Jason Lees Fotografie eines staubbedeckten Amerikas

Wenn du mit Künstlern und Kreativen sprichst - Musikern, Fotografen, Grafikdesignern, was auch immer - fehlt es ihnen manchmal spürbar an Begeisterung, wenn sie über ihren kreativen Prozess sprechen. Das ist absolut verzeihlich: Nicht jeder Teil des Prozesses ist aufregend, und wenn sie einmal zu oft darüber gesprochen haben, haben sie vielleicht das Gefühl, dass sie ein totes Pferd reiten. Aber Jason Lee ist von der Fotografie einfach nur begeistert.

Als ich ihn ganz beiläufig frage, wie er mit dem Peel-Apart-Verfahren angefangen hat SofortbildfilmIn 10 Minuten verrät Lee alles, was du wissen musst: Welche Kamera du kaufen solltest und warum, welche Batterien du brauchst, welche Filme du brauchst und wo du sie findest, welche Eigenschaften sie haben und warum er jede einzelne Kamera liebt.

Die Art und Weise, wie er spricht, deutet auf jemanden hin, der einen unstillbaren Schaffensdrang hat, aber das wäre auch schon klar gewesen, wenn man sich seine zahlreichen Karrieren ansieht. Lee machte sich zunächst einen Namen als ein Skateboarder in den frühen 1990er Jahren und führt das große Erwachen seines kreativen Drangs darauf zurück, dass er mit den ursprünglichen "Weirdo-Skatern" abhing und seine eigene Stereo Skateboardswo sie Videos mit Super-8-Film drehten, Skate-Parts mit Jazz unterlegten und Fotos von Fotografen wie Tobin Yelland, Gabe Morford, und Ari Marcopoulos in ihren Videos. Aber am einflussreichsten war vielleicht der legendäre Skater Mark Gonzalesden Lee für den "Bob Dylan des Skateboardens" hält.

"Er war der erste, der zu Jazz skatete", sagt Lee am Telefon von seinem Zuhause in Denton, Texas. "Das war das Coole an Mark. Video Tage war seine Idee. Es war das erste Video seiner Art - es machte einfach Spaß. Es war voller Charakter und hatte eine interessante Auswahl an Musikgenres, es war lebendig und kreativ. Ich glaube, das ist der Grund, warum es bis heute für viele Leute das Lieblings-Skatevideo ist, zumindest von den frühen Klassikern. Ich bin froh, dass ich durch das Skateboarding so viele verschiedene Facetten des kreativen Lebens und all die unterschiedlichen Genres und Medien kennengelernt habe."

Lee sagt, dass das Umfeld von Skatern, Künstlern, Fotografen und Musikern "einen so mitnimmt, dass sich alles, was man danach macht, fast passend anfühlt. Es fühlte sich total organisch an, in so etwas wie Fotografie einzusteigen".

Damals war die Fotografie eher ein Interesse als ein Beruf. Lee ist vielleicht am besten für seine Arbeit als Schauspieler bekannt - du kennst ihn vielleicht als die Titelfigur aus Mein Name ist Earl (2005-2009), aber wenn du es noch nicht gesehen hast Mallrats (1995) zu einer Priorität machen - und es dauerte bis 2001, bis Lee sich ein paar professionelle Filmkameras zulegte, eine Leica M6 und eine Mamiya Mittelformatkamera, und begann, regelmäßig zu fotografieren. Es wurde schnell zu einer Leidenschaft, und das ist auch der Grund für sein neues Buch, den ersten von zwei Bänden mit Refueled Magazin, kommt rein.

Als Teil des Magazins Eine SerieLees erster Band, der auf 500 signierte und nummerierte Exemplare limitiert ist, versammelt 184 Seiten Polaroid- und Fujifilm-Sofortbilder aus den Jahren 2006-2016. Der zweite Band, so Lee, wird nächstes Jahr erscheinen und mit herkömmlichen Filmfotos aus den letzten 15 Jahren gefüllt sein.

Ein Blick auf Lees Instagram gibt dir eine klare Vorstellung davon, was das Buch enthält: Visionen eines staubbedeckten Amerikas, vergessene und verlassene Tankstellen und Motels, karge Landschaften und gelegentlich ein losgelöstes, aber eindrucksvolles Porträt. Lees Werke sind nicht traurig, aber ruhig und nachdenklich. Sie rufen dieselben Gefühle hervor, die du beim Betrachten der windgepeitschten Südstaaten-Szenen in Paris, Texas.

"Mein Ziel ist es natürlich nicht, deprimierend zu sein, aber es hat schon etwas von Einsamkeit", sagt Lee. "In gewisser Weise ist das interessant, weil es dich dazu bringt, innezuhalten und vielleicht ein bisschen aufmerksamer zu sein. Es ist in gewisser Weise isoliert. Es hat etwas Isoliertes an sich, so dass du dich auf das konzentrierst, was es als eigenständiges Stück ist, aber dann hoffentlich auch ein zusammenhängendes Gesamtstück."

Lee spricht leidenschaftlich darüber, wie er zu dieser Ästhetik gekommen ist. In seinem Studio in Downtown L.A. hat er in den frühen 2000er Jahren viel experimentiert: "Stroboskoplicht, Porträtaufnahmen, Filme schieben und ziehen, verschiedene Filter verwenden. Dann hatte er einen "heiligen Moment", als er entdeckte, dass er 8×10 Polaroidfilm bekommen konnte, den er für $200 bei Samy's auf der Fairfax kaufte. (Heute kosten abgelaufene Schachteln mit 8×10 Polaroid-Film bei eBay etwas mehr als $1.000). Die Verbindung kam zustande, als er die Polaroids mit in die Wüste nahm.

"Ich habe ein paar 8×10- und 4×5-Polaroids von alten Kirchen und Tankstellen auf der Straße aufgenommen, und der Film hatte etwas an sich, das sie noch entfernter, trostloser, stiller, entfernter und isolierter erscheinen ließ. Der abziehbare Film hat etwas an sich, das dieses Gefühl erzeugt.

Sofortbildfilme sind heutzutage nur noch schwer zu bekommen (es sei denn, sie sind im Unmögliches Projekt) und noch schwieriger zu finanzieren, ist Lee überzeugt, dass das Medium keine Nachteile hat, abgesehen von der Tatsache, dass das meiste davon abgelaufen ist.

"Solange du sie vor Sonnenlicht schützt, verblassen sie nicht. Die Schwarz-Weiß-Filme von Polaroid sind meine Lieblingsfilme, und ich habe eine Menge anderer konventioneller Filme gedreht. Er hat einfach etwas Weiches und Kohleartiges an sich. Ich mag den Unikat-Faktor. Keiner gleicht dem anderen. Wenn du ihn abziehst, ist es ein Abzug, und das war's dann. Wenn du es scannst, kannst du digitale Epson-Drucke machen, aber es gibt nur ein Exemplar und das war's. Was du bekommst, ist was du bekommst."

Kurz nachdem er sich mit dem großformatigen Polaroidfilm beschäftigt hatte, sah Lee eine Henry Wessel-Ausstellung im San Francisco Museum of Modern Art und fand dort genau das, wonach er gesucht hatte. "Da wusste ich: 'Oh, das ist es, was mich anspricht, das weiß ich jetzt ganz sicher.' Das Leben so zu fotografieren, wie es ist: nichts erzwingen, nichts inszenieren und versuchen, etwas Interessantes im sogenannten Alltäglichen zu finden."

Zu diesem Zeitpunkt war er mehr oder weniger süchtig nach Roadtrips und begab sich auf eine 4.200 Meilen lange Reise, bei der er Dutzende von Filmrollen und Polaroids aufnahm. Dabei hatte er einen bestimmten Ansatz im Hinterkopf, der, wie er sagt, auf das New Yorker Museum of Modern Art zurückgeht, als ein 30-jähriger Wessel dem Fotodirektor des Museums einen Stapel von Abzügen brachte John Szarkowski. Es war eine Arbeit, die, wie Lee sagt, Wessels Versuch war, eine "Life Magazin arme Kinder, die auf einer Veranda im Süden spielten, mit schlammigen Gesichtern und all diesen Dingen, wie amerikanische Geschichten, die toll waren."

Doch dann kam Szarkowski zu einem Foto von einem alten Lastwagen, der mitten auf einem Feld stand. "Und Szarkowski sagte: 'Du musst mehr solche Fotos machen. Anstatt zu versuchen, dem anderen nachzueifern, eine Geschichte zu erzählen und dich selbst ins Spiel zu bringen, nimm dich einfach zurück und fotografiere, was da ist. Lass das Motiv der Autor sein, anstatt dass du versuchst, mit deiner Kamera eine Geschichte zu erzählen". Das hat den Verlauf von Wessels Dreharbeiten verändert."

Kurz und bündig fasst Lee seinen Ansatz mit einer weiteren Weisheit Szarkowskis zusammen:

"Die Vision des Fotografen überzeugt uns in dem Maße, in dem der Fotograf seine Hand versteckt."

Aber seine Liebe zur Fotografie (und ihrer Geschichte) beschränkt sich nicht nur auf seine eigene Arbeit oder die derer, die ihn beeinflusst haben. Ursprünglich war er ein Instagram-Verweigerer - "Ich dachte, Instagram wäre nur ein Haufen Memes und alberne Selfies und Fotos von Essen und den Katzen anderer Leute", sagt er - und gründete den Account Film Fotografisch vor etwas mehr als einem Jahr gegründet, die sich selbst als "eine von der Community mitkuratierte Galerie und Ressourcenseite von und für Filmfotografen" beschreibt.

Die Website soll bis zum Herbst fertig sein, sagt er, und er hat große Pläne für sie. Dazu gehört auch die Herausgabe eines eigenen Bildbandes, der die Arbeiten der Fotografen der Film Photographic Community in mehreren Bänden sammelt.

"Sie wird hoffentlich die erste ihrer Art sein, mit mehreren Galerien, Informationsseiten, Foren, Kameras und Filmen, die man dort verkaufen kann, Anleitungsvideos und einer Liste von coolen Fotobüchern und lokalen Kameraläden auf der ganzen Welt. Es ist einfach eine Website mit vielen Informationen zum Thema Film."

Diejenigen, die diese Ressourcen nutzen, können sich glücklich schätzen, dass Lee dabei ist, denn er hat Vorschläge für alles, von Roadtrip-Routen ("Fliege nach Chicago, miete ein Auto und fahre die alte Route 66 bis nach Kalifornien") bis hin zur "seltsamen Grenze" zwischen Kitsch und Aufrichtigkeit beim Dokumentieren: "Wenn man die Ästhetik, die Architektur, die Landschaft oder die Kontraste in der Umgebung wirklich schätzt, dann wirkt es auch echt."

Das Beste, was Fotografen von Lee mitnehmen können, ist vielleicht sein grenzenloser, unerklärlicher Enthusiasmus, mit dem er an seine Arbeit herangeht - seine aufrichtige Liebe für die nächste Reise und das nächste Foto.

"Wenn ich eine Nebenstraße entlangfahre und einen alten Schulbus mitten auf einem Feld sehe und das Einzige, was dort steht, ist ein alter, verrosteter Basketballkorb, weiß ich nicht, warum ich das fotografieren will, aber ich will es", erklärt Lee. "Ich möchte den Basketballkorb auf die linke Seite des Bildes stellen und das hintere Ende des Schulbusses auf die rechte Seite des Bildes. Ich möchte diese beiden Dinge kontrastieren, meine Komposition einrahmen und das Foto machen, und ich bin begeistert davon! Die Leute werden sagen: "Das ist doch nur ein Foto von einem alten Schulbus und einem Basketballkorb mitten auf einem Feld". Aber aus irgendeinem Grund freue ich mich immer, wenn ich ein Foto bekomme, das mir gefällt. Ich weiß nicht, warum."