Seit ich vor zwei Jahren zum ersten Mal in Madrid gelandet bin, habe ich eine Vorliebe für diese Stadt. Es ist wirklich eine atemberaubende Stadt, voller Energie, Kultur, Kunst, gutem Essen und natürlich Wein. Madrid war mein Einstieg in Spanien, wo ich jetzt lebe. Ich hatte keine Pläne, in diesem Land zu leben, als ich im Mai 2017 für einen Künstleraufenthalt ankam, aber ich hatte sofort ein unheimliches Gefühl der Zugehörigkeit, als ich ankam. Ich verliebte mich in das Leben hier und fand mich bald dabei wieder, große Veränderungen vorzunehmen, damit ich für immer nach Granada, Spanien, ziehen konnte. PHotoEspaña brachte mich zurück nach Madrid und es war ein Vergnügen, den Ort wiederzusehen, an dem mein Leben in Spanien begann. Madrid fühlte sich sowohl neu als auch vertraut an, denn auf dem Festival mischten sich Erinnerungen mit neuen Erfahrungen. Während des gesamten Festivals tauchten die Themen Dejá vú, das Unheimliche, die Dualität und die Wiederholung immer wieder auf.
Das bemerkenswerteste Beispiel dafür ist Susan BrightDas kuratorische Projekt Dejá Vú besteht aus fünf Ausstellungen an drei verschiedenen Orten: Der diskrete Kanal mit Lärm von Clare Strand, Spielplatz von Elina Brotherus, Das andere Kapitel von Délio Jassealle untergebracht in der Fernán Gómez Cultural de la VillaFotografie und Luft von Patrick Pound Ausstellung im Museo Lazaro Galdiano; und Double Take von Sharon Kern und Laura Letinsky, die sich in der Museo de Romanticismo.
Dejá Vú, kuratiert von Susan Bright
Ich habe die drei Ausstellungen in der Fernán Gómez Cultural de la Villa besucht. Die Ausstellungen von Brotherus, Strand und Jasse wirkten in diesem Raum wunderbar zusammen.
Als wir die Treppe hinuntergingen, betraten wir Elina Brotherus' Ausstellung Playground. Die großformatigen Fotografien, die auf farbenfrohen Wänden präsentiert wurden, vermittelten uns sofort ein Gefühl der Belustigung.
Playground zeigt Fotos und Videos, die von den "Event Scores" der Fluxus-Bewegung inspiriert sind. Die Fluxus-Bewegung war eine lose organisierte Gruppe von Künstlern auf der ganzen Welt, die sich zum Ziel gesetzt hatte, die Grenze zwischen Leben und Kunst zu zerstören. Ähnlich wie der Dadaismus setzten sie oft Humor ein, um dem künstlerischen Elitismus, der von den Museen aufrechterhalten wird, die Macht zu nehmen. Sie glauben, dass man keine Kunstausbildung braucht, um sie zu schaffen oder zu schätzen. In der Fluxus-Tradition sind Event Scores kurze schriftliche Anweisungen, die jeder befolgen kann, um einen künstlerischen Akt zu schaffen.
Anhand verschiedener Event Scores von verschiedenen Fluxus-Künstlern hat Brotherus Bilder und Videos erstellt, in denen diese Anweisungen befolgt werden. In ihrem Stück Flux Harpsichord Concert siehst du zum Beispiel ein Bild von einem Wiener Hund auf einem Klavier, während Brotherus dem Event Score von George Makiunas folgt: 12 compositions for piano - for Nam June Paik, Composition no.5: Place a dog or a cat (or both) inside a piano and play Chopin, 1962. Brotherus' Neuinterpretation dieser Kunstrichtung aus den 1960er Jahren ist zeitgemäß und verbindet vertraute Konzepte mit dem heutigen Zeitgeist. Ich war schon immer ein Fan der Fluxus-Bewegung und ihrer Verwendung von Absurdität, um große Fragen darüber aufzuwerfen, was Kunst ist, was Kunst sein kann und wer ein Künstler sein kann. Playground setzt diese Tradition fort, indem es Autorenschaft und Wiederholung durch eine Vielzahl von humorvollen, schönen, absurden und berührenden Bildern in Frage stellt.
Die Ausstellung The Other Chapter von Délio Jasse beginnt mit einer Schachtel mit Dias, die er auf einem Flohmarkt in Lissabon gefunden hat. Er vergrößerte und veränderte die Bilder und verschleierte ihre Identität, indem er Informationen aus offiziellen Dokumenten einblendete. Die Ausstellung folgt der Reise zweier portugiesischer Familien, die im kolonialen Afrika in Mosambik und Angola lebten. Er zeigt das häusliche Leben dieser Familien und wie sie scheinbar ihr Leben in Europa nachbilden und die afrikanische Kultur aus ihrem Alltag in den kolonialisierten afrikanischen Ländern auslöschen. Das andere Kapitel befasst sich mit persönlichen Erfahrungen, Erinnerungen und Identität in einem größeren politischen Diskurs.
Clare Strands The Discrete Channel with Noise beschäftigt sich mit der Kommunikation, insbesondere damit, was passiert, wenn wir Botschaften, die wir erhalten, falsch interpretieren oder uminterpretieren. In einer Ausstellung mit Fotografie, Malerei, Projektionen, Grafiken und Objekten veranschaulicht sie auf wunderbare Weise den Akt der Kommunikation mit all seinen Fehlern.
Dieses Projekt wurde mit Hilfe ihres Mannes Gordon MacDonald durchgeführt, während Strand bei einem Künstleraufenthalt war, obwohl sie räumlich getrennt waren. Es wurden Fotos ausgewählt, auf die jeweils ein Raster gezeichnet wurde. Den grauen Quadraten innerhalb des Rasters wurde dann eine Nummer von eins bis neun zugewiesen (eins ist weiß, neun ist schwarz und die Zahlen dazwischen sind die entsprechenden Grautöne). Strand stellte das Raster dann auf der Leinwand nach. Ihr Mann las Strand die Zahlen per Telefon vor, während sie die Quadrate auf der Leinwand mit dem Grauton ausfüllte, den die Zahl vorgab.
Durch die Graustufensprache, die durch Zahlen und Quadrate übersetzt und per Telefon kommuniziert wird, wurde dann eine Reproduktion des Fotos mit grauer Farbe auf der Leinwand erstellt. Es ist eine poetische Veranschaulichung des Unterschieds zwischen den beiden Realitäten dessen, was wir zu kommunizieren versuchen, und dem, was tatsächlich kommuniziert wird. Es gibt immer einen Bruch, eine Formveränderung, wenn eine Idee den Geist einer Person verlässt und in den einer anderen eintritt. Die Spaltung oder Verdoppelung ist unvermeidlich.
Als jemand, der Spanisch gelernt hat, nachdem er nach Spanien gezogen ist, habe ich einen ganz persönlichen Bezug zu dieser Sendung. Wir schaffen mit den besten Absichten Sprachsysteme und versuchen, uns auf so viele verschiedene Arten zu verständigen. Ob mit Worten, Gesten, Zeichnungen oder Google Translate - was gesagt wird, ist nie genau dasselbe wie das, was gehört wird. Strand bringt diese Wahrheit auf den Punkt: den unbestreitbaren Unterschied zwischen der gesendeten Botschaft (dem Originalfoto) und der empfangenen Botschaft (dem Gemälde). Es gibt immer Fehler, Misserfolge und Frustrationen, aber es hat etwas Mutiges und Schönes, wenn wir unser Bestes geben, um miteinander in Kontakt zu treten und unsere Erfahrungen zu teilen.
Casa de America, Joel Meyerowitz, Out of Darkness und Diana Markosian, Over the Rainbow
Als wir durch den hübschen Garteneingang der Casa de America gingen und die erste Treppe hinaufstiegen, gelangten wir zu Joel Meyerowitz' Ausstellung in zwei Räumen. Out of Darkness ist ein bewegender Einblick in den Süden Spaniens in den letzten Jahren der Franco-Diktatur. Die Bilder wurden in den späten 1960er Jahren in Málaga aufgenommen - etwa 1,5 Stunden von meinem jetzigen Wohnort Granada entfernt. Da Spanien bis zum Tod Francos im Jahr 1975 unter einer Diktatur stand, ist diese Geschichte für die Menschen, die hier leben, immer noch sehr präsent. Meyerowitz' Fotos zeigen den Wandel, der in den 1960er Jahren in Spanien stattfand. Obwohl das Land noch unter der Herrschaft Francos stand, öffneten sich die Grenzen und der Zustrom von Touristen aus Nordeuropa und Nordamerika ermöglichte es Spanien, seinen kulturellen Horizont zu erweitern.
Die Vertrautheit der Landschaft und der Menschen in Andalusien war für mich fast unheimlich. Fünfzig Jahre später konnte ich die Menschen und Orte dort, wo ich jetzt im Jahr 2019 lebe, leicht wiedererkennen. Die politischen Veränderungen, die in dieser Region in dieser Zeit stattgefunden haben, könnten nicht größer sein, aber das Wesen des Lebens hier ist dasselbe geblieben. Diese Fotos, die von Generationen des Bürgerkriegs und der Diktatur geprägt sind, zeugen von dem Licht, das selbst durch die dunkelste Geschichte hindurch leuchtet - sowohl durch die Qualität des Lichts auf den Fotos als auch durch das Licht, das von den Personen ausgeht.
Eine weitere Treppe hinauf, fanden wir Diana Markosiandie Show Over the Rainbow. Over the Rainbow dokumentiert auf wunderbare Weise Quinceañeras in Kuba. Mit diesen prunkvollen Partys wird gefeiert, dass Mädchen an ihrem 15. Geburtstag zu Frauen werden. Selbst im kommunistischen Kuba ist die Zurschaustellung von Reichtum auf diesen Partys unglaublich wichtig. Es werden Fotografen angeheuert und aufwendige Fotoshootings organisiert, um diesen besonderen Tag für den Rest des Lebens der Mädchen zu dokumentieren. Diese Bilder bieten den Mädchen einen Einblick in eine realisierte Fantasie, einen zweiten Blick, der ihr Innenleben und ihre Träume ans Licht bringt. Für einen Tag dürfen diese Mädchen eine andere Version von sich selbst sein, eine Vision von Reichtum und Überweiblichkeit. Markosians Fotos fangen eine wilde Schönheit ein, die von Festlichkeit und Gemeinschaft umgeben ist und vor Licht und Farbe nur so strotzt. Markosian hat dieses Projekt im Rahmen des Elliot Erwitt Havana 7 Fellowship realisiert, einem Stipendium für Fotografen, die ein einzigartiges Werk schaffen, das die Seele Kubas einfängt.
Fundacion MAPFRE, Berenice Abbott, Portraits of Modernity
Nach der Begrüßung durch die Kuratorin Estrella de Diego betraten wir das MAPFRE Center und stiegen in die oberste Etage auf, um die Berenice AbbottDie Ausstellung Portraits of Modernity. Sie beginnt mit einem verzerrten und surrealen Selbstporträt aus dem Jahr 1930 - das einzige Bild in der Ausstellung, das deutlich zeigt, dass sie von Man Ray gelernt hat. Abbott arbeitete als Assistentin von Man Ray und lernte viel von dem Avantgarde-Künstler und führenden Vertreter der surrealistischen Bewegung. Während sie die tadellosen Drucktechniken, die sie von ihrem Mentor gelernt hat, beibehält, zeigt der Rest der Ausstellung, dass sie sich von den surrealistischen Tendenzen abwendet und einen eher dokumentarischen Stil in ihrer Arbeit verfolgt. Sie fängt die queere Szene im New York und Paris der 1920er und 1930er Jahre mit Porträts von Ikonen wie Janet Flanner. Ihre Motive sind meist Mitglieder der New Women, einer Gruppe unabhängiger Frauen, die einen radikalen Wandel in der Geschlechterpolitik anstrebten - auch Abbott war Mitglied. Die Porträts zeigen die Stärke und den Charakter dieser Frauen, oft in traditionell männlicher Kleidung und Pose.
Im Anschluss an die Porträtserie folgt eine Sammlung ihrer Arbeiten, in denen sie Architektur in New York fotografiert hat. Sie hat die Aufregung der Moderne mit den ikonischen Brücken und Wolkenkratzern eingefangen, als diese neu waren oder gerade gebaut wurden. Abbott erweckt die für New York City so charakteristische Großartigkeit und Anmut zum Leben, oft aus dramatischen Perspektiven, die zu fotografieren sicherlich gefährlich gewesen wäre. Diesen fast schon feierlichen Bildern stehen Fotos gegenüber, die die andere Realität von New York dokumentieren - die der Obdachlosigkeit und der Menschen, die durch das schnelle kapitalistische Wachstum der Stadt vertrieben wurden. Sie schreckt nicht davor zurück, die Wahrheit der Stadt zu zeigen: Höhen und Tiefen, Reichtum und Armut. Diese Dualität New Yorks ist heute sichtbarer denn je, denn hier trifft die bittere Armut auf die höchsten Gipfel des Reichtums. Wenn man sich die Arbeit dieser brillanten Frau ansieht, erkennt man, dass sie ihrer Zeit voraus war, als sie die widersprüchlichen Wahrheiten von New York (und Nordamerika) erkannte, und dass sich nur wenig geändert hat.
Círculo de Bella Artes de Madrid, Donna Ferrato, Holy (Gewinnerin des PhotoEspana 2019 Auszeichnung)
Der Círculo de Bella Artes hat eine wunderschöne, gewundene Treppe, sobald du das Gebäude betrittst. Am Ende dieser Treppe trafen wir auf die berührendste Show des Festivals, Donna Ferrato's Holy. Sie hat in den letzten 40 Jahren Frauen dokumentiert, die von Männern unterdrückt wurden, von Überlebenden häuslicher Gewalt bis zu Frauen, die in New York und Madrid für ihre Freiheit demonstrieren. Ferratos Arbeit trieb mir die Tränen in die Augen und machte mir klar, dass wir uns zusammenschließen und jetzt handeln müssen. Seit Jahrzehnten fängt sie die Stärke und das Durchhaltevermögen von Frauen unter den schlimmsten Umständen ein, und es ist offensichtlich, dass sie wütend darüber ist, dass sich in den letzten Jahren nichts geändert hat. In einer Diskussion über die Sendung war sie voller Zorn und forderte Maßnahmen. Sie ärgerte sich darüber, wie defensiv Männer häufig auf ihre Bilder reagieren und dass weiße Frauen im Kampf gegen das Patriarchat oft untätig sind, weil sie nicht die schlimmste Unterdrückung erfahren.
Was sie damit sagen will, steht außer Frage: Wir sehen es jeden Tag in unserer Gesellschaft, und wir sehen immer und immer wieder dasselbe. Ferrato ist frustriert über diese Wiederholung und darüber, dass ihre Bilder von vor 40 Jahren so ähnlich aussehen wie die von heute. Der Missbrauch geht weiter, und die Gespräche mit ihren Probanden von heute vermitteln ihr ein sehr beunruhigendes Gefühl von dejá vú, wenn sie sich an Gespräche von vor Jahrzehnten erinnert. Die Fotos sind ergreifend, und wenn man sie zusammen betrachtet, wird deutlich, dass sich die gleichen Probleme seit so vielen Jahren wiederholen und wir jetzt handeln müssen.
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