Abraham se sentó con Format durante la producción de una instalación encargada por la Bienal de Arte de Toronto y presentada conjuntamente con la Galería TPW. La inauguración tendrá lugar el sábado 21 de septiembre de 2024. Consulta el sitio web de la Bienal de Toronto para obtener más información.
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El arte es una vocación
Me llamo Abraham Onoriode Oghobase. El nombre Onoriode procede de la tribu de los Urhobos, de los estados del Delta en Nigeria. Este nombre significa "quién sabe mañana". Nací en Nigeria en 1979, en una época de auge del petróleo. Así que nací en esa época en la que había tanto, tanto dinero en Nigeria. Pero, al mismo tiempo, también nos enfrentábamos al régimen militar. El régimen estuvo entrando y saliendo durante los años 80 y 90, antes de que nos convirtiéramos en una democracia cuando tuvimos un presidente de nuestro estado elegido democráticamente.
Crecí en un entorno en el que no había mucha exposición al arte. En realidad se trataba de ser correcto, de ir a la escuela. Todos debíamos estudiar ingeniería o contabilidad. No había muchos museos ni instituciones artísticas que los niños pudieran visitar. Creo que nos conformábamos con jugar en la iglesia. Pero a medida que fui creciendo, me di cuenta de que me encantaba la música, me encantaban las artes. Naturalmente, no me inclinaba a ser artista dado el entorno en el que crecí. La razón por la que digo esto es porque creo firmemente que el arte es una llamada. Te llama. No basta con saber dibujar o saber pintar o saber cantar. Creo que es mucho más. Hay algo sobrenatural que lo impulsa.
Abstracciones, Identidad y Postcolonialismo
Mi práctica gira en torno al poscolonialismo. Exploro la identidad y la representación.
Utilizo las abstracciones como forma de comprometerme. Me interesan mucho el lenguaje y la filosofía de la estética. ¿Qué significa eso? Cuando aprendía, me apropiaba de ciertos lenguajes dentro de las estructuras de los libros. Eso me llevó a mi interés por la producción de conocimiento. En su raíz, este interés por la producción es para mí el resultado de ser consciente de los prejuicios raciales que me rodean. Crecí viviendo en Nigeria, pero a medida que fui creciendo, empecé a viajar. Y por primera vez, pude notar la diferencia: mi negritud era algo. En cuanto salí de mi comunidad, se convirtió en algo. Cuando llegué a Europa y a Norteamérica me sentí muy confusa. Me di cuenta de que [la división racial] es muy profunda. Y, aunque soy negra, vengo de una cultura diferente en la que mi negritud no era una diferencia tan grande. También procedía de una historia de producción diferente.
Y creo que fue realmente así como comenzó el cambio en mi trabajo. Porque mi práctica solía basarse predominantemente en la estética del formato documental. Cuando empecé a viajar a Europa, alrededor de 2006, fue cuando comenzó esta toma de conciencia. Me hizo cuestionarme muchas cosas; mi trabajo, mi práctica. Y entonces la fotografía se volvió realmente aburrida en algún momento, simplemente pensé que la fotografía no era suficiente. Era demasiado bidimensional, demasiado plana, para captar todas las capas de información y emociones e identidades que estaba experimentando. No bastaba con captar una representación.
Compartir experiencias personales mediante imágenes en capas
Me cautiva mucho la música, concretamente la música ambiental. Uno de mis álbumes favoritos es "Música para aeropuertos"de Brian Eno. Durante mi primer viaje a Europa en 2006, un conservador me puso ese disco y me dio el CD. Recuerdo que la primera vez que lo oí, lloré. Era increíble que algo pudiera conmover tanto a alguien que sintieras algo. Y no era fuerte. Era tierno, pero también duro a su manera. Así que, a medida que profundizaba en ese tipo de música, empecé a descubrir que le gustaba a la gente, Philip Glass y los demás, Steve Reich.
A través de esta exploración me interesé más por las ideas de la nada y la quietud y por despojarme de las nociones previas de lo que la fotografía es para mí, pensando en el propio medio y en cómo éste podría ser elástico. Al principio, la performance me proporcionó una forma de jugar con las composiciones y la estructura de mi obra. Más tarde, busqué otras formas de desarrollar estas ideas y entonces me di cuenta de que podía utilizar la repetición y el collage para dar profundidad a mis ideas. Creo que la razón por la que mi trabajo cambió tanto fue porque estaba muy conectada con la música ambiental y la sensación que me producía. Quería empezar a hacer obras que tuvieran esa sensación.
Ahora pienso en mi trabajo sónicamente, como si fuera un compositor. Intento establecer conexiones entre lo que veo y lo que me hace sentir. Este tipo de imágenes en capas me permite explorar grandes temas, como la violencia sobre la tierra de la minería, por ejemplo, pero, esto podría expresarse a través de una fotografía de un paisaje que se repite, imágenes distorsionadas de pájaros y tierra una encima de otra. Me interesa más el peso de la emoción que puede suscitar este juego de imágenes. No quiero quedarme atrapado en esta idea de literalidad. No quiero reducir la obra porque es mucho más que una representación de la historia colonial o una documentación de temas como la extracción, la explotación, el cuerpo o la tierra.
Intento crear algo con matices y capas que sea muy interno. Sólo puedo hablar de mi experiencia, ¿verdad? No puedo hablar de las experiencias de toda la gente. Así que es como: ¿qué significan para mí estos temas, qué significa para mí el estado de nuestro mundo? Yo atravieso el mundo desde una lente particular. Atravesar la inmigración es diferente para mí que para otras personas. Son esas pequeñas experiencias cotidianas las que añaden capas a nuestra experiencia. Son estructuras que se ponen en marcha para humanizar a cierto tipo de personas y no a otras. Punto y aparte.
Este sentimiento influye en la forma en que intento crear las cosas que creo, tanto si son experiencias personales como si tienen que ver con temas tan amplios como el nacionalismo. Pero siempre se trata de lo interno. Hay algo hermoso en ello. Creo que ésta es también nuestra fuerza como seres humanos, ¿verdad? Ya sabes, venimos de lugares diferentes, de razas diferentes, de orígenes diferentes, de historias diferentes. Pero hay similitudes en nuestras experiencias internas profundas, que son muy parecidas: nos guste o no, todos estamos conectados, y es simplemente asombroso.
Fuentes de inspiración: Mentores, libros y esquemas
Los esquemas también han sido un recurso que he utilizado para hablar de distintas frecuencias en mi trabajo. Recuerdo que trabajaba con un famoso fotógrafo nigeriano afincado en Berlín, Akinbode Akinbiyi. Es un anciano papá, ya sabes, así que ha sido mentor de muchos de nosotros a lo largo de los años. Me regaló dos libros porque le dije que quería empezar a trabajar sobre el tema de la minería en Nigeria.
Uno de los libros era de Jane Mercy, de Johannesburgo, que hace una especie de dibujos collage que incorporan fotografías y pinturas. El otro libro que me dio se titulaba "En las minas" de David Goldblatt. Las fotografías de este libro eran composiciones muy frontales. La franqueza se sentía muy pura y me parecieron muy inspiradoras.
Siempre que visitaba a Akinbiyi me llevaba a sus librerías favoritas de Berlín, allí lo conocen. Fue en uno de estos viajes cuando me mostró este libro de dos volúmenes titulado "Práctica metalúrgica Rand." Este libro se publicó en 1912. Empecé a pensar en este enorme libro de dos volúmenes que es básicamente un diagrama metodológico que se utilizaba para la extracción de minas, tanto en Johannesburgo, en Sudáfrica, como en otros campos similares, es decir, los campos que estaban colonizando, incluidos Nigeria, el Congo y otros lugares, como Ghana. Y fue fascinante. Nunca supe el alcance de esta historia. Tampoco sabía que existieran este tipo de libros. Era muy matemático, de ingeniería, de física, pero estéticamente también era hermoso. Así que, basándome en esa estética, pensé: "Esto es interesante". Pero no sabía qué hacer con él ni cómo enfocarlo. Tuve ese libro durante cuatro años antes de hacer el trabajo sobre las minas. Creo que el momento en que empecé a trabajar en las minas fue cuando empecé a fotografiar esos paisajes.
En cuanto empecé a hacerlo, se me metió en la cabeza, empecé a establecer la conexión de que los esquemas podían empezar a ir incluso por los paisajes. Y entonces simplemente tuvo sentido para mí, todos los esquemas también podrían convertirse en una animación de algún tipo. Entonces empecé a ver el esquema de nuevo como jeroglíficos, como lenguaje. Me dije: "Vale, ahora empiezo a encontrar cierta claridad con esto".
Para mí, esos esquemas son un lenguaje, o también como una especie de partitura. Así que los utilizo y los introduzco en mis imágenes de distintas maneras. A veces incluso los utilizo (como para la exposición de la Galería Hunt), como vinilos de pared para que también puedan verse solos. Hay un montón de posibilidades que surgen cuando empiezas a ver cómo puedes realmente mover las cosas y casi muestrear información e imágenes como si fueras un DJ. Es una estrategia similar a la de la música como el hip hop: tomar todas estas capas de distintos lugares para crear un nuevo todo. Y es fascinante porque lo que hace es crear profundidad, pero también surge un cierto tipo de abstracción. Todas las capas de la obra crean también su propio significado en la obra. Ya no pueden verse de forma aislada: crean una experiencia facetada con profundidad.
Capturar la magia
Tuve una experiencia cuando fotografiaba minas que nunca podré olvidar. Llevaba horas fotografiando en el punto álgido de la luz solar y me quedé hasta que el sol se puso sobre las 6:30. Subí a una colina y desde lejos se veía el pequeño autobús que cruzaba una colina. Era la misma colina en la que yo estaba. Fue un momento en el que las cosas se sintieron muy conectadas: la luz, la repetición del paisaje y esos postes eléctricos y cosas que solían alimentar las minas.
Acabé fotografiando la escena desde distintos ángulos. Fotografié estar en aquella colina, fotografié a la gente que conocí aquel día. Ni siquiera lo sabía, pero sólo vi ese autobús, en esta inmensa tierra masiva, tierra tranquila. Y entonces ves el polvo, fue un momento tan hermoso. Es uno de esos momentos de la fotografía en los que es como mágico. Sabía que estaba fotografiando algo realmente especial. Simplemente lo supe. No digo esto muy a menudo, pero es realmente una de mis imágenes favoritas. Y no se trata de decir si alguien la colecciona o no. Eso es realmente lo que es para mí personalmente. En realidad, fue un regalo. Ese momento fue un regalo por el que siempre me siento muy agradecido. Siempre estoy agradecido a Dios por bendecirme con ese momento, por esa magia que ocurrió.
Estar abierto; la capacidad de reimaginar
Ser artista es una lucha. No es fácil. Porque estás buscando algo. Estás buscando tu verdadero yo. El resultado de esto es casi como un documento del tiempo, lo que creamos. Pero estamos en este negocio de realización que también es muy profundo. Es un viaje. Y es algo que siempre quiero que la gente entienda: la creación artística no es una talla única. El viaje de cada persona es completamente diferente.
Creo que también es importante que todos estemos abiertos a otras prácticas, abiertos a otras personas, abiertos al amor. Cuando pensamos en los sistemas de poder, es importante reimaginar o recontextualizar. Son palabras que prefiero a "desmantelar". Desmantelar es casi destruir algo. No lo destruyes, sino que lo desbaratas. Es como un terremoto. Lo sientes, puedes sentirlo. Tienes miedo. De repente eres consciente. Es como, Dios mío, ya sabes, podría perder la vida o algo así. No quiero crear miedo en lo que creo. Intento encontrar formas diferentes de reimaginar estas estructuras de poder, las estructuras de representación, porque ahí es donde realmente está la agencia última.
Acceso y compromiso con las instituciones artísticas
Cuando se expone en instituciones, creo que es importante dialogar. Es importante estar abierto, aprender de esas instituciones, ¿no? Comprometerse mucho con esas instituciones y, en cierto modo, cuestionar con gracia los sistemas, estéticamente en tu trabajo. Pero el acceso es muy importante a la hora de tratar con esas instituciones. Cuando obtienes acceso, creo que es importante darse cuenta de que eso ya es un paso importante hacia un discurso crítico. Es algo que valoro. Creo que a veces tenemos que llegar con un sentido de la gracia y no con un sentido del derecho. Tenemos que venir con un sentido de empatía para poder abordar esos objetos o abordar los archivos de forma que no vilipendien, sino que aborden un discurso global que tenga que ver con el racismo o el racismo sistémico o el racismo institucional.
El acceso, como he dicho, es muy importante. Y conseguir este acceso, cuando lo consigues, crea un camino para la próxima generación. Crea un camino para ellos. Y debemos comprender que también tiene mucho que ver con la pedagogía, y con estar abiertos para poder enseñar a los que vengan después. Creo que es importante ser humilde.
Educación y Comunidad
Hace dos años terminé mi maestría en la Universidad de York. Aquellos días fueron muy raros porque, en cuanto entré en el programa, llegó COVID. Así que hice el máster durante el COVID y me gradué. Fue terrible, pero hicimos que funcionara y también hice buenos amigos. Incluso con todas las restricciones, era una gran comunidad.
Me encanta Toronto. Me encanta la comunidad artística. El ambiente artístico es realmente un lugar pequeño. Así que es muy fácil que la gente se conozca. Pero me encanta estar aquí. Es tranquilo. Puedo centrarme en mi trabajo. Puedo viajar, volver. Es una gran base de operaciones. Ahora mismo estoy trabajando en un encargo para la Bienal de Toronto y co-presentado con la Galería TPW. En eso estoy muy ocupada ahora mismo. Estoy ultimando la producción de mi instalación de obras impresas, dibujos y objetos titulada Onoriode (¿Quién sabe mañana?)-y se inaugurará el 21 de septiembre de 2024.
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