In unserer wöchentlichen Serie Portfolio Spotlight werfen wir einen Blick auf die talentierten Menschen, die Format-Websites nutzen, um ihre Arbeit zu präsentieren. Diese Woche interviewen wir die Fotografin Michelle Watt.
Egal ob es sich um ein kommerzielles Shooting oder ein persönliches Projekt handelt, Michelle Watts Fotografie macht immer das Beste aus den Details. Die in New York lebende Fotografin, die ihre Arbeiten bereits in Die New York Times und Village Voice, hat ein einzigartiges Auge für Komposition. Ihre Spezialität sind ihre dramatischen Tableaux-Serien, komplizierte, farbenfrohe und ausgesprochen theatralische Bilder, die eine Geschichte erzählen.
Auf ihrer Website beschränkt Watt ihre Fotografie auf einige Galerien von Auftragsarbeiten, ihre Tableaus und eine Galerie der Highlights. Ein blassrosa Hintergrund verleiht ihrem Portfolio einen edlen Touch, während die Verwendung von serifen- und serifenlosen Schriftarten den Kontrast zwischen modern und klassisch in Watts Arbeit widerspiegelt, die sich von Modefotografie sowie Maler aus dem 19. Jahrhundert.
Wir haben uns mit Watt in Verbindung gesetzt, um mehr über die Inspiration zu erfahren, die hinter ihrer Fotografie steckt, und darüber, wie sie eines ihrer komplexen Tableaus aufbaut.
Wie bist du zur Fotografie gekommen?
Ich habe schon früh eine Kamera in die Hand genommen, obwohl ich mir damals nicht sicher war, ob sie mir gefällt. Ich lernte die Fotografie in einem akademischen Umfeld, das intellektuelle Erkundungen förderte und moderne Kunstfotografen verehrte, aber nichts davon entsprach wirklich dem, was ich machen wollte. Aber als Teenager ist es schwer zu wissen, was man will, weil man so viele Lebenstheorien und Ideologien auf einmal ausprobiert, dass man nur dann weiß, dass man die richtige Richtung einschlägt, wenn jemand sagt: "Ja, du gehst in die richtige Richtung."
Ich war verwirrt und dachte, die einzige Fotografie, die etwas wert sei, müsse esoterisch und konzeptionell sein. Im Nachhinein denke ich, dass ich immer nach Anerkennung für die Dinge suchte, die ich fotografieren wollte, bevor ich sie fotografierte. Ich wollte, dass mir jemand zeigt, was ich machen wollte, und sagt: "Das ist eine gute Arbeit", was mich befreit und mich machen lässt.
Später habe ich herausgefunden, dass ich mir das einfach selbst sagen muss, und meine stärkste Arbeit entsteht aus diesem inneren Antrieb. Es ist der Moment, in dem meine innere Stimme sagt: "Ich muss dieses Ding einfach machen, weil ich es sehen muss."
Auf deiner Website erwähnst du, dass die allegorische Malerei des 19. Jahrhunderts eine Inspiration ist. Kannst du mehr dazu sagen? Gibt es bestimmte Maler oder Werke, die für dich besonders einflussreich sind?
Ich bin fasziniert von der riesigen Menge an Details. Je schlichter die Details sind, desto fesselnder sind sie. Ich liebe es, die Darstellung von körperlichem Gewicht in einer schwebenden Bewegung zu spüren. Das Gewicht eines Standes gegen die Kraft einer Handlung. Eine schmerzhaft sanfte Berührung. Das Krümmen eines Zehs. Was verursacht diesen unerträglichen, subtilen Widerstand? Ist dir schon mal aufgefallen, wie der Faltenwurf von Samt die Erschlaffung von fetter Haut nachahmen kann (Rubens' Cherubinen)? Oder zwischen zwei sich windenden Figuren, ist es Intimität oder Kampf? Oft verschmelzen sie zu ein und demselben, was eine beunruhigende, metaphysische Anziehungskraft erzeugt. Alles ist in Öl gehängt und zu einer perfekten Komposition arrangiert. Selbst in den schwersten Gemälden ist eine gewisse Schwerelosigkeit zu spüren.
All diese scheinbar unzusammenhängenden Momente werden relevant, weil sie auf der gleichen Leinwand eine Geschichte erzählen. Es ist derselbe Nervenkitzel, wenn du auf ein glänzendes Hochhaus in einer Großstadt blickst und in die Fenster der Menschen schaust. Du trägst zu einer größeren Geschichte bei, indem du einen Haufen kleinerer Geschichten darstellst, die gleichzeitig passieren. Ein epischer Blick auf die alltäglichen Bestandteile. Darin liegt eine gewisse Poesie.
Die frühere flämische Malerei hat etwas Ähnliches getan, als sie heilige Wesen bei ihren täglichen Aktivitäten darstellte. Epische Wesen, die nicht-epische Dinge tun. Einer meiner Lieblingsklassiker, Das Floß der Medusa, gemalt von Theodore Géricault im Jahr 1819, stellt die Nachwirkungen eines katastrophalen Ereignisses dar und nicht das Ereignis selbst. Es ist ein Gemälde über die Reste, nicht über das Festmahl selbst. Ein Teller mit Leichen und ein paar Lebenden, die daran hängen. Das Gemälde hat keine Helden, ist aber zweifellos heldenhaft. Es ist sage und schreibe 20 Fuß hoch und total ehrfurchtgebietend, wenn man darunter hervorschaut. Weil es so riesig ist, kannst du den ganzen Tag in den Details schwimmen.
Was inspiriert dich sonst noch zum Fotografieren?
Anstatt bestehende "Inspirationsfotos" für Moodboards zusammenzustellen, habe ich in letzter Zeit mit der Idee von Bildassoziationen gespielt. Es ist so einfach, dass es fast schon dumm klingt. Es ist so einfach, dass es sich fast dumm anhört, wie diese Tintenkleckstests, bei denen du einen Tintenklecks bekommst und dann gefragt wirst, was dir als erstes in den Sinn kommt. Genauso mache ich es: Ich nehme ein Objekt, das ich gerade betrachte (meistens das Thema oder den Gegenstand eines Shootings) und zähle einfach die ersten Dinge auf, die mir in den Sinn kommen.
Meistens sind die daraus resultierenden Gegenstände (oder Gesten) wirklich bizarr und haben nicht wirklich etwas mit dem Objekt zu tun, aber sie können in einem Bild auf eine Art und Weise Sinn machen, die man nicht rationalisieren kann. Es geht darum, Objekte nebeneinander zu stellen, die du normalerweise nicht miteinander kombinieren würdest, um über die einzelnen Objekte selbst hinauszugehen. Oftmals sind diese Kombinationen ganz einfach.
Ich trainiere diesen Muskel jedes Mal, wenn ich mit meinem Hund spazieren gehe. Heute sah ich üppiges grünes Efeu an einer Wand hochklettern und dachte an einen Riesenkraken, der das Gebäude erklimmt. Diese Kombination werde ich auf jeden Fall in einem Shooting verwenden. Dieser Prozess ist eine aktivere Art des Schaffens als eine reaktive Art des Erbrechens.
Die Idee entstand aus dem Bedürfnis heraus, in der Kunstregie besser zu werden. Ich wollte etwas Neues schaffen, anstatt etwas bereits Vorhandenes zu kopieren. Der Trick besteht darin, etwas dazwischen zu finden, etwas, das dir eigen ist, aber trotzdem etwas, auf das man sich beziehen kann.
Kannst du ein bisschen über den Prozess hinter deinen Tableaux-Shootings erzählen?
Der Prozess ist lang und langsam. In der Regel warte ich, bis ich so viel Material wie möglich aufgesaugt habe, bevor ich es ausführe. Ich recherchiere viel über das Thema, vertiefe mich in die (geschriebenen und dargestellten) Mythologien verschiedener Kulturen, lese Kurzgeschichten, schaue mir Filme und Fernsehserien mit relevanten Themen an, arbeite mit meinen Mitarbeitern (Stylisten, Bühnenbildnern usw.), die für die Entstehung eines jeden Stücks von unschätzbarem Wert sind, die erzählerischen Ebenen aus und übe mich darin, Geschichten über Fremde in der Öffentlichkeit zu erzählen.
Manchmal skizziere ich, aber ich bin ziemlich schlecht im Zeichnen, also skizziere ich in meinem Kopf. Ich setze lieber Schauspieler als Models ein, denn Schauspieler sind Experten darin, eine authentische Pose zu zeigen. Ich gebe ihnen Motivationen, die sie ausspielen sollen, meist in Verbindung mit einer anderen Figur. Ich baue sie so auf, dass sie Mikrogeschichten erzählen, die der größeren Erzählung Struktur verleihen. Letztendlich baue ich eine Komposition, die das Auge dazu verleitet, sich im Bild zu bewegen, um den Betrachter durch die Geschichte zu führen.
Weil jedes Stück so umfangreich ist und eine präzise, vielschichtige Geschichte, ein extrem begrenztes Budget, mehr als ein Dutzend Crewmitglieder und Talente sowie komplizierte Drehorte beinhaltet, braucht es eine überwältigende Menge an Zeit, Angst und Geduld, um all die beweglichen Teile zu planen und zusammenzufügen. Der ganze Prozess ist sehr entmutigend.
Wie nutzt du deine Website, um deine kreative Arbeit zu unterstützen?
Als berufstätiger Fotograf sollte ich meine Website eigentlich nur dazu nutzen, die Art von Arbeit zu präsentieren, die ich bekommen möchte, so wie es auch ein Portfolio-Buch tut. Aber da die Website auch die Hauptplattform ist, auf der ich Projekte mit mehreren Bildern oder langfristige Fotoserien zeige, ist es schwer, sich nicht dazu hinreißen zu lassen, nur die neuesten coolen Sachen zu zeigen, an denen ich gearbeitet habe.
Weil das Format der Website es mir ermöglicht, meine Serienarbeiten auf sinnvolle Weise zu präsentieren, werde ich gewissermaßen dazu angetrieben, mehr Serien zu machen. Irgendwie seltsam rückwärtsgewandt, aber der Prozess funktioniert!
Woran arbeitest du im Moment?
Zurzeit arbeite ich an meinem nächsten Tableau (Hinweis: Sirenen und Matrosen) und an einer unkonventionellen Abenteuerserie von verschiedenen Klettertouren, die ich in den letzten zehn Jahren unternommen habe.
Nenne zwei Künstler oder Fotografen, denen wir folgen sollten.
In letzter Zeit war ich besessen von Erik Madigan Hecks Familienurlaub Serie für Stern Deutschlandund Todd Antony's Dekatora Serie von japanischen LKW-Fahrern in ihren kunstvoll verzierten Kabinen.
Du denkst, dein Format-Portfolio sollte in unserer Portfolio Spotlight-Serie vorgestellt werden? Sende uns einen Link, um berücksichtigt zu werden.
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