Freya Björg Olafson: Der Performance-Kunst-Pionier im kargen Herzen Nordamerikas

Nimm alles, was du über Genres, künstlerische Etiketten, ordentliche Vergleichskästen und akademischen Jargon weißt, und wirf es bitte in den nächsten Müll. Freya Björg Olafson, eine interdisziplinäre Künstlerin, die eine ganz eigene kreative Karriere verfolgt, balanciert am Rande der definierbaren Terminologie.

Ausgebildet in klassischem Ballett, zeitgenössischem Tanz und mit einem Master of Fine Art in New Media vom Transart Institute der Donau Universität Krems in Österreich, hat Olafson eine Praxis entwickelt, die Film, Sound, Bewegung und Installation miteinander verbindet - oder so ähnlich.

Olafson lebt im kargen Herzen Nordamerikas (auch bekannt als Winnipeg, Kanada) und reist weit umher, um ihre Arbeiten auszustellen. Das ist sowohl ein Vorteil ihres Jobs als auch eine Notwendigkeit, damit ihre Arbeit gesehen wird und sie neue künstlerische Gemeinschaften kennenlernt. Isolation kann ein großartiger Inkubator für Kreativität sein, aber auch die Tendenz haben, das berufliche Wachstum zu bremsen.

"Ich nehme Reisen oft als eine Zeit, in der man sich neu orientieren oder definieren muss, um offen dafür zu sein, wie die Leute einen wahrnehmen oder auf Anhieb auf einen reagieren", sagt Olafson. "Es ist interessant, sich zurechtzufinden. Aber es kann auch manchmal sehr destabilisierend sein."

Der nomadische Lebensstil hat sich auch in Olafsons Produktionsprozess niedergeschlagen, bei dem es nicht möglich ist, auf Details zu achten. HYPER_ist zum Beispiel Olafsons speziellstes Stück, das trotzdem relativ leicht zu transportieren ist. Für die Aufführung werden ein Blackbox-Theater, 160 Scheinwerfer, leuchtende Spraydosen, Schwarzlicht, 3D-Brillen und Projektionen auf eine riesige Leinwand benötigt. Durch die Tournee konnte Olafson herausfinden, welche Elemente unverzichtbar sind und welche angepasst werden können, ohne dass das trippige, raumgreifende Gefühl des Stücks verloren geht.

Die Neuinszenierung eines Stücks kann eine Herausforderung sein, denn die meisten Theater und Veranstaltungsorte sind nicht dafür ausgestattet, interdisziplinäre Arbeiten oder Medienkunst zu zeigen, vor allem wenn es um Olafsons Arbeit geht, die mit den heiklen Elementen von Perspektive, visuellen Tricks und Illusion spielt.

Geringfügige Anpassungen ermöglichen es auch, dass das Stück an einem bestimmten Ort weiterlebt und etwas von der flüchtigen Magie der Aufführung bewahrt wird.

"Bei einigen meiner früheren Arbeiten habe ich ehrlich gesagt nicht daran gedacht, dass sie auf Tournee gehen würden, aber ich habe darüber nachgedacht, wie ich die Arbeit umgestalten könnte, wenn ich wieder dazu eingeladen würde", sagt Olafson. "Außerdem macht es mir Spaß, meine Arbeit zu überdenken und neu zu formatieren, um sie an den Kontext anzupassen, in dem sie gezeigt werden soll.

Ob Vorführungen ihrer Filmarbeiten bei White Box | SanctionedArray in New York, physische Performances im Bauhaus Archiv in Berlin, Podiumsdiskussionen beim Rapid Pulse International Performance Art Festival in Chicago, Residenzen bei Medea Electronique in Griechenland oder als Beraterin und Vertraute für Künstlerinnen bei Mentoring Artists for Women's Art - Olafson hat Anpassungsfähigkeit und Zugänglichkeit zu einer Kunst gemacht.

Obwohl sie allgemein als Pionierin auf ihrem Gebiet anerkannt ist, erklärt Olafson, dass sie immer noch damit zu kämpfen hat, als Künstlerin Kunst zu machen.

"Was die Interpretation angeht, gab es ein paar Mal die Annahme, dass Hugh [Conacher, Lichtdesigner] das gesamte Video gemacht hat, weil ich eine Frau auf der Bühne bin", sagte Olafson. "Obwohl er an der Arbeit mitwirkt und zwangsläufig immer Teil der Konversation ist, kann es sein, dass die Arbeit durch diese geschlechtsspezifische Brille interpretiert wird.

Diese Vermutung ist leider nichts Neues, wenn es um eine Aufführung auf der Bühne und die technische Arbeit hinter den Kulissen geht. In manchen Fällen ertappt sich Olafson dabei, wie sie jede einzelne Rolle aufzählt, die sie in der Produktion gespielt hat, bis hin zur Programmierung der Isadora-Software. In anderen Fällen lacht sie einfach darüber und macht weiter.

"Ich habe das Gefühl, dass die interdisziplinäre oder transdisziplinäre Arbeit manchmal mehr Verwirrung stiftet, weil wir alle versuchen, die Parameter einer Form oder einer Disziplin zu verstehen, die Arbeit macht oder präsentiert", sagt Olafson.

Das Schaffen von Kunst in einem undefinierten Genre ermöglicht es Olafson, neue Zielgruppen zu entdecken, die sich mit ihrer Arbeit identifizieren. Sie nennt eine Gruppe namens Hong Kong Exile als ihren jüngsten Einfluss. Sie vereinen Tanz, Theater, neue Medien und Komposition zu einer "visuellen Massage".

"Ich schätze Arbeiten, die deine Erwartungen an das Genre untergraben oder in Frage stellen", sagt Olafson. "Oder Arbeiten, die sich mit den Belangen des Raums, in dem sie spielen, auseinandersetzen und nicht nur die vierte Wand durchbrechen. Ich schätze es, wenn eine Arbeit auf diese Weise einen neugierigen Ansatz hat.

Diese engagierte Herangehensweise an die Performance ist fesselnd und ermöglicht es dem Betrachter, sich auf eine Weise verbunden zu fühlen, die bei manchen Live-Performances fehlt oder blockiert wird. In ihren Arbeiten AVATAR und HYPER_Olafson verwendet eine Art Live-Video-Collage, eine Überlagerung von gefundenem Filmmaterial und aktiv geschaffenen Bildern, die das Publikum mit einem vakuumähnlichen Sog anzieht. Wenn du Bob Ross dabei zuschaust, wie er fröhliche kleine Landschaften malt, dann stell dir dieses bizarre Wunder in Technicolor durch ein Kaleidoskop vor. Verrückt, oder?

Olafsons Faszination für Live-Video begann, als sie an einer Residency in Montreal teilnahm. Als sie mit der in ihrem Computer eingebauten Webcam arbeitete und Videotools und Open-Source-Software entdeckte, begann sie zu erforschen, wie andere Menschen ihre persönlichen Kameras benutzen, was sich unweigerlich in ihrer Arbeit niederschlug.

"Ich arbeite gerne mit der Methodik der digitalen Collage und mit den Inhalten von heute", erklärt Olafson ihren Prozess. "Ich interessiere mich für unser Verhältnis zur Technologie, wie wir als Menschen in unserer verbalen und physischen Kommunikation mit ihr umgehen, wie sie unser Selbstverständnis bestimmt und wie wir uns anderen gegenüber präsentieren, und wie wir uns in den größeren Rahmen der Identität einfügen.

In diesem riesigen Wurmloch durchforstet Olafson stundenlang das Internet und treibt in den schwarzen Abgründen des World Wide Web. Für HYPER_Olafson schwamm besonders lange in diesem Bereich, spielte mit potenziell kitschigen Elementen und entwickelte ein Konzept, das über die rein visuelle Ästhetik hinausgeht.

"Ich habe lange über das Material recherchiert und mich gefragt, wie ich darüber hinausgehen kann", sagt Olafson. "Wie kann ich eine tiefere Bedeutung und Substanz in der Arbeit finden, sowohl für die Zuschauer als auch für mich selbst als Darstellerin?

Olafson beschreibt HYPER_ als "visuelle Kapitel und Verschiebungen in Studien zur Ontologie", die aus einem zerebralen Prozess mit einem langsamen kreativen Aufbau entstanden sind. Für einen Künstler, der in einem digitalen Zeitalter der -ismen und -cores kühne, undefinierbare Werke schafft, erscheinen der Zeitgeist und die nebulöse Identität von Olafsons Performance irgendwie noch treffender.

"Als Maler kannst du von deinem Werk zurücktreten und es so stehen lassen, wie es war, als es entstanden ist", sagt Olafson. "Aber ich schätze und respektiere, dass meine Werke in einer bestimmten Zeit entstanden sind, in der bestimmte Werte und Entscheidungen, die ich getroffen habe, das widerspiegeln, was daraus geworden ist. Ich habe oft gegen die Verwandlung eines Werks gekämpft."

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