auparavant peintre à l'huile, il est logique que Wheat utilise maintenant de l'acrylique à séchage rapide pour cette nouvelle application. Le processus doit être à la fois laborieux et libérateur. Il est à la fois exact et imprécis.
Ces œuvres sont pleines de symbolisme et de récits typiques de l'histoire de la tapisserie narrative. Les sujets abordés rappellent certaines images que j'ai vues en 2015 lors d'une visite de l'atelier. Ici, nous voyons des pique-niques, des corps, des objets, des céramiques, des motifs, des ciels nocturnes et des paysages. Les œuvres me rappellent des rouleaux ou des panoramas sinueux. Leur longueur tentaculaire, leur qualité immersive et leur palette minimale vous incitent à passer du temps à déchiffrer leur technique, leurs images cachées et leur sens exagéré de l'espace. J'admire depuis longtemps le travail de Wheat, et ces nouvelles peintures semblent synthétiser ses intérêts pour l'artisanat, la peinture, le sujet et la technique.
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