La capacidad de captar el movimiento en una imagen fija es uno de los aspectos más apasionantes de la fotografía, y quizá uno de los más difíciles de dominar. Una cuidadosa combinación de ajustes del equipo, experiencia, talento, sincronización, las leyes de la física y un poco de suerte son necesarios para hacer realidad la toma de movimiento perfecta.
Ya se trate de música en directo, bailarines y atletas en acción, coches circulando por una autopista o ropa tendida al viento, los sujetos en movimiento son difíciles de captar. Para saber cómo captar gran fotografía de acciónhemos preguntado a algunos maestros de la fotografía centrada en el movimiento cuáles son sus mejores consejos. Fotógrafos Miki Ávila, Diego Texera, Emilie Möri, Arkadiusz Branicki y Greg Gallinger pesar.
1. Decide si quieres realismo o abstracción
Averigua si la imagen requiere una instantánea nítida de quietud o un desenfoque más impresionista de colores y formas. Ambas cosas pueden ser bellas: todo depende de tu gusto personal y de las preferencias de tu cliente. La luz baja o un obturador lento pueden crear líneas más suaves. Esto puede resultar interesante al seguir un punto de movimiento extendido o retorcido, como los faros de una carretera oscura que aparecen como rayas amarillas o el brazo de una bailarina que se difumina en forma de port de bras. Esta técnica resulta especialmente sorprendente en el cine.
Congelar el movimiento requiere una gran potencia y un obturador rápido. Piensa en un tenista en pleno swing o en una voluminosa falda ondeando al viento. Todas captan la sensación de movimiento con una energía tensa.
"¿Queremos congelar el movimiento o queremos que el movimiento se sienta?", se pregunta Miki Ávila, fotógrafo afincado en Madrid que suele rodar en platós de cine, donde captar la acción trepidante es crucial. Avila también ha fotografiado a atletas para Adidas. Y añade: "Creo que el punto para todo es la luz, y la cantidad que podemos tener en nuestra escena: natural o con equipos de iluminación".
Greg Gallinger comparte una anécdota sobre las distintas formas de mostrar el movimiento: "Hace poco hice una foto de un hombre en un cruce de ferrocarril esperando a que pasara un tren. Ralenticé el obturador lo suficiente para que el tren apareciera como una línea horizontal borrosa a través de la escena, pero el hombre se veía nítido. Da la sensación de que el tren pasa a toda velocidad, pero no habría sido tan eficaz si estuviera completamente enfocado". Gallinger es un fotógrafo canadiense que suele fotografiar bandas de música en directo y también tomas de acción atmosféricas.
2. Prestar atención a la iluminación
La cantidad de luz que inunda la toma tiene mucho que ver con la exposición y la nitidez, pero eso ya lo sabías. Ser consciente de lo que la luz disponible te permite captar y de cómo manipular la luz si deseas un efecto determinado es necesario para conseguir la toma que deseas. Dicho esto, la composición y el enfoque siguen siendo fundamentales.
"Una buena cantidad de vatios para la iluminación -ya sea flash o continua- siempre es realmente útil", explica Avila. "Si estás fotografiando un proyecto en el que tienes que moverte y resolver las cosas rápidamente, usar una apertura mayor te ayudará a conseguir un punch en la nitidez".
"El mejor recurso para congelar el movimiento es la luz", afirma Diego Texera. "No se pueden fotografiar objetos en movimiento rápido sin ella". Texera es un fotógrafo afincado en Miami que ha hecho fotos llenas de acción para empresas como el Cirque de Soleil y Gatorade.
3. Preparar la escena
Si te estás preparando para un cliente, haz los deberes. Averigua qué quieres conseguir y qué debes evitar. Planifica la escena pensando en el movimiento para tener más control sobre el resultado. Haz algunas tomas de prueba cuando llegues al plató para sentirte cómodo y poder adaptarte al movimiento que te rodea si es necesario. También ayuda conocer la cámara como la palma de tu mano: debes estar preparado para hacer ajustes rápidamente.
"No te limites a disparar, hazlo tú también", aconseja Texera. "Planea probar ángulos e intenta cosas nuevas, pero dedica siempre a tu oficio el tiempo y el respeto que se merece preparándote". Gallinger está de acuerdo: "Cuando llego a un lugar, hago unas cuantas tomas de prueba y ajusto los parámetros en consecuencia. En el caso de la música en directo, hago algunas fotos del grupo telonero para calibrar las condiciones de iluminación".
4. Paquete ligero
Ya sea en una calle concurrida o en un club abarrotado de gente, fotografiar en una zona de mucho tráfico puede resultar complicado cuando se carga con un montón de equipo. Averigua qué elementos básicos necesitas y aprende a utilizarlos en tu beneficio.
"No me gusta que me agobien mientras filmo, así que decido de antemano qué equipo voy a llevar", dice Gallinger. "Solía llevar una bandolera con todos mis objetivos, pero ahora rara vez cambio de objetivo durante una sesión. Llevo mis dos cámaras, una con un gran angular y otra con algo más de teleobjetivo".
5. Conozca a sus súbditos
Si vas a fotografiar el cuerpo de alguien, te ayudará conocer a la persona que hay detrás. Ser consciente de la personalidad del sujeto ayudará a que la imagen resultante sea dinámica y única. La comunicación es clave. Si el sujeto se siente cómodo, se notará en la imagen.
"Cada modelo me enseña algo nuevo", dice Branicki. "En una sesión de ballet que rodé, estaba intentando explicar una figura complicada y la mujer me interrumpió y me dijo: 'No me expliques, soy bailarina. Enséñame lo que tengo que hacer, yo lo haré y tú dirás que es perfecto'. La admiro por eso".
6. Los accesorios son la clave
Utiliza accesorios creativos para hacer tangible el movimiento. Al poder ver el efecto dominó de cómo el movimiento fluye no sólo a través del cuerpo, sino también a través de un objeto de apoyo, el espectador tiene una mayor percepción del movimiento representado.
"Utilizo todos los elementos de que dispongo, mi imaginación, mi mando a distancia y la edición en Photoshop para obtener un resultado lo más cercano posible a mi objetivo", afirma Emilie Möri. Afincada en Francia, Möri crea una fotografía artística única centrada en el movimiento. "Utilizar los movimientos del cuerpo humano y del cabello da un toque dinámico a mi fotografía", añade.
7. Comprender el cuerpo
Comprender cómo se mueve la estructura ósea, cómo viaja el impulso por el cuerpo y los momentos precisos de despegue en los saltos es fundamental para capturar a atletas veloces, bailarines enérgicos, modelos expresivos y músicos frenéticos. Saber cómo se mueve el cuerpo humano no sólo te dará más seguridad a la hora de medir el tiempo, sino que también te ayudará a conocer ángulos y posturas favorecedores y a ser más consciente de lo que es seguro para el sujeto. No querrás que nadie se tuerza un tobillo.
"A menudo tengo que empezar con una toma estática para entender la anatomía", dice Arkadiusz Branicki, fotógrafo polaco especializado en retratos creativos de desnudos. "Hay que observar cómo se mueve el cuerpo y cuánto puede hacer. Dibujar también ayuda. Mis paredes están cubiertas de dibujos para poder analizar mis ideas".
8. Conocer las ventajas del enfoque automático
Puede parecer una trampa, pero algunos movimientos se captan mejor con el enfoque automático. Puede que los fotógrafos más acérrimos de la vieja escuela apuesten por el enfoque manual, pero si lo que buscas es una línea nítida con poca luz, el enfoque automático es el camino a seguir. Tus ojos no son nada comparados con la tecnología actual.
"Numerosos fotoperiodistas confían en el enfoque automático, no porque no puedan enfocar manualmente, sino porque cuando se trata de conseguir un enfoque nítido no siempre puedes confiar en tus ojos o en tus rápidos reflejos", explica Gallinger. "Esto es especialmente cierto cuando se fotografían deportes o fauna salvaje, pero también cuando se trata de música en directo. Es mejor tener fotos nítidas que una falsa sensación de superioridad".
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