Conocida por su audaz uso del color, la fotografía fija de Frances crea una representación visual del estado de ánimo y la energía cinética de la música que la inspira. En su trabajo en movimiento, Frances crea vídeos musicales en colaboración con varios músicos, como Ratbag, THEIA y The Beths. Frances se sentó con Format para hablar del papel que desempeñan el color y la sinestesia en su trabajo, de la transición para convertirse en fotógrafa a tiempo completo y de la intencionalidad de sus nichos fotográficos.
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Me llamo Frances Carter. Soy fotógrafa y vivo en Tāmaki Makaurau, también conocida como Auckland, Nueva Zelanda. Estoy especializada en retratos, a menudo de músicos y artistas. También hago un poco de trabajo comercial y, ocasionalmente, algo de dirección de vídeo.
Me aficioné a la fotografía cuando tenía unos 14 años. Había clases de fotografía en mi instituto, pero yo no estaba en ellas. Cuando me di cuenta de que me gustaba mucho como afición, fui a ver a la profesora de fotografía, le enseñé algunos trabajos y le pregunté: "¿Me deja entrar en la clase?". Y me dijo que no. Hice una licenciatura en artes visuales en la universidad, así que en ese sentido había un poco de formación formal, pero era en torno a conceptos más que a cosas técnicas.
Mi formación técnica llegó después de terminar mis estudios, cuando empecé a trabajar en casas de alquiler de equipos. Mi trabajo allí consistía en conocer cada soporte de luz, cada pieza de agarre, cada modificador, simplemente todo: saber cómo se llama el equipo, cómo funciona y poder explicárselo a la gente. Creo que esa parte de mi formación me ha proporcionado la mejor base técnica. También pasé bastantes años trabajando como ayudante de fotografía, y fue una forma estupenda de conocer distintos enfoques de la iluminación, el trabajo con la cámara y la gestión de una sesión.
No hubo realmente un momento en el que decidiera que la fotografía iba a ser mi carrera. Era lo que hacía y siguió siendo lo que hacía. Y aquí estoy, más de 12 años después, siguiéndolo; no fue intencionado convertirlo en mi trabajo, pero me alegro de que haya resultado así.
¿Cómo fue para ti la transición de ayudar a otros fotógrafos a convertirte en fotógrafo a tiempo completo?
Incluso cuando trabajaba en el alquiler de equipos o como ayudante de fotografía, siempre hacía mis propios trabajos. Naturalmente, con el tiempo eso fue aumentando hasta llegar a un 50-50 entre trabajar para otras personas y hacer mis propias tomas. El empujón que me llevó al trabajo fotográfico a tiempo completo fue la pandemia. Experimenté bastante inestabilidad laboral en esa época porque tuvimos varios cierres en los que no pude trabajar; el más largo fue de unos tres meses. Eso me permitió dejar de asistir. Por aquel entonces tuve una conversación con Emily Moon, que ahora es mi agente. Estaba dispuesta a fichar a alguien nuevo y ya nos conocíamos de mi trabajo como asistente, así que todo encajó.
Ese fue el empujón que necesitaba, que me dijera: "Déjame contratarte". Sabía que si conseguía algunos trabajos comerciales a través de la agencia, podría compaginarlo con mi fotografía musical y dedicarme a ello a tiempo completo. Aquí estamos unos tres años después y está funcionando.
La experiencia que adquirí como ayudante me resultó muy valiosa. Ser ayudante puede enseñarte mucho, no sólo sobre cómo hacen su trabajo otros fotógrafos en el plató en cuanto a iluminación y cámara, sino también cosas que son menos obvias: ¿cuál es el papel de cada miembro del equipo y con quién tienes que hablar si tienes un problema en el plató? Tanto en el trabajo comercial como en mi trabajo con músicos, es bueno conocer ese tipo de cosas y aprender a manejarse en un plató más grande.
¿Cómo empezaste a fotografiar músicos?
Empecé a fotografiar músicos en el instituto. Era amigo de muchos músicos y yo era una de las pocas personas de mi grupo de amigos que no sabía tocar un instrumento. Mi contribución a la escena consistía en fotografiar a la gente. En Auckland había una escena floreciente para todas las edades. Solía ir a todos los conciertos que podía y hacía fotos.
Era un poco documental, un poco música en directo. Naturalmente, eso se convirtió en una fotografía de prensa más escenificada, a medida que los músicos con los que trabajaba iban teniendo más éxito. Los medios musicales locales, los blogs y las revistas empezaron a pedirme que fuera a los conciertos y fotografiara para ellos.
En aquel momento pensé que era un gran trato: una entrada gratis para un concierto y sólo tienes que trabajar un par de horas. En retrospectiva, quizá no fuera un trato tan bueno, sobre todo cuando las entradas costaban 20 pavos, pero pude ver a algunos de mis grupos favoritos cuando era un estudiante sin blanca. Fue increíble poder estar en primera fila captando momentos trascendentales, cosas históricas... fue muy gratificante. Creo que la fotografía musical es uno de los tipos de fotografía que pueden ganar importancia con el tiempo.
La foto puede ser genial cuando la haces, pero 30 años después, la gente recordará la carrera de ese artista y la imagen que capturaste será LA imagen definitiva. Siempre espero poder conseguir esas fotos de la gente.
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Cuando empecé, era la época de los álbumes de Facebook, así que la gente esperaba 200 fotos al día siguiente de un concierto. Era una forma estupenda de que la gente supiera que yo era fotógrafo. Todo el mundo lo sabía porque en algún momento le etiquetarían en una foto. Así que en nuestra pequeña comunidad me asociaron con la fotografía de una forma bastante fuerte y eso ha seguido siendo útil durante más de una década: la gente sabe que soy yo quien hace las fotos musicales.
Los clientes comerciales suelen utilizar mi trabajo musical como ejemplo de lo que les gustaría para su fotografía de marca. Les gusta mucho su relevancia cultural, eso es lo que todo el mundo quiere de un trabajo comercial. Quieren que parezca no comercial. Me encanta cuando la gente viene a mí con una idea y yo actúo como productor técnico y descubro cómo darle vida a su idea, tanto con músicos como con clientes comerciales. Es importante que ruede muchos trabajos que no sean publicitarios y eso me ayuda a conseguir trabajo publicitario.
Has mencionado que también creas vídeos musicales: cuéntanos más sobre cómo empezaste con el vídeo.
La parte de vídeo de mi trabajo surgió cuando trabajaba en el alquiler de equipos. Trabajaba en un estudio que tenía bastantes equipos de vídeo, así que parte de mi trabajo consistía en familiarizarme con esos equipos. Soy una persona que aprende haciendo, así que lo cogí y empecé a hacer vídeos. Eran cosas bastante experimentales, sólo con amigos; muchos eran vídeos musicales de bricolaje y era mi forma de entender los menús de la cámara, lo que es un códec, la velocidad de fotogramas... cosas que me resultaban totalmente desconocidas como fotógrafo de fotografía fija.
Básicamente aprendí haciendo y sigo haciéndolo; creo que siempre hay algo más que aprender. Como fotógrafo, es muy útil tener también un poco de experiencia con el vídeo. La gente a menudo quiere tanto foto como vídeo en un trabajo y está bien poder ofrecer ambas cosas.
Los vídeos musicales surgen de distintas maneras. A veces hago un tratamiento muy profundo de un vídeo, lo que implica concebir una idea, encontrar referencias, describir cada aspecto del vídeo, etcétera. En otros casos, alguien puede llegar con una idea que quiere hacer, y mi trabajo consiste en desarrollarla y darle vida. Siempre tengo que tener en cuenta lo que va a ser factible dentro del presupuesto. Tengo que pensar como director y como productor al mismo tiempo; la primera vez que lo hice fue un reto para mí, pero ahora me siento más cómodo.
En tu obra, hay un sentido muy audaz del color y una iluminación dramática. ¿Cómo llegaste a este estilo?
Me encanta trabajar con luces de colores. Creo que se desarrolló a partir de mi amor adolescente por Photoshop y la gradación de colores; la gradación de colores fue una de las cosas que realmente me enganchó a la fotografía. No se trata sólo de hacer la foto, sino de lo que puedes hacer con ella después. Y a medida que mis habilidades han ido progresando, he intentado reducir un poco la posproducción y hacer mucho de ese color rico en la cámara.
El cambio en los equipos de iluminación que se ha producido en los últimos 10 años también ha influido en mi trabajo, como la adopción de los LED de espectro completo. Simplemente hacen que sea tan fácil jugar con el color y también hacerlo sin ayuda. Si utilizas luces estroboscópicas y tienes que gelificar todas las luces estroboscópicas, es muy, muy útil contar con un par de manos adicionales que te ayuden a probar toda esa iluminación y a configurarla. En cambio, si utilizas LED de espectro completo, están encendidos constantemente. Puedes ver lo que haces más fácilmente, y se convierte en una opción para trabajar solo y experimentar solo con el color.
He observado que muchos músicos hablan de la sinestesia en su trabajo y de cómo sienten que su música tiene un color. Aunque yo provengo del lado visual y no del auditivo, tengo las mismas sensaciones, sobre todo cuando trabajo con músicos. Hay un estado de ánimo en lo que están produciendo y mi trabajo consiste en interpretarlo en un sentido visual, lo cual es bastante difícil porque obviamente hay distintos medios, pero creo que el color desempeña un papel importante a la hora de representar el sonido. Eso es definitivamente una parte de donde proviene en mi trabajo.
¿Qué se siente al ver tu trabajo en publicaciones como Rolling Stone?
Aquí tenemos músicos increíbles, algunos de los cuales serán inevitablemente reseñados por las grandes publicaciones musicales porque son realmente buenos. Yo no me promociono en absoluto: tenemos una comunidad lo bastante pequeña como para que el boca a boca haga todo el trabajo, y fotografío a muchos de los músicos de Auckland. A veces tengo la sensación de ir a rebufo de esos grandes músicos: yo hago las fotos, y no es tan glamuroso como parece. Pero no me malinterpretes: voy a aprovechar ese logro y decir: "Me han publicado en Rolling Stone".
¿Qué consejo darías a los fotógrafos emergentes?
Mi consejo a los fotógrafos que quieran dedicarse a la fotografía musical es que se especialicen, que encuentren lo suyo y se dediquen a ello. Cuando empecé, me dediqué a varios géneros diferentes y llegué a un punto en el que la gente se refería a mí como fotógrafa de moda. Aunque disfrutaba fotografiando moda, pensé: "hmm, no creo que ese sea yo. Quiero que me conozcan como la fotógrafa de música". Me aparté intencionadamente de mi trabajo de moda y le dije a la gente: "Hago música. Esto es lo que hago". Pasaron unos cuatro o cinco años hasta que cambió la percepción que la gente tenía de mi trabajo, y ahora es por lo que se me conoce.
Ahora que he encontrado ese nicho, me siento más capaz de explorar otras cosas, pero creo que es mejor ceñirse a una cosa que repartirse entre paisaje, producto, retrato, bodas... No hagas de todo. Somos suficientes. Nosotros no todos necesidad de hacerlo todo.
Creo que también hay algo que decir sobre no dedicarse a todo demasiado pronto, porque yo tenía mi trabajo paralelo. Tanto en el alquiler de equipos como en la asistencia fotográfica u otras cosas que hice, pasaron muchos años hasta que dependí exclusivamente de la fotografía para obtener ingresos. Tener esos ingresos secundarios me dio la flexibilidad necesaria para rechazar trabajos que no me parecían adecuados para el tipo de fotógrafo por el que quería ser conocido.
¿Qué papel desempeña el sitio web de tu portafolio en tu carrera y en tu flujo de trabajo?
Me encanta ir y mirar mi propio sitio web. No sé si es raro decirlo, pero pertenezco a la generación del milenio y he trabajado sobre todo con medios digitales. De vez en cuando hago fotos en película, pero soy sobre todo un fotógrafo digital y casi nunca vemos nada físicamente. No suelo imprimir mi trabajo ni ver mi archivo de forma global. Mi sitio web es actualmente el mejor lugar al que acudir para ver los años de trabajo que he dedicado a esta carrera. Sí, destaca mi mejor material.
Instagram también está bien para publicar lo que estás haciendo en ese momento, pero para mostrar en qué te centras y qué temas pueden estar presentes en tu trabajo, me encanta cómo puedo organizar mi sitio web para mostrarlo.
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Últimamente utilizo mucho las galerías de clientes, era una nueva incorporación a mi flujo de trabajo. Y me gustó mucho poder enviar a la gente a mi sitio web para que vieran la larga lista de las tomas de las que iban a hacer la selección. También me gusta poner mi imagen favorita de la sesión como imagen de portada. Así, cuando la gente vaya a ver las fotos de la sesión, no irá a una carpeta de Dropbox o a algo que no tenga buen aspecto. Tiene un poco de estilo. Y puedo empezar con una imagen realmente buena justo en la página de inicio para mostrar, "no te preocupes, tenemos la foto". Y luego entran y ven todo lo demás.
Las galerías de clientes han cambiado las reglas del juego. En comparación con los distintos métodos que utilizaba antes, la galería de clientes tiene clase: es el servicio completo.
Creo que tener un sitio web atractivo en el que no tengo que hacer absolutamente nada es increíble. Es un nivel de profesionalidad realmente fácil de conseguir.
¿Qué tienes en el horizonte? ¿Tienes algún proyecto próximo que puedas compartir con nosotros?
Acabo de disfrutar de un descanso, de unas vacaciones. Cuando llega el final del año, tengo muchas ganas de desconectar y quizá no dejar la cámara, sino cambiar a una cámara muy diferente y más pequeña: tengo una pequeña cámara de película que me cabe en el bolso. Hacer fotos por diversión y no por trabajo.
También he estado trabajando en una serie de sesiones de retratos con mi amigo Léon Bristow, que está creando un directorio en línea que representa el talento de las comunidades POC, arco iris y discapacitadas de Aotearoa. Hoy en día, todo el mundo es mucho más consciente de la necesidad de que la diversidad esté representada en sus imágenes, pero a veces sigue costando hacerlo. Puede parecer que los talentos contratados pertenecen a un determinado grupo demográfico, pero a menudo no lo son y carecen de la experiencia vivida.
Me encanta crear los retratos de los talentos para este directorio, que se llama "Seres." No hay ningún producto que vender, no hay ninguna agenda: el objetivo es celebrar a la persona que está delante del objetivo. Es agradable fotografiar a las personas simplemente porque son ellas. Creo que eso es lo que me llevó a quedarme con la fotografía musical en lugar de la fotografía de moda: se centra realmente en la persona que estás fotografiando. La fotografía de moda es muy bonita y divertida, pero a menudo se trata de convertir a un modelo en otra persona. Yo prefiero intentar sacar la esencia de la persona que estoy fotografiando.
El proyecto del directorio se lanzará a principios de 2025, y habrá una pequeña exposición de ese trabajo en febrero en Studio One Toi Tū. SERES: Tātou Tātou estará abierto del 19 al 28 de febrero de 2025.
