L'idée de l'art évoque souvent l'image d'un travail solitaire. Les clichés de l'artiste solitaire dans son atelier, tour à tour frappé par l'inspiration ou en proie à la mélancolie, occupent l'histoire de l'art. Si cet archétype peut convenir aux processus qui nécessitent des périodes de concentration intense, comme l'écriture et la peinture, il est également vrai qu'il existe de nombreux types de travaux créatifs, comme la musique et la performance, où la collaboration est intégrée. Dans les arts visuels, il est également vrai que certains échanges peuvent ne pas être crédités : la conversation entre l'artiste et le conservateur, ou le va-et-vient entre l'écrivain et l'éditeur. Travailler au sein d'un collectif d'artistes, une structure de travail de groupe répandue depuis le XXe siècle jusqu'au monde de l'art contemporain, est une façon de s'inspirer de ces modèles de pratique, en mettant l'accent sur l'échange et la prise de décision partagée dans le cadre du processus créatif.
Qu'est-ce qu'un collectif d'artistes ?
Un collectif d'artistes est généralement un groupe d'artistes qui travaillent ou s'organisent ensemble. Il n'existe pas de modèle unique de collectif d'artistes - certains collectifs d'artistes adoptent un nom commun, tandis que d'autres mettent en avant les noms de leurs membres individuels. Les collectifs peuvent se réunir pour poursuivre des intérêts artistiques communs, mais ils sont aussi souvent fondés pour aborder des questions sociales ou partager des ressources, au sein d'une infrastructure de bricolage, pour la poursuite de la pratique artistique. Les collectifs d'artistes peuvent être constitués pour créer des œuvres basées sur des projets, lorsque les artistes membres maintiennent également des pratiques individuelles en dehors de leur collectif. Dans certains collectifs, la composition du groupe évolue au fil du temps ; les membres fondateurs quittent le groupe tandis que d'autres le rejoignent après sa création. Certains collectifs d'artistes, y compris des exemples récents très médiatisés, sont également des collaborations à long terme qui deviennent primordiales pour le profil et l'héritage de chaque artiste.
La pratique collective présente des avantages, mais aussi des difficultés. Travailler avec d'autres personnes signifie souvent plus de travail administratif, ainsi que la possibilité de désaccords, de différences de style de communication et de conflits d'ego. Alors, pourquoi troquer la liberté de décision individuelle contre une dynamique de groupe et des échanges de courriels ? Les exemples suivants de collectifs d'artistes répondent à cette question.
Pourquoi rejoindre un collectif d'artistes ?
Pour l'argent, la gloire et le glamour – Idée générale
Légendaire par son profil et son influence, General Idea était un collectif actif entre 1969 et 1994, composé des artistes Felix Partz, Jorge Jontal et AA Bronson. Connu pour son humour pince-sans-rire et son regard parodique sur les médias de masse, General Idea a réalisé des performances, des vidéos, des installations et des œuvres d'art postal. Issus du mouvement de la contre-culture des années 1960, ces thèmes influencent fortement les premiers travaux de General Idea, qui seront ensuite associés à l'art militant réalisé en réponse à la crise du sida dans les années 1980 et 1990. Deux des membres de General Idea, Felix Partz et Jorge Jontal, sont morts de maladies liées au sida en 1994. L'une de leurs œuvres les plus emblématiques, Imagevirus (1989-91), a même anticipé le phénomène de "l'image virale". Le bloc carré répétitif de Imagevirus s'est inspirée du programme de Robert Indiana Amour (1967), remplaçant les lettres "LOVE" par "AIDS", et a été diffusé comme une prise de contrôle visuelle de l'espace public. Imagevirus a occupé de nombreux espaces en dehors de la galerie, souvent en tapissant (littéralement) les surfaces, et a notamment été reproduite sur le panneau d'affichage Spectacolor de Times Square. (Source : Musée des beaux-arts du Canada.)
N'ayant jamais minimisé ses propres ambitions, le groupe a décrit les raisons qui l'ont poussé à former un collectif : "Nous voulions être riches, nous voulions être célèbres, nous voulions être glamour, nous voulions être des artistes. Et nous savions que si nous étions célèbres, si nous étions glamour, nous pourrions dire "nous sommes des artistes" et nous serions "riches".." (source : CBC.) General Idea continue d'être un modèle pour les artistes travaillant dans des collectifs, montrant que l'expérience vécue, l'ambition et le dynamisme peuvent être une force unificatrice puissante.
Demander des comptes - Guerilla Girls
Le collectif d'artistes The Guerilla Girls, qui se décrit lui-même comme "la conscience du monde de l'art", est connu pour subvertir l'espace publicitaire public dans son travail et son activisme. Fondées en 1985, les Guerilla Girls sont un collectif anonyme d'artistes féministes, identifiées par leur tenue vestimentaire iconique, qui comprend toujours un masque de gorille dissimulant le visage, et célèbres pour avoir perturbé les espaces muséaux. Leur pratique permanente aborde l'inégalité des sexes dans le monde de l'art à travers une lentille intersectionnelle (source : Site web des Guerilla Girls.)
L'une de leurs œuvres les plus connues est une bannière qui pose la question suivante : "Les femmes doivent-elles se mettre nues pour entrer au Met. Museum" ? S'appropriant l'image d'une femme nue tirée de la peinture néoclassique d'Ingres La Grande Odalisque (1814), le groupe a remplacé la tête du modèle par le masque de gorille caractéristique des Guerilla's Girls, qui fixe le spectateur d'un air menaçant. À côté de la figure, l'affiche énumère les statistiques recueillies par les Guerilla Girls sur le nombre de femmes artistes représentées dans la collection du Metropolitan Museum of Art, en mettant en contraste ces chiffres avec le pourcentage d'œuvres exposées qui représentent des corps féminins. Conçue à l'origine pour un panneau d'affichage, cette bannière est devenue une publicité sur les bus de la ville de New York. Si le projet de bannière est apparu pour la première fois en 1989, il a également été réédité en 2005 et en 2012, avec à chaque fois un nouveau décompte de ses statistiques. La longévité des Guerrilla Girls montre qu'un sens aigu de la justice sociale peut rassembler des esprits similaires dans l'action, en tant que collectif à la poursuite d'une cause.
Se réunir au milieu de l'isolement - Array Collective
En dehors de ces groupes historiques, les collectifs d'artistes continuent de circuler dans l'art contemporain et de se mobiliser sur des préoccupations sociales à l'échelle internationale. Notamment, en 2015, le collectif d'artistes BGL a représenté le Canada à la Biennale de Venise. Afin de souligner l'urgence d'un travail collaboratif qui a défendu un changement systémique au cours d'une période de bouleversements, le jury du prix Turner a choisi de nommer tous les collectifs d'artistes figurant sur la liste de présélection du prix. Dans le communiqué de presse annonçant la liste des lauréats de 2021, le prix Turner note que les nominés "...reflètent la solidarité et la communauté en réponse à la pandémie". (source : Tate Britain). Sur les cinq collectifs nominés pour le prix, le collectif de 11 personnes, le Collectif Array a remporté le prix de 25 000 livres sterling.
L'installation gagnante d'Array Collective, Le bal des Druthaib (2021), fait écho à la nature sociale de leur pratique et met l'accent sur l'acte de rassemblement. L'installation a recréé une síbínArray est un bar clandestin, meublé de documents éphémères faisant référence à l'activisme du groupe. Basé en Irlande du Nord, l'activisme d'Array s'inscrit dans le contexte politique de la fracture sectaire irlandaise, où les divisions historiques entre catholiques et protestants conduisent à une ségrégation fondée sur les différences religieuses. Cette division a notamment été au cœur des Troubles en Irlande du Nord durant la seconde moitié du 20e siècle, et les tensions persistent. Les œuvres passées et présentes d'Array Collective citent des mythologies préchrétiennes pour rappeler un système de croyances partagé dans leur région, et le groupe s'exprime aussi ouvertement sur l'accès à l'avortement et les droits des personnes homosexuelles. S'attaquer à ces divergences, Le bal du Druhaib est imprégné d'un sentiment de chaleur et d'accueil. Interrogé sur le choix de recréer un bar dans le cadre de leur projet, l'un des membres d'Array a plaisanté : "[q]u'est-ce qu'on préférerait être, une galerie d'art ou un pub ?" (source : le Guardian.) Les leçons de la pandémie sont également utiles aux artistes d'un point de vue pratique, car nous pouvons réfléchir à la manière dont la culture générale aborde le travail et la création de communautés. Il existe des possibilités pour les collectifs d'occuper l'espace numérique et de se rassembler en utilisant des plateformes à distance.
Penser avec quatre cerveaux et huit mains - Mataaho Collective
Au-delà du succès d'Array Collective avec le prix Turner, le travail collectif a continué à recevoir une attention et une reconnaissance internationales. L'été dernier, le collectif Mataaho d'Aotearoa (Nouvelle-Zélande) a remporté le Lion d'or à la Biennale de Venise 2024. Composé de quatre membres d'origine Māori (Erena Arapere-Baker, Sarah Hudson, Bridget Reweti et Terri Te Tau), ce collectif décrit sa méthode de travail comme étant issue d'une "paternité unique", avec une approche de l'art et de la culture. 'une approche à quatre cerveaux et huit mains.'
Le travail du collectif prend souvent la forme de textiles à grande échelle. Leur travail a été présenté à Venise, TakapauIl s'agit d'une installation tissée initialement présentée à Te Papa Tongarewa (Musée de Nouvelle-Zélande), où les membres de Mataaho ont pu avoir accès à des textiles fabriqués par des créateurs ayant des ancêtres Māori communs et les étudier. Les motifs tissés dans Takapau fait écho aux structures et aux motifs de ces références sélectionnées, que le groupe a dû mentalement déconstruire et prototyper avant de créer l'œuvre finale à grande échelle. L'engagement de Mataaho Collective dans les tissages traditionnels évoque également les enseignements générationnels inhérents aux pratiques artisanales, ainsi que les discours contemporains entourant la récupération des connaissances indigènes. Alors que le groupe s'est engagé dans le tissage traditionnel dès les premières étapes, l'œuvre finale a joué avec les conventions en étant tissée à partir de sangles de camion fluorescentes, en clin d'œil à l'histoire de la classe ouvrière du groupe (source : le Guardian.) Le collectif Mataaho élargit le cadre de la collaboration pour inclure ouvertement les anciennes générations de créateurs, montrant que la poursuite des traditions et le partage des compétences peuvent être à la fois un concept et un objectif.
Pour le partage des compétences, le dialogue et le soutien par les pairs
Comme pour le collectif Mataaho, outre le fait qu'ils permettent de poursuivre des intérêts communs et de travailler de manière créative en tant que groupe, les collectifs présentent l'avantage pratique de partager des compétences et des ressources, et de créer des opportunités pour les membres du groupe. Le collectif Array dispose d'un studio partagé où certains de ses membres disposent d'un espace de travail à Belfast, et General Idea a également contribué à la création d'une infrastructure au sein de la communauté artistique de Toronto. Art Metropoleun espace géré par des artistes fondé par General Idea, continue à soutenir le travail d'autres artistes, tout en préservant l'héritage du collectif.
Pour les artistes qui n'ont pas l'habitude de travailler au sein de collectifs, il y a l'avantage supplémentaire de partager le travail administratif entre les membres du groupe en fonction de leurs points forts, mais aussi d'unir leurs forces pour se renvoyer mutuellement l'importance de poursuivre leur travail. Il est beaucoup plus facile de rédiger une demande de subvention lorsque l'on peut faire du brainstorming avec d'autres, et le fait de travailler avec des amis peut également aider à répondre à la redoutable question "pourquoi est-ce que je fais ça". Si le travail au sein d'un collectif artistique exige davantage de communication et de compromis, les membres du collectif sont souvent récompensés de leurs efforts par le partage des compétences, le soutien des pairs et, occasionnellement, le plaisir de passer du temps ensemble.
