Musikerinnen und Musiker sind bekanntlich kreative Menschen, und es überrascht nicht, dass diese Kreativität oft über ihre Musik hinausgeht. Viele Musikerinnen und Musiker sind nämlich auch Künstlerinnen und Künstler, die nicht nur auf Tournee gehen oder Aufnahmen machen.
Musik und Kunst sind komplementäre kreative Beschäftigungen, die Musikern helfen können, ihre Rechnungen zu bezahlen, Produktionskosten zu sparen (warum jemanden für Albumcover und Merch anstellen, wenn du es selbst machen kannst?) oder einfach nur dem Trommelfell eine Pause zu gönnen.
Wir haben mit fünf Musikern gesprochen, die neben ihrem musikalischen Leben auch erfolgreiche Designfirmen betreiben und auf renommierten Messen ausstellen. Sean Yseult von White Zombie entwirft gemusterte Schals, die bei Henri Bendel verkauft werden, Jay Ferguson von Sloan entwirft Albumcover für sein kommendes Boxset, Singer/Songwriter (Bring ihn zum Griechen, Walk Hard: Die Geschichte von Dewey Cox) Dan Bern malt Porträts und Landschaften, der Songwriter (Ultra Vivd Scene) Kurt Ralske hat seine Videoinstallationen auf der Biennale in Venedig ausgestellt und die Schlagzeugerin Liz Degen betreibt ein erfolgreiches Geschäft für freiberufliche Fotografie.
Wir wollten wissen, welche Herausforderungen ein multidisziplinäres kreatives Leben mit sich bringt. Ist es möglich, jeder kreativen Karriere die gleiche Aufmerksamkeit zu schenken? Und was kam zuerst: die Musik oder die Kunst?
Sean Yseult, Weißer Zombie
Während ihres Studiums an der Parsons School of Design war Yseult Mitbegründerin der legendären Metal-Band White Zombie. Zurzeit spielt sie Bass bei Star & Dagger und betreibt eine Boutique für ihre grafisch gemusterten Schals unter dem Namen Yseult Designs.
[Musik und Kunst] sind eigentlich schon mein ganzes Leben lang miteinander verwoben. Als ich fünf Jahre alt war, lernte ich Klavier spielen, aber ich entwarf auch komplizierte Designs, die meinen heutigen Schals sehr ähnlich sind. Während ich die North Carolina School of the Arts für Kunst und Fotografie besuchte, schlich ich mich in die Musikräume, um Klavier zu spielen und zu komponieren. Während meines Studiums an der Parsons School gründeten meine Kommilitonen und ich White Zombie. Sie sind für mich ein Synonym.
Bis jetzt habe ich in meinem Leben hauptsächlich gemeinsam Musik gemacht. So sehr ich das auch genieße, es ist so befreiend, ein Bild zu kreieren, ohne dass es eine Gruppenentscheidung sein muss. Es ist ein gewisses Gefühl der Erfüllung, wenn man alles selbst gemacht hat, von Anfang bis Ende.
Meine Arbeit hat einen Grundton von Dunkelheit und Schönheit, ob gespenstisch, ausschweifend oder humorvoll. Ich fühle mich zu Dingen hingezogen, die manche Leute etwas seltsam finden, aber das Endergebnis ist ein Bild, das ich schön finde. Ich habe alles fotografiert, von der Demi-Monde bis hin zu einem Altar mit menschlichen Schädeln - sie alle haben einen respektvollen Platz in meiner Welt.
Jay Ferguson, Sloan
Ferguson ist ein Viertel der Band Sloan, einer kanadischen Rockband, die 1991 gegründet wurde und mit dem Juno ausgezeichnet wurde. Er beteiligt sich an der Gestaltung des Artworks für Alben und hat zusammen mit seinem Bandkollegen Chris Murphy das Artwork für das gerade erschienene Box-Set des Sloan-Klassikers "One Chord To Another" zusammengestellt.
Ich bin nicht nur mit Musik aufgewachsen, sondern auch mit LP-Covern und dem Design von Alben. Das liegt vielleicht daran, dass ich schon mit 12 Jahren in einem Gebrauchtwarenladen gearbeitet habe. In unserer Band gibt es zwei Kunststudenten, und ich bin keiner von ihnen. Daher ist es nur logisch, dass wir uns schon immer dafür interessiert haben, wie wir dargestellt werden. Nicht nur beim Album-Artwork, sondern auch bei Videos, Postern und Werbung.
Ich glaube, 12″-LPs sind meine Lieblingsplattform für Kunst. Ich liebe die Verbindung von Musik, Druckerzeugnissen, Design und Fotografie. Die Wahl des Papiers, des Covers, der Beilagen, der Etiketten und des Klappentextes - wie man alle Elemente zu einem einheitlichen Werk kombiniert und miteinander verbindet - all das ist sehr befriedigend, vor allem, wenn man das Gefühl hat, dass man eine tolle Platte gemacht hat und sie schön verpacken möchte.
Für unsere letzte Doppel-LP Commonwealth wollte ich ein Klappcover entwerfen, das eine echte, 12″ x 24″ große, fotografierte Collage von Elementen war, ohne "Photoshopperei". Im Mittelpunkt standen Spielkarten mit Illustrationen von uns durch Steve Manale. Ich habe alle Teile genommen und die Collage erstellt. Nach dem Motto "kein Photoshop" ließ ich einen Button drucken, auf dem der LP-Titel und die Songtitel auf Papier ausgedruckt und an einer Kassettenkarte befestigt waren, so dass all diese Details der eigentlichen Collage hinzugefügt werden konnten. Die Albumhülle war ein reines Einzelfoto.
Jeder Teil des Albums - Musik, Artwork, Fotografie - sollte mit dem gleichen Maß an Aufmerksamkeit und Sorgfalt behandelt werden, aber das ist nur meine Vorliebe und Meinung! Wenn alles zusammenpasst, ist es ein großartiges Kunstwerk des 20.
Dan Bern, Singer/Songwriter
Bern ist ein Singer/Songwriter, der auch Songs für eine Reihe von Filmen geschrieben hat, darunter "Get Him To The Greek", "Drones" und "Walk Hard: The Dewey Cox Story". Außerdem ist er ein gefeierter Maler.
1998 bekam ich die Chance, ein Hotelzimmer in einem wirklich coolen Künstlerhotel in New York City zu streichen. Ich dachte mir, ich bleibe ein paar Wochen und male etwas. Ich bin acht Monate geblieben und habe seitdem nicht mehr aufgehört zu malen. Es ist für mich genauso wichtig wie meine Musik.
Ich liebe es, dass es außerhalb des Bereichs der Worte und der Sprache liegt. Ich liebe die Farbe, den Geruch der Farbe, den Fokus, einfach alles. Musik ist cool, weil sie irgendwie unbeschreiblich ist und in der Luft schwebt. Aber ein Gemälde ist immer noch da, wenn man es verlässt. Für mich ist es wie ein Wunder, wenn ich etwas anschaue und es auf der Leinwand erscheint. Ich weiß immer noch nicht, wie das passiert.
Meistens male ich Porträts oder Landschaften. Ich mag es, etwas lange Zeit zu betrachten, immer wieder darauf zurückzukommen und jedes Mal etwas Neues zu sehen. Vor ein paar Jahren habe ich in New Mexico denselben alten Wasserturm etwa 100 Mal gemalt. Ich weiß nicht, ob man das mit einem Lied machen kann. Obwohl viele meiner Lieder in der Tonart G sind, also ist es vielleicht dasselbe.
Kurt Ralske, Singer/Songwriter
Ralske war die Stimme und der Songschreiber der 4AD-Band Ultra Vivid Scene und macht weiterhin Musik am Computer. Er ist ein bildender Künstler, der international ausgestellt hat (Biennale Venedig, Guggenheim Bilbao) und Abteilungsleiter an der School of the Museum of Fine Arts in Boston ist.
Ich war schon immer sowohl von Musik als auch von Kunst besessen. Als ich noch sehr jung war, habe ich mich vor allem auf die Musik konzentriert, weil sie mir mehr Befriedigung verschaffte. Sie schien mir direkter, kathartischer. Außerdem gab es in meiner Familie Musiker, aber keine Künstler.
Aber die Kunst als Nebenbeschäftigung hörte nicht auf. Es war etwas, das sporadisch geschah, wenn ich es brauchte. Als Teenager besuchte ich Galerien und experimentelle Filmvorführungen in New York City, in Soho, im East Village und im MoMA. In meinen 20ern, wenn meine Band auf Tournee war, ging ich immer in die Museen der jeweiligen Stadt, in der ich gerade war.
Wenn du ein Kunstwerk herstellst, fühlt es sich an, als wäre es ein Statement, das eine lange Zeit überdauert. Musik stirbt, sobald du das Instrument weglegst. Vielleicht weil Musik so kurzlebig ist, wird sie im Allgemeinen nicht so ernst genommen wie Kunst. Ein weiterer Unterschied zwischen Kunst und Musik besteht darin, dass Kunst in der Regel eine einsame Angelegenheit ist. Ich glaube, dass auch ein einzelner Künstler gute Musik machen kann, aber für wirklich großartige Musik braucht man eine Gruppe.
Das Beste, was Musik und Kunst tun können, ist, den Betrachter dazu zu bringen, über den Tellerrand zu schauen. Musik oder Kunst beschreibt eine andere Art zu denken oder zu fühlen. Sie beschreiben eine andere Form des Lebens. Der Betrachter zieht diese anderen Möglichkeiten in Betracht und geht mit einer neuen Denkweise über sein eigenes Leben weg.
Vielleicht verändern diese neuen Perspektiven die Hoffnungen, Ziele und Werte des Betrachters. Die Musik und Kunst, die ich liebe, tut das für mich. Ich habe mir vorgenommen, dass meine Musik und Kunst das auch für andere Menschen tun, obwohl das natürlich sehr schwierig ist.
Liz Degen, Schlagzeugerin/Fotografin
Degen ist eine Schlagzeugerin aus Long Island, die als freiberufliche und interne Grafikdesignerin auf die andere Seite des Musikgeschäfts gewechselt ist. Sie hat am Fashion Institute of Technology studiert und beschäftigt sich auch mit Webdesign und Fotografie.
Ich war mein ganzes Leben lang ein Künstler. Ich habe von der Grundschule bis zur High School Flöte gespielt. Als ich 17 war, kaufte meine Mutter ein Schlagzeug für meinen Bruder und es dauerte nicht lange, bis ich es teilweise für mich beanspruchte. Mein Bruder und ich fingen an, zusammen zu jammen und Musik zu schreiben, und gründeten schließlich unsere eigene Band.
Als Illustrationsstudent am FIT habe ich Zeichnen, Malen, Grafikdesign und Fotografie studiert. Als ich merkte, dass ich mein eigenes Artwork für die Band machen konnte, wurde meine Welt plötzlich viel größer. Ich fing an, T-Shirts, Flyer und CDs zu entwerfen, nicht nur für meine eigene Band, sondern auch für lokale Bands in ganz Long Island.
Kunst und Musik haben so viel gemeinsam, was die Art und Weise angeht, wie wir sie erschaffen und schätzen können - einzeln oder in der Gruppe. Meine digitale und traditionelle Kunst fängt irgendwie meine Persönlichkeit ein, auch ohne dass ich es versuche. Manchmal ist es die Linienführung, manchmal sind es die leuchtenden Farben, manchmal ist es die Textur.
Die Musik hat mich als Designer wirklich geprägt und ich denke, dass ich, egal in welchem Design-Genre ich letztendlich lande, immer Trost in meinen Rock'n'Roll-Wurzeln finden werde.
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