La idea del arte a menudo evoca una imagen de trabajo solitario. Los clichés del artista solitario en su estudio, alternativamente golpeado por la inspiración o sumido en la melancolía, ocupan la historia del arte. Aunque este arquetipo puede adaptarse a procesos que requieren periodos de intensa concentración, como la escritura y la pintura, también es cierto que hay muchos tipos de trabajo creativo, como la música y la interpretación, en los que la colaboración está incorporada. En las artes visuales también es cierto que algunos intercambios pueden quedar sin acreditar; la conversación entre artista y comisario, o el ir y venir de escritor y editor. Trabajar en un colectivo de artistas, una estructura de trabajo en grupo que prevalece desde el siglo XX hasta el mundo del arte contemporáneo, es una forma de ampliar estos modelos de práctica, poniendo en primer plano el intercambio y la toma de decisiones compartida dentro del proceso creativo.
¿Qué es un colectivo de artistas?
Un colectivo de artistas suele ser un grupo de artistas que realizan obras o se organizan juntos. No existe un modelo único de colectivo de artistas: algunos colectivos de artistas adoptan un nombre compartido, mientras que otros destacan los nombres de sus miembros individuales. Los colectivos pueden reunirse para perseguir intereses artísticos compartidos, pero también suelen fundarse para abordar cuestiones sociales o compartir recursos, dentro de una infraestructura de bricolaje, para la continuación de la práctica artística. Los colectivos de artistas pueden formarse para crear trabajos basados en proyectos, en los que los artistas miembros también mantienen prácticas individuales fuera de su colectivo. En algunos colectivos, los miembros del grupo cambian con el tiempo; los miembros fundadores se van, mientras que otros se unen después de la creación del grupo. Algunos colectivos de artistas, incluidos ejemplos de alto perfil de la historia reciente, son también colaboraciones a largo plazo que llegan a ser primordiales en el perfil y el legado de cada artista.
La práctica colectiva conlleva ventajas, pero también sus propios retos. Trabajar con otras personas suele significar más trabajo administrativo, junto con la posibilidad de desacuerdos, diferencias en el estilo de comunicación y choques de ego. Entonces, ¿por qué cambiar la libertad de tomar decisiones individuales por dinámicas de grupo e hilos de correo electrónico? Los siguientes ejemplos de colectivos de artistas responden a esta pregunta.
Por qué unirse a un colectivo de artistas:
Por dinero, fama y glamour – Idea general
De perfil legendario y amplia influencia, General Idea fue un colectivo que funcionó entre 1969 y 1994, formado por los artistas Felix Partz, Jorge Jontal y AA Bronson. Conocido por su característico humor irónico y su visión paródica de los medios de comunicación de masas, la obra de General Idea incluye performances, vídeos, instalaciones y arte postal. Surgidos del movimiento contracultural de la década de 1960, estos temas influyeron en gran medida en los primeros trabajos de General Idea, y más tarde se asociaron con el arte activista realizado en respuesta a la crisis del SIDA durante las décadas de 1980 y 1990. Dos de los miembros de General Idea, Felix Partz y Jorge Jontal, murieron de enfermedades relacionadas con el SIDA en 1994. Una de sus obras más emblemáticas, Imagevirus (1989-91), incluso anticipó el fenómeno de la "imagen viral". El bloque cuadrado repetido de Imagevirus se inspiró en la obra de Robert Indiana Amor (1967), sustituyendo las letras "LOVE" por "AIDS" y se difundió como una toma visual del espacio público. Imagevirus ocupó muchos espacios fuera de la galería, a menudo empapelando (literalmente) las superficies, y se reprodujo notablemente en el tablero de imágenes Spectacolor de Times Square. (Fuente: Galería Nacional de Canadá.)
El grupo, que nunca ha minimizado sus propias ambiciones, describió en una ocasión sus motivaciones para formar un colectivo, declarando: "Queríamos ser ricos, queríamos ser famosos, queríamos ser glamurosos, queríamos ser artistas. Y sabíamos que si éramos famosos, si éramos glamurosos, podríamos decir: "somos artistas", y seríamos." (fuente: CBC.) General Idea sigue siendo un modelo para los artistas que trabajan en colectivos, demostrando que la experiencia vivida, la ambición y el empuje pueden ser una gran fuerza unificadora.
Exigir responsabilidades - Guerilla Girls
El colectivo de artistas The Guerilla Girls, autodenominado "La conciencia del mundo del arte", es conocido por subvertir el espacio público publicitario en su trabajo y activismo. Fundadas en 1985, las Guerilla Girls son un colectivo anónimo de artistas feministas, identificadas por su icónica forma de vestir, que siempre incluye una máscara de gorila que oculta el rostro, y famosas por perturbar los espacios de los museos. Su práctica continua aborda la desigualdad de género en el mundo del arte a través de una lente interseccional (fuente: Sitio web de Guerilla Girls.)
Comprometiendo al público y a las instituciones mediante la provocación, una de sus obras más conocidas es una imagen de pancarta que pregunta: "¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar en el Met. Museum'? Apropiándose de la imagen de una mujer desnuda del cuadro neoclásico de Ingres La Grande Odalisque (1814), el grupo sustituyó la cabeza de la modelo por la máscara de gorila característica de las Guerilla's Girls, que mira amenazadoramente al espectador. Junto a la figura, el cartel enumera las estadísticas recopiladas por las Guerilla Girls sobre el número de mujeres artistas representadas en la colección del Museo Metropolitano de Arte, contrastando estas cifras con el porcentaje de obras expuestas que representan cuerpos femeninos. Diseñada originalmente para una valla publicitaria, esta pancarta se hizo famosa como anuncio en los autobuses de Nueva York. Aunque el proyecto de la pancarta apareció por primera vez en 1989, también se ha reeditado en 2005 y 2012, cada vez con un nuevo recuento de sus estadísticas. La longevidad de las Guerrilla Girls demuestra que un fuerte sentido de la justicia social puede unir a mentes afines en la acción, como un colectivo en pos de una causa.
Reunirse en medio del aislamiento - Colectivo Array
Fuera de estos grupos históricos, los colectivos de artistas siguen circulando en el arte contemporáneo y movilizándose en torno a preocupaciones sociales a escala internacional. En particular, en 2015 el colectivo de artistas BGL representó a Canadá en la Bienal de Venecia. Como forma de subrayar la urgencia del trabajo colaborativo que defendía el cambio sistémico durante un periodo de agitación en los cierres pandémicos de 2021, el jurado del Premio Turner optó por nominar a todos los colectivos de artistas de la lista de finalistas del premio. En el comunicado de prensa del anuncio de la lista de finalistas de 2021, el premio Turner señaló que los nominados "...reflejaban la solidaridad y la comunidad en respuesta a la pandemia". (fuente: Tate Britain). De los 5 colectivos nominados al premio, el formado por 11 personas Colectivo Array se llevó el premio de 25.000 £.
Instalación ganadora del Colectivo Array, El baile de Druthaib (2021), se hizo eco de la naturaleza social de su práctica y se centró en el acto de reunirse. La instalación recreaba una síbín, también conocido como bar ilícito, que estaba amueblado con objetos efímeros que hacían referencia al activismo del grupo. Con base en Irlanda del Norte, el activismo de Array responde al contexto político de la división sectaria irlandesa, donde las divisiones históricas entre católicos y protestantes conducen a la segregación basada en diferencias religiosas. En particular, esta división estuvo en el centro de Los Conflictos en Irlanda del Norte durante la segunda mitad del siglo XX, y las tensiones persisten. Las obras pasadas y presentes del Colectivo Array citan mitologías precristianas para apelar a un sistema de creencias compartido en su región, y el grupo también se manifiesta abiertamente sobre el acceso al aborto y los derechos de las personas queer. Abordar estas desavenencias, El Baile del Druhaib está impregnado de una sensación de calidez y bienvenida. Cuando se le preguntó por la elección de recrear un bar como proyecto, uno de los miembros de Array bromeó: "[¿]dónde preferirías estar, en una galería de arte o en un pub?". (fuente: El Guardián.) Las lecciones de la pandemia también son útiles para los artistas de forma práctica, ya que podemos reflexionar sobre el modo en que la cultura en general aborda el trabajo y la creación de comunidades. Existen oportunidades para que los colectivos ocupen el espacio digital y se reúnan utilizando plataformas remotas.
Pensar con cuatro cerebros y ocho manos - Colectivo Mataaho
Más allá del éxito de Array Collective con el premio Turner, el trabajo colectivo ha seguido recibiendo atención y reconocimiento internacionales. El verano pasado, Mataaho Collective, de Aotearoa (Nueva Zelanda), ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia 2024. Formado por 4 miembros del grupo de ascendencia maorí, (Erena Arapere-Baker, Sarah Hudson, Bridget Reweti y la Dra. Terri Te Tau), este colectivo describe su forma de trabajar como procedente de una "autoría única", con una 'enfoque de cuatro cerebros y ocho manos.'
La obra del colectivo adopta a menudo la forma de textiles a gran escala. Su obra se expuso en Venecia, Takapaufue una instalación tejida presentada inicialmente en Te Papa Tongarewa (El Museo de Nueva Zelanda), donde los miembros de Mataaho pudieron acceder y estudiar tejidos realizados por fabricantes con ascendencia maorí compartida. Los motivos tejidos Takapau se hizo eco de las estructuras y diseños de estas referencias seleccionadas, que el grupo tuvo que deconstruir mentalmente y prototipar antes de crear la obra final a gran escala. El compromiso del Colectivo Mataaho con los tejidos tradicionales también saca a relucir las enseñanzas generacionales inherentes a las prácticas artesanales y los discursos contemporáneos en torno a la recuperación del conocimiento indígena. Aunque el grupo se comprometió con el tejido tradicional en las primeras fases, la obra final jugó con las convenciones al tejerse con correas de camión fluorescentes, haciendo un guiño a la historia de clase trabajadora del grupo (fuente: el Guardian.) Mataaho Collective amplía el marco de la colaboración para incluir abiertamente a generaciones pasadas de creadores, demostrando que continuar las tradiciones y compartir habilidades puede ser tanto un concepto como un propósito.
Para compartir habilidades, diálogo y apoyo entre iguales
Como en el caso del Colectivo Mataaho, aparte de un medio para perseguir intereses compartidos y trabajar creativamente como grupo, los colectivos presentan el beneficio práctico de compartir habilidades y recursos, y de crear oportunidades para los miembros del grupo. El Colectivo Array mantiene un estudio compartido en el que algunos de sus miembros disponen de un espacio de estudio en Belfast, y General Idea también desempeñó un papel decisivo en la creación de infraestructuras dentro de la comunidad artística de Toronto. Arte Metropoleun espacio gestionado por artistas fundado por General Idea, sigue apoyando el trabajo de otros artistas, al tiempo que preserva el legado del colectivo.
Para los artistas que pueden ser nuevos en esto de trabajar en colectivos, existe la ventaja añadida de compartir el trabajo administrativo entre los miembros del grupo basándose en los puntos fuertes, pero también de unir fuerzas para reflejarse mutuamente la importancia de seguir adelante con tu trabajo. Es mucho más fácil redactar la propuesta de subvención cuando puedes hacer una lluvia de ideas con los demás, y trabajar con amigos también puede ayudar a responder a la temida pregunta "¿por qué estoy haciendo esto?". Aunque trabajar en un colectivo artístico requiere más comunicación y compromiso, los miembros del colectivo suelen ver recompensados sus esfuerzos con el intercambio de habilidades, el apoyo de los compañeros y, ocasionalmente, la alegría de pasar el rato.
