Como artista emergente, o incluso como profesional a mitad de carrera, es probable que la planificación de la jubilación no sea una de sus prioridades, por no hablar de la creación de un testamento. Es demasiado fácil posponer este tipo de planificación o descartar el patrimonio como algo de lo que los artistas no tienen que preocuparse. Pero es importante decidir qué ocurrirá con sus obras de arte cuando usted fallezca.
Tras su muerte en 1970, los amigos y familiares del artista Mark Rothko se enzarzaron en un debate de años sobre sus obras, demostrando la necesidad de crear un patrimonio como artista. Abrió los ojos de los artistas al concepto de que esto era un negocio, no sólo un mundo intelectual", dijo su hija Kate Rothko a la revista New York Times de la batalla legal muy pública. El caso de Vivian Maier pone de relieve la importancia de planificar el patrimonio incluso para quienes no somos necesariamente artistas de renombre mundial. Maier, fotógrafa aficionada que murió sin testamento ni patrimonio, se hizo famosa cuando se descubrió su obra tras su muerte en 2009, lo que dio lugar a una serie de batallas legales sobre quién tiene exactamente los derechos de distribución de su obra.
Experto en derechos de autor y director de Instituto de Patrimonio Artístico Loretta Würtenberger intenta facilitar a los artistas, en todas las etapas de su carrera, la tarea de asegurarse de que su trabajo está siempre en buenas manos. Junto con el abogado Karl von Trott, Würtenberger publicó El patrimonio del artista: Manual para artistas, albaceas y herederosla primera guía completa sobre el tema. El libro está repleto de consejos sobre cómo gestionar y mantener las obras, los archivos y los objetos efímeros de un artista fallecido, así como sobre el modo en que un artista puede poner en orden sus asuntos en vida.
Nos pusimos en contacto con Von Trott para pedirle consejo sobre lo que usted, como artista vivo, puede hacer para preservar su obra, su legado y su visión artística.
Formato: En primer lugar, ¿puede explicar en qué consiste el patrimonio de un artista? En su libro dice que, desde el punto de vista jurídico, un patrimonio puede abarcar literalmente cualquier cosa que el artista deje al morir.
Karl von Trott: Como dijo Degas, "El arte no es lo que ves, sino lo que haces ver a los demás". En la mayoría de los casos, la obra de arte física es sólo un componente del legado de un artista. Las fuentes de comprensión y contextualización, como la correspondencia, los periódicos, los objetos y las obras de arte de amigos y compañeros, son otra parte integrante del legado de un artista. Pero no hay ninguna norma irrevocable que diga con qué se trabaja exactamente cuando se cuida uno. Así que el significado de la palabra es fluido.
El punto de vista jurídico es diferente. Es importante ser preciso en este punto. El uso del término "patrimonio del artista" puede malinterpretarse, dependiendo del contexto. Porque el término "patrimonio" tiene un significado jurídico específico en las jurisdicciones de derecho anglosajón.
Por un lado, puede referirse a una estructura jurídica de derecho consuetudinario, a la que pasan todos los bienes de una persona física en el momento de su fallecimiento. Esta estructura suele ser temporal. Se encarga de pagar los impuestos de sucesión y de gestionar la herencia a través de un albacea. Una vez hecho esto, los bienes se transfieren a los herederos. Se trata, pues, de un concepto puramente jurídico.
Por otro lado, el término "patrimonio del artista" es amplio, y generalmente se utiliza para describir a una persona, o una entidad que se encarga del legado, de todas las formas posibles, independientemente de la naturaleza jurídica, la forma de la organización, la duración prevista, etcétera. Así que, al final, el término se utiliza para referirse a aquello que tiende un puente hacia el artista fallecido y se asegura de que su obra continúe.
Gehard Richter Catálogo razonado Vol. 4, vía Ursus Libros.
¿Cree que los artistas deben preocuparse por cada trozo de papel, cada nota que se haya garabateado alguna vez? ¿Dónde traza el límite de lo que debe incluirse en un patrimonio?
Al final es una cuestión personal. No me corresponde a mí decidir qué debe hacer un artista, qué debe incluir en una obra y qué no. Pero lo ideal es que el artista tenga una visión clara y oriente a los que "continúan" su labor.
La forma más obvia de hacerlo es definir el corpus de obras destruyendo aquellas creaciones que el artista no considera parte de su expresión artística. Por lo que respecta a las obras que ya no están en posesión del artista, éste podría determinar que dichas piezas no se incluyan, por tanto, en el futuro catálogo razonado. Gerhard Richter lo ha hecho para obras terminadas, anteriores a su primera obra del catálogo razonado Tischdesde 1962.
Si el artista no es capaz de filtrar su obra por destrucción, al menos debería definir y categorizar sus obras en relación con el futuro trabajo de legado, así como ofrecer un manual de postproducción e instalación. Deberían abarcar cuestiones como
¿Qué es una obra de arte acabada? ¿Qué es una obra de arte inacabada? ¿Qué puede salir de la esfera interna del patrimonio para préstamos y exposiciones? ¿Qué no? ¿Qué está a la venta, qué no, y si está a la venta, a quién? En caso de instalaciones: ¿cómo debe instalarse la obra para mantener la integridad? ¿Quién lo hará? En el caso de esculturas y grabados: ¿se desea una edición póstuma? ¿En qué medida?
Puede ser útil ver esta tarea como una gran obra de arte final en sí misma, la última Gesamtkunstwerk.
La mayoría se preguntará: ¿para qué? Para preguntar con franqueza: ¿por qué debería importarle a un artista de nivel medio, de entre 20 y 40 años?
Todo artista debería preocuparse. Nadie puede prever cómo transcurrirá la vida, y menos aún cuánto durará. Facilita enormemente las cosas a quienes más tarde se encargan de la herencia si el artista piensa en el legado desde el principio, o al menos de vez en cuando, y pone algo por escrito. No se trata necesariamente de un testamento completo, pero sí de unas declaraciones aproximadas sobre el tratamiento póstumo que se desea dar a su obra. En caso de fallecimiento prematuro, servirá para orientar a los futuros cuidadores.
Sé que es duro tratar el tema del fallecimiento en cualquier momento, pero cualquier forma de orientación, un inventario y una buena organización del estudio serán muy apreciados por los responsables más adelante. Ahorra tiempo y dinero y significará que la obra y el legado tienen más probabilidades de éxito.
Supongamos que un artista vivo quiere crear un patrimonio, ¿qué debe tener en cuenta o qué es lo primero que debe hacer?
El legado de un artista tiene dos caras. Está la formal, relativa a la estructura jurídica y fiscal, y está la relacionada con el contenido y el arte. Ambos lados, por supuesto, se entrelazan. Como ocurre con todas las herencias que se dejan, al principio el divisor debe decidirse y encontrar respuestas a preguntas elementales:
¿Se beneficiarán mis seres queridos de mis residuos? En caso afirmativo, ¿quiénes y de qué manera? ¿Cómo puedo combinarlo con el trabajo póstumo para mi obra? ¿Quiero una herramienta de legado institucionalizada? ¿Puedo permitírmelo? ¿Cuál será su finalidad y en qué momento? ¿Quién hará el trabajo y durante cuánto tiempo? ¿Cuáles serán los activos para crear flujos de ingresos para el trabajo de legado? Y posteriormente, ¿cuál es la mejor estructura jurídica y fiscal para alcanzar estos objetivos?
Una vez más, como ya se ha dicho, muchas de estas preguntas deberían responderse en vida del artista. Sería un gran alivio para los que se quedan atrás.
Skulpturenhalle de Thomas Schütte, imagen vía Fundación Thomas Schütte.
Tony Cragg Parque de esculturas en Wuppertal, Alemania.
¿Podemos hablar un poco sobre Museo de Thomas Schütte que ha construido para exponer sus esculturas? Es una idea brillante, pero no muchos artistas tienen esa capacidad financiera. ¿Qué más podría hacer alguien para conservar o exponer su obra de la forma que desee?
Una idea brillante de Thomas Schütte. Cada vez son más los artistas sensibilizados con el tema. Tony Cragg, Damien Hirsty Hiroshi Sugimoto son otros buenos ejemplos. También ellos han creado una estructura similar a un museo, no sólo para exponer sus obras, sino también para apoyar a otros artistas. Sin su éxito comercial personal, esto no habría sido posible. Pero incluso estos titanes del mundo del arte tienen que tener una estrategia de sostenibilidad económica a largo plazo y un propósito general de sus vehículos de legado.
Todos los artistas pueden empezar por plantearse estas preguntas: responder a las preguntas anteriores relacionadas con el conjunto de la obra, anotar las respuestas, preparar todos los archivos de forma profesional y asegurarse de que la obra y el material de archivo se conservan físicamente. Encontrar a alguien que se ocupe del legado, al menos a un nivel básico.
A partir de ahí, ¡todo puede encajar! También depende del compromiso del conservador, de la valoración de la importancia histórico-artística de la obra y, por supuesto, de la siempre necesaria dosis de suerte. Cuantos más partidarios encuentre el cuidador, mayores serán las posibilidades de conservación y visibilidad de la obra. Pueden ser conservadores, galeristas o periodistas.
Por desgracia, no existen soluciones estándar. Los museos son cada vez más reacios a hacerse cargo de los patrimonios de los artistas y, si acaso, se hacen cargo de patrimonios parciales bien estructurados. En Alemania hemos asistido a un aumento de las organizaciones sin ánimo de lucro, especialmente regionales, que se ocupan de esta cuestión, pero también en este caso, como en un museo, sus capacidades son limitadas.
Estudio de Marisol Escobar en Nueva York, imagen vía Galería de Arte Albright-Knox.
¿Cuál es su opinión sobre Marisol Escobar regalándole toda su colección (por no hablar de casa y estudio) a la Albright-Knox Art Gallery de Nueva York? ¿Están los museos preparados para poseer toda la obra de un artista? ¿Cree que una institución tan grande puede hacer justicia a la obra cuando tiene tantos otros programas y centros de interés?
Depende de cada caso, del museo, de las personas implicadas, etcétera. Estoy seguro de que el museo Albright-Knox hará un gran trabajo en este sentido. Apoyó su trabajo desde el principio y supongo que ambas partes supieron preparar y estructurar el legado con profesionalidad. Desde la perspectiva del artista, es clave implicar a la institución respectiva desde el principio, para hacerse una idea de lo que puede hacer, quiere hacer y, sobre todo, de lo que no. Después, hay que definir las condiciones.
El peligro de que museos enteros se hagan cargo de fincas es que el legado del artista y el arte se vuelvan estáticos, por las razones que has mencionado, y porque el arte se centra todo en un solo lugar. Pero creo que en el caso de Marisol Escobar, tener su estudio en Nueva York es una gran oportunidad para que el museo evite un escenario como ese.
No dejo de pensar en la relevancia de esto para artistas digitales... ¿Se imagina el legado de un videoartista archivado o cuidado de forma diferente al de un escultor, por ejemplo? ¿Existen diferentes maneras de gestionar el patrimonio de los distintos medios?
No, no lo creo. Por supuesto, la tecnología de archivo puede ser diferente y la cuestión de la conservación de los datos es más vital para los artistas digitales. Pero, al fin y al cabo, el medio no define las tareas del gestor del patrimonio de un artista, que son: mantener vivas las ideas del artista, impulsar el arte ahí fuera, dejar que haga pensar, ver, entender y reaccionar a la gente, y mejorar la vida del individuo y del mundo en su conjunto.
Imagen de portada Alex Stoddard.
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