Julie Beugins Gemälde schaffen Raum für Spekulationen

Als Julie Beugin tiefer in die Abstraktion eintauchte, musste sie sich schwierige Fragen stellen - oder sich zumindest schwierige Anweisungen geben. In den letzten zehn Jahren hat die in Calgary aufgewachsene kanadische Malerin ihren gegenständlichen Ansatz nach und nach aufgegeben. Dabei hat sich ihr Verhältnis zur Farbe und zur Gegenwart völlig verändert.

"Ich habe immer eine Art verwaschene Acryl-Untermalung darunter gemalt und sie dann mit diesen eher gegenständlichen Formen überdeckt", erzählt Beugin. Format Magazin aus ihrem Berliner Atelier. "Jetzt ist es wirklich die verwaschene Untermalung, die zu meiner Malerei geworden ist." Sie verwendet mehr Acryl- als Ölfarbe, weil diese schnell trocknet. Indem sie die Acrylfarbe verwässert und so eine weniger viskose Flüssigkeit erzeugt, kann Beugin mit großen Pinselstrichen arbeiten, die ihren charakteristischen verwaschenen Look ausmachen.

Ihre derzeitige Herangehensweise an die Malerei ist von Natur aus körperlich; indem sie sich auf die Bewegung ihres Körpers konzentriert, fühlt sie sich mehr mit der Erfahrung verbunden. "Manche Leute malen nur mit dem Kopf", sagt Beugin. "Aber ich stelle fest, dass die interessantesten Sachen herauskommen, wenn ich aufhöre zu denken. Die Mehrdeutigkeit ihrer neuen Bilder beruht auf dem Verzicht auf konventionelle Formen und sogar auf Kompositionen.

Da sie in Nordamerika studiert hat, ist Beugin der Meinung, dass ihr Verständnis von Kompositionsregeln anders ist als das ihrer europäischen Kommilitonen. Sie ist der Meinung, dass die Faszination der 1950er Jahre für den abstrakten Expressionismus und die darauf folgenden formalistischen Trends in Amerika nicht auf Europa übertragbar war. "Das sind Einschränkungen, die nicht mehr als relevant angesehen wurden", sagt sie. "Es war interessant für mich, die verschiedenen Geschichten zu sehen und zu versuchen, sie zu entschlüsseln und zu sehen, was passiert ist. Zu diesem Interpretationsprozess gehört auch, offen für Experimente zu sein.

Beugin hat keine Angst vor Fehlern. In letzter Zeit blüht sie auf, indem sie offen für Unfälle und Spontaneität ist. Kürzlich dachte sie, sie hätte eine Leinwand ruiniert, nachdem sie mit schwerer Hand rote Farbe gegossen hatte. "Es sah aus, als hätte ich jemanden ermordet", sagt sie. "Es war wie eine Blutlache." Als sie die Farbe abwischte, blieb nur ein vager, geisterhafter Umriss übrig. Nach einem weiteren Blick wurde diese Leinwand zu ihrem neuesten großformatigen Werk. "Das hätte ich niemals planen können", sagt Beugin, "aber es war aufregend und bizarr." Indem sie das Feuer ihrer improvisierten Natur schürt, entdeckt sie Bilder an Orten, an denen sie nie zu suchen gedacht hätte. Während sie die Grenzen von Farbe und Tiefe verwischt, erkunden ihre Bilder die Leinwand auf unerwartete Weise.

Ecken, Zwischenräume und Hintergründe erhalten durch Beugins Einsatz von Farbe eine besondere Bedeutung. Zu den Fotoquellen, die sie verwendet, gehören zerhackte Collagen von städtischen Bauwerken und Berliner Wohnblocks aus den 1970er Jahren, deren Farben laut Beugin intuitiv sind. Deshalb will sie sie auch bewahren.

Stack, 70 x 80 cm, Acryl und Bleistift auf Leinwand, 2017.

Für ihre kommende Ausstellung in Toronto bei Paul Petro Zeitgenössische Kunst in Toronto, die am 30. März eröffnet wird, hat Beugin ein Fotobuch mit ihren Collagearbeiten zusammengestellt. Es ist Teil ihrer Einzelausstellung Ein Arm in jeder Hülse. Der Titel ist eine Anspielung auf das Gedicht von Rae Armantrout Kontrollein dem es darum geht, inmitten von Chaos und Veränderung einen festen Stand zu finden.

Bei Paul Petro werden Beugins Werke parallel zu den Michael Morris, ebenfalls ein kanadischer abstrakter Maler und ehemaliger Berliner. Morris wird in dem größeren Raum der Galerie ausstellen. "Wir sind gespannt, welche Art von Dialog sich aus der Kombination dieser Ausstellungen ergibt", sagt Direktor Paul Petro. Im Gegensatz zu Morris, der in der Regel medienübergreifend arbeitet - von der Malerei bis zum Experimentalfilm - ist Beugin von der Zerstörung künstlerischer Grenzen angetrieben worden. In letzter Zeit experimentiert sie mit der Collage als Mittel, um die Konventionen der Malerei in Frage zu stellen.

In ihrem neuesten Werk verwendet Beugin zerschnittene Teile ihrer ausrangierten Gemälde, um die Horizontlinien zu unterbrechen. "Ich habe die guten Teile aufbewahrt, und das wurde zu einem Werkzeug, um einen Landschaftsraum in etwas Abstrakteres zu verwandeln, indem ich eine große Fläche darüber gelegt habe." Während all diese Veränderungen schrittweise erfolgten, laufen Lösungen und Richtung letztendlich auf eine momentane Entscheidung hinaus. "Ab und zu tritt man einen Schritt zurück und denkt: 'Das funktioniert, das nicht', und dann überarbeitet man." Es ist nicht nur ein Prozess der künstlerischen Entwicklung, sondern auch der geistigen Klarheit.

Seit sie nach Berlin gezogen ist, hat sich Beugin parallel zu ihren Bildern verändert. Ursprünglich hatte sie vor, nur ein Jahr in der Stadt zu bleiben. Am Ende blieb sie acht Jahre. "Ich glaube, das Bewusstsein für meinen Körper hat sich verändert", sagt sie. "Ich denke, dass diese [neuen Bilder] viel mehr mit der Geste und dem körperlichen Selbst zu tun haben, als mit etwas, das nur in meinem Kopf stattfindet." Eine Auswirkung, die die Körperlichkeit auf ihre Bilder hat, ist die Größe - sie sind gewachsen. Eine Veränderung, die Petro aus erster Hand mitbekommen hat, seit er Beugins Masterarbeit 2009 zum ersten Mal ausgestellt hat. Für Petro sind das Material und die Größe nicht von Bedeutung. Was zählt, ist die Tatsache, dass Beugin das Interesse der Galerie weckt, sagt er. "Wir vermitteln Ideen, keine Materialien."

Mit zunehmender Leinwandgröße entwickelt Beugin eine neue Wertschätzung für den negativen Raum. Im Februar, als Teil einer großen Gruppenausstellung im HilbertRaum-Galerie in Berlin-Neukölln, zeichnete sich ihre Arbeit durch ihre Bequemlichkeit im Umgang mit dem Raum zwischen den Farben aus.

Sie sagt, dass das Spiel mit Konzentration und Raum der Auslöser für ihre Hinwendung zur Abstraktion war. "Ich wollte diese Erfahrung der Offenheit machen. Im Vergleich zu den begrenzten Möglichkeiten der buchstäblichen Collage-Malerei bevorzugt Beugin die Ungewissheit, die die Abstraktion mit sich bringt. "Ich mag diese Lücke, diese Art von offenem, spekulativem Raum", sagt sie. Je tiefer sie in die Welt der Abstraktion eintaucht, desto wichtiger wird der Raum zwischen den Strichen.

Obwohl Beugin eine einzigartige Befriedigung in größeren Leinwänden entdeckt, erforscht sie in ihren kleineren Gemälden weiterhin die Textur. "Es ist ein bisschen frustrierend", sagt sie. "Im Moment will ich einfach nur groß malen." Während Beugin in ihrem Berliner Atelier mit neuen Formaten experimentiert, Ein Arm in jeder Hülse wird sich auf eine Auswahl ihrer kleineren Werke konzentrieren. Da Beugin mit dem offenen Raum auf der Leinwand arbeitet, finden diese Verhandlungen auch im Maßstab ihrer Werke selbst statt. Vielleicht kann das Gefühl der Offenheit, das sie sucht, auch im Raum um ihre Bilder herum gefunden werden.

Ein Arm in jeder Hülse wird zu sehen sein bei Paul Petro Zeitgenössische Kunst vom 30. März bis 28. April 2018. In der Zwischenzeit kannst du dir mehr von Julie Beugins Arbeiten auf ihrer Website, gebaut mit Format.

Alle Bilder sind mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Das Titelbild ist ein Detail aus Grip, 70 x 80 cm, Öl, Acryl und Collage auf Leinwand, 2017.