En defensa de las fotos alteradas digitalmente

No existe la fotografía objetiva.

Un reciente artículo de The Wall Street Journal titulado "¿Las fotos alteradas digitalmente representan realidad o ficción?". dice que hay demasiada "manipulación" (es decir, Photoshop) en muchas de las imágenes actuales, sobre todo en el fotoperiodismo y los concursos fotográficos. Evidentemente, existe una norma arbitraria (que nadie parece poder definir objetivamente) que postula que, en esencia, solo una imagen recién sacada de la cámara es honesta o aceptable, sobre todo si eres fotoperiodista o presentas tu imagen a un concurso.

La redactora del artículo, Ellen Gamerman, da ejemplos de fotos alteradas, entre ellos Harry Fischque "ganó y perdió un primer premio en un concurso fotográfico de National Geographic" por la imagen "Preparando las oraciones en el Ganges" porque eliminó digitalmente una bolsa de plástico extraña de una zona sin importancia de la imagen. También se discute Steve McCurrymás conocido por su icónico "Chica Afgana" foto en la portada de la revista National Geographic en 1985. Fue acusado de manipular digitalmente algunas imágenes tomadas en 1983 en Bangladesh y la India.

En general, me parece absurdo y la lógica que subyace a tales intentos de definir una "fotografía objetiva" fatalmente defectuosa. Desde un punto de vista puramente científico, no existe en absoluto una fotografía "objetiva", por muchas razones. Todas las fotografías mienten, de forma permanente y absoluta. La única diferencia es cuánto y en cuántas zonas.

Un ejemplo combinado de encuadre y profundidad de campo. Uno de los fotógrafos está a 2 metros más lejos (desde la posición de mi cámara) que el otro, pero el escorzo del teleobjetivo de 200 mm parece mostrar un duelo de fotógrafos. [©2012 Ed Elliott / Clearlight Imagery]

La primera mentira: el encuadre

La propia naturaleza de la fotografía, desde los primeros tiempos hasta ahora, tiene en su núcleo una característica esencial: el encuadre. Sólo una cierta cantidad de lo que puede ver el fotógrafo puede capturarse como imagen.

Cada fotografía tiene cuatro bordes. Que los bordes finales que se presentan al espectador se deban a las limitaciones de la cámara, la película o el sensor de imagen, o al recorte durante el proceso de edición, es irrelevante. La elección inicial del encuadre la hace el fotógrafo, de acuerdo con la cámara utilizada, que presenta limitaciones físicas que no se pueden sobrepasar.

La elección del encuadre es completamente subjetiva: es el ojo/cerebro/intuición del fotógrafo el que decide en el momento hacia dónde apuntar la cámara, qué incluir en el encuadre. Pivotar la cámara unos grados a la izquierda para evitar un antiestético poste de teléfono, ¿es "manipulación digital injustificada"?

La mayoría de los editores de noticias y jueces de concursos fotográficos probablemente no estarían de acuerdo. Pero si el mismo resultado exacto se obtiene recortando la imagen durante un proceso de edición, ya empezamos a ver desacuerdos en la bibliografía.

Si Fisch simplemente se hubiera acercado y recogido la bolsa de plástico antes de exponer la imagen, probablemente habría recibido merecidamente el primer premio de National Geographic, pero como retiró la bolsa durante la edición, su fotografía fue descalificada.

Por esta misma lógica, cuando Leonardo Da Vinci pintó el Mona Lisa detrás de ella hay una balaustrada con dos columnas. Hay una simetría perfecta en la colocación de Lisa Gherardini (la presunta modelo) entre las columnas, lo que ayuda a enmarcar el tema. La pintura lleva su tiempo, es probable que un pájaro se posara de vez en cuando en la balaustrada. ¿Debía Leonardo incluir el pájaro o no? ¿Manipuló" la imagen incluyendo sólo las partes que eran importantes para la composición? ¿Se atrevería hoy algún editor o juez a preguntarle si eso era posible?

Toma gran angular, que demuestra un enfoque nítido desde el primer plano hasta el fondo. Además, la exageración de la perspectiva hace que la proa del barco parezca mucho más alta que la popa. [©2013 Ed Elliott / Clearlight Imagery]

La segunda mentira: el objetivo

No hay fotografía sin objetivo. Cada objetivo tiene unas propiedades irrefutables: la distancia focal y la abertura máxima son las más importantes. Cada uno de estos parámetros confiere un aspecto vital, y subjetivo, a la imagen captada posteriormente.

Cada distancia focal enfoca más o menos parte del encuadre e, inversamente, acorta la profundidad de campo. Los objetivos gran angular tienden a enfocar nítidamente todo el campo de visión, mientras que los teleobjetivos desenfocan todo excepto lo que el fotógrafo ha seleccionado como punto de enfoque principal.

Además, cada tipo de objetivo distorsiona notablemente el campo de visión: los gran angular tienden a exagerar la distancia entre el primer plano y el fondo, haciendo que los objetos más cercanos del encuadre parezcan más grandes de lo que realmente son, y haciendo que los objetos lejanos sean aún más pequeños. Los teleobjetivos tienen el efecto contrario, escorzando la imagen y aplanando la imagen resultante.

Por ejemplo, en una toma con teleobjetivo largo de un árbol en una cresta retroiluminado por la luna, tanto el árbol como la luna pueden ser nítidos y aparentemente la luna está directamente detrás del árbol, aunque esté a 239.000 millas de distancia.

La conclusión es que la elección del objetivo y el diafragma es un elemento de control del fotógrafo (o de su bolsillo) y tiene un efecto enorme en la imagen tomada con ese objetivo y ese ajuste. Ninguna de estas elecciones puede considerarse una manipulación "analógica" o "digital" de la imagen durante la edición, pero podría decirse que tienen un efecto mayor en el resultado, el mensaje, el impacto y el tenor de la fotografía que cualquier otra cosa que pueda hacerse posteriormente en el cuarto oscuro (ya sea química o digital).

La tercera mentira: la velocidad de obturación

Toda exposición es producto de dos factores: la luz y el tiempo. La cantidad de luz que incide en un negativo (o sensor digital) se rige únicamente por el diafragma seleccionado (y posiblemente por cualquier filtro adicional colocado delante del objetivo); la duración durante la cual se permite que la luz incida en el negativo se establece mediante la velocidad de obturación.

Aunque la principal propiedad de ajustar la velocidad de obturación es producir la exposición correcta una vez que se ha seleccionado la apertura (para evitar que la imagen quede subexpuesta o sobreexpuesta), existe un enorme efecto secundario de la velocidad de obturación sobre cualquier movimiento de la cámara o de los objetos del encuadre.

Las velocidades de obturación rápidas (más de 1/125 de segundo con un objetivo normal) básicamente congelarán cualquier movimiento, mientras que las velocidades de obturación lentas producirán sacudidas, desenfoques y otros artefactos de movimiento. Aunque algunos de ellos pueden ser simplemente molestos, en manos de un fotógrafo experto los artefactos de movimiento cuentan una historia. Y del mismo modo, un fotograma congelado (a partir de una velocidad de obturación muy rápida) puede distorsionar la realidad en la otra dirección, dando al observador un punto de vista que el ojo humano nunca podría vislumbrar en la realidad.

La exposición de las estelas de las estrellas durante horas o la animación suspendida de una bala a punto de atravesar un globo son manipulaciones de la realidad, pero tienen lugar cuando se forma la imagen, no en el cuarto oscuro. La experiencia subjetiva de un balón de fútbol distorsionado por el impacto del pie del chutador, bloqueado en el tiempo por una velocidad de obturación de 1/2000 de segundo, es muy diferente a la misma toma del chutador a 1/15 de segundo en la que su pierna es un arco borroso sobre un fondo nítido de hierba. Dos historias completamente diferentes, sólo por la elección de la velocidad de obturación.

La cuarta mentira: Sensibilidad de la película/sensor (ISO)

Como si la nariz de Pinocho no hubiera crecido ya lo suficiente, tenemos otra distorsión de la realidad que toda imagen contiene como elemento básico: la sensibilidad de la película/sensor. Ya hemos hablado de la exposición como producto de la intensidad de la luz x el tiempo de exposición, queda un parámetro más.

Una exposición denominada "correcta" es aquella que tiene un equilibrio de valores tonales y (más o menos) representa los valores tonales de la escena que se fotografió. Esto significa esencialmente que los negros, las sombras, los tonos medios, las altas luces y los blancos son todos aparentes y distintos en la fotografía resultante, y los valores de contraste están más o menos en línea con los de la escena original.

La sensibilidad de la película (o del sensor digital) es fundamental en este sentido. Una película muy sensible permitirá obtener una imagen correcta con una exposición más baja (ya sea una apertura menor, una velocidad de obturación más rápida, o ambas), mientras que una película "lenta" (insensible) requerirá lo contrario.

Un corolario de la sensibilidad de la película es el grano (en la película) o el ruido (en los sensores digitales). Si desea un negativo de grano fino y gran nitidez, deberá utilizar una película lenta. Si necesitas una película rápida que pueda producir una imagen aceptable con poca luz y sin flash, por ejemplo para trabajos de fotoperiodismo o vigilancia, entonces deberás usar una película rápida y aceptar grano del tamaño del arroz en algún caso. La vida es una cuestión de compromiso.

Una vez más, el resultado final es subjetivo, y está totalmente bajo el control del fotógrafo experto, pero esto existe completamente fuera del cuarto oscuro (o Photoshop). Dos escenas idénticas tomadas con películas de ISO (o ajustes de sensor) muy dispares darán resultados muy diferentes. Un ISO lento producirá una imagen muy nítida y superrealista, mientras que un ISO muy rápido será granuloso, algo borroso y puede tender al surrealismo si se lleva al extremo. [Nota técnica: la parte aritmética de la clasificación ISO es la misma que la antigua escala de clasificación ASA, yo utilizo la nomenclatura actual.]

La fotografía no es una verdad objetiva

Toda fotografía es una ilusión. Utilizando un objetivo, un elemento fotosensible de algún tipo y una caja para restringir la imagen a sólo la luz que entra por el objetivo, una fotografía es una representación de lo que está ante el objetivo. Nada más.

Distorsionada y limitada por la elección del fotógrafo del punto de vista, el objetivo, la apertura, la velocidad de obturación, la película/sensor, etc.; la imagen resultante, si se ejecuta correctamente, refleja como mucho la visión interior de la mente/percepción del fotógrafo de la escena original.

Uno de los grandes retos de la fotografía es que, a primera vista, muchas fotos parecen una mera copia de la realidad y, por tanto, no contienen ningún valor artístico inherente. Nada más lejos de la realidad. Lo que ocurre es que ese arte se esconde a plena vista.

La raíz del problema es nuestra opinión colectiva, subjetiva e inexacta de que las fotografías son veraces y representan fielmente la realidad que había ante el objetivo. Asumimos ingenuamente que las fotos son de fiar, que nos muestran la única visión posible de la realidad. Es hora de madurar, de aceptar que la fotografía, como todas las demás formas de arte, es ante todo un producto del artista.

Ed Elliott es un fotógrafo residente en Nueva York. Visite su portafolio en línea aquí. Todas las fotos de este artículo son de Ed Elliott.

Este artículo se publicó originalmente aquí y republicado con permiso del autor.