Abraham traf sich mit Format während der Produktion einer Installation, die von der Toronto Biennale of Art in Auftrag gegeben und gemeinsam mit der Galerie TPW präsentiert wurde. Die Eröffnung findet am Samstag, den 21. September 2024, statt. Weitere Informationen findest du auf der Website der Toronto Biennale.
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Kunst ist eine Berufung
Mein Name ist Abraham Onoriode Oghobase. Der Name Onoriode stammt vom Stamm der Urhobos aus den Delta-Staaten in Nigeria. Dieser Name bedeutet "wer weiß, was morgen ist". Ich wurde 1979 in Nigeria geboren, in einer Zeit des Ölbooms. Ich wurde also zu der Zeit geboren, als es in Nigeria so viel Geld gab. Gleichzeitig waren wir aber auch mit dem Militärregime konfrontiert. Das Regime wechselte in den 80er und 90er Jahren, bevor wir eine Demokratie wurden und einen demokratisch gewählten Staatspräsidenten bekamen.
Ich bin in einem Umfeld aufgewachsen, in dem es nicht viel mit Kunst zu tun gab. Es ging wirklich darum, ordentlich zu sein und zur Schule zu gehen. Wir sollten alle in die Technik oder in die Buchhaltung gehen. Es gab nicht viele Museen oder Kunstinstitutionen, die Kinder besuchen konnten. Ich glaube, wir begnügten uns damit, in der Kirche zu spielen. Aber als ich älter wurde, merkte ich, dass ich Musik und Kunst liebe. Natürlich war ich in dem Umfeld, in dem ich aufgewachsen bin, nicht dazu geneigt, Künstler zu werden. Der Grund, warum ich das sage, ist, dass ich fest daran glaube, dass Kunst eine Berufung ist. Sie ruft dich. Es reicht nicht aus, zu wissen, wie man zeichnet, malt oder singt. Ich glaube, es geht um viel mehr. Es gibt etwas Übernatürliches, das sie antreibt.
Abstraktionen, Identität und Postkolonialismus
In meiner Praxis geht es im Kern um Postkolonialismus. Ich untersuche Identität und Repräsentation.
Ich nutze Abstraktionen, um mich zu beschäftigen. Ich interessiere mich sehr für Sprache und die Philosophie der Ästhetik. Was soll das heißen? Als ich lernte, eignete ich mir bestimmte Sprachen aus den Strukturen von Büchern an. Das führte mich zu meinem Interesse an der Wissensproduktion. Im Grunde ist dieses Interesse an der Produktion für mich das Ergebnis davon, dass ich mir der Rassenvorurteile um mich herum bewusst bin. Ich bin in Nigeria aufgewachsen, aber als ich älter wurde, begann ich zu reisen. Und zum ersten Mal merkte ich den Unterschied - okay, mein Schwarzsein war eine Sache. Sobald ich meine Gemeinschaft verließ, wurde es zu einer Sache. Als ich nach Europa und Nordamerika kam, war ich sehr verwirrt. Ich habe gemerkt, dass er [der Rassenunterschied] sehr tief geht. Und obwohl ich schwarz bin, kam ich aus einer anderen Kultur, in der mein Schwarzsein keinen großen Unterschied machte. Ich kam auch aus einer anderen Geschichte der Produktion.
Und ich glaube, damit hat der Wandel in meiner Arbeit begonnen. Denn meine Arbeit basierte hauptsächlich auf der Ästhetik des dokumentarischen Formats. Als ich 2006 anfing, nach Europa zu reisen, wurde mir das bewusst. Das brachte mich dazu, viele Dinge zu hinterfragen: meine Arbeit, meine Praxis. Und dann wurde mir die Fotografie irgendwann langweilig, ich fand sie einfach nicht mehr genug. Sie war zu zweidimensional, zu flach, um all die Schichten von Informationen, Emotionen und Identitäten, die ich erlebte, einzufangen. Einfach nur eine Darstellung einzufangen, war nicht genug.
Persönliche Erlebnisse durch vielschichtige Bilder teilen
Ich bin sehr fasziniert von Musik, insbesondere von Ambient-Musik. Eines meiner Lieblingsalben ist "Musik für Flughäfen" von Brian Eno. Während meiner allerersten Europareise im Jahr 2006 spielte mir ein Kurator dieses Album vor und gab mir die CD. Ich weiß noch, dass ich geweint habe, als ich es zum ersten Mal hörte. Es war erstaunlich, dass etwas jemanden so sehr bewegen kann, dass man etwas fühlt. Und es war nicht laut. Sie war zart, aber auf ihre eigene Art auch hart. Als ich dann tiefer in diese Art von Musik eintauchte, entdeckte ich, dass die Leute sie mögen, Philip Glass und der Rest von ihnen, Steve Reich.
Durch diese Erkundung interessierte ich mich mehr für die Ideen des Nichts und der Stille und löste mich von früheren Vorstellungen darüber, was Fotografie für mich ist - ich dachte über das Medium selbst nach und darüber, wie das Medium elastisch sein könnte. Zuerst gab mir die Performance eine Möglichkeit, mit Kompositionen und der Struktur meiner Arbeit zu spielen. Später suchte ich nach anderen Möglichkeiten, diese Ideen zu entwickeln, und dann wurde mir klar, dass ich Wiederholungen und Collagen nutzen kann, um meinen Ideen Tiefe zu verleihen. Ich glaube, der Grund, warum sich meine Arbeit so sehr verändert hat, war, dass ich so sehr mit der Ambient-Musik und dem Gefühl, das sie mir gab, verbunden war. Ich wollte anfangen, Arbeiten zu machen, die sich genauso anfühlen.
Ich betrachte meine Arbeit jetzt klanglich, als wäre ich ein Komponist. Ich versuche, Verbindungen herzustellen zwischen dem, was ich sehe, und dem, was ich dabei fühle. Mit dieser Art von vielschichtigen Bildern kann ich große Themen erforschen, wie zum Beispiel die Gewalt, die der Bergbau dem Land antut. Das kann aber auch durch ein Foto einer Landschaft ausgedrückt werden, auf dem sich verzerrte Bilder von Vögeln und Land übereinander befinden. Ich interessiere mich mehr für das Gewicht der Emotionen, die dieses Spiel der Bilder hervorrufen kann. Ich möchte nicht in der Idee der Buchstäblichkeit gefangen sein. Ich möchte die Arbeit nicht reduzieren, denn sie ist viel mehr als nur eine Darstellung der Kolonialgeschichte oder eine Dokumentation von Themen wie Ausbeutung, Körper oder Land.
Ich versuche, etwas Nuanciertes und Vielschichtiges zu schaffen, das sehr intern ist. Ich kann nur über meine Erfahrungen sprechen, oder? Ich kann nicht über die Erfahrungen aller Menschen sprechen. Es geht also darum: Was bedeuten diese Themen, was bedeutet der Zustand unserer Welt für mich? Ich betrachte die Welt aus einem bestimmten Blickwinkel. Das Thema Einwanderung ist für mich anders als für andere Menschen. Es sind die kleinen Erlebnisse im Alltag, die unsere Erfahrungen bereichern. Es sind Strukturen, die geschaffen wurden, um bestimmte Menschen zu vermenschlichen und andere nicht. Punktum.
Dieses Gefühl fließt in die Art und Weise ein, wie ich versuche, die Dinge zu erschaffen, die ich erschaffe, egal ob es sich um persönliche Erfahrungen handelt oder ob sie mit so großen Themen wie Nationalismus zu tun haben. Aber es geht immer um das Innere. Das hat etwas Schönes an sich. Ich denke, das ist auch unsere Stärke als Menschen, oder? Wir kommen von verschiedenen Orten, verschiedenen Ethnien, verschiedenen Hintergründen, verschiedenen Geschichten. Aber es gibt Gemeinsamkeiten in unseren tiefen, inneren Erfahrungen, die sehr ähnlich sind - ob wir es wollen oder nicht, wir sind alle miteinander verbunden und das ist einfach erstaunlich.
Bild ©: Goodman Gallery
Quellen der Inspiration: Mentoren, Bücher und Schaltpläne
Schemata sind auch ein Mittel, mit dem ich in meiner Arbeit über verschiedene Frequenzen spreche. Ich erinnere mich, dass ich mit einem berühmten nigerianischen Fotografen in Berlin gearbeitet habe, Akinbode Akinbiyi. Er ist ein älterer Papa, also hat er viele von uns über die Jahre hinweg betreut. Er hat mir zwei Bücher geschenkt, weil ich ihm gesagt habe, dass ich mich mit dem Thema Bergbau in Nigeria beschäftigen möchte.
Ein Buch war von Jane Mercy aus Johannesburg, die diese Art von collagierten Zeichnungen macht, in die Fotos und Gemälde integriert sind. Das andere Buch, das er mir gab, trug den Titel "In den Minen" von David Goldblatt. Die Fotografien in diesem Buch waren sehr frontale Kompositionen. Die Direktheit fühlte sich sehr rein an und ich fand sie sehr inspirierend.
Immer wenn ich Akinbiyi besuchte, nahm er mich mit in seine Lieblingsbuchhandlungen in Berlin, denn dort kennt man ihn. Bei einem dieser Besuche wurde mir dieses zweibändige Buch mit dem Titel "Rand Metallurgische Praxis." Dieses Buch wurde im Jahr 1912 veröffentlicht. Ich fing an, über dieses riesige zweibändige Buch nachzudenken, das im Grunde ein methodisches Diagramm ist, das für den Abbau von Minen sowohl in Johannesburg in Südafrika als auch in anderen ähnlichen Gebieten verwendet wurde, d.h. in den Gebieten, die sie kolonisierten, einschließlich Nigeria, dem Kongo und anderen Orten, wie Ghana. Und es war faszinierend. Ich wusste nicht, wie umfangreich diese Geschichte ist. Ich wusste auch nicht, dass es diese Art von Buch gibt. Es war sehr mathematisch, technisch und physikalisch, aber es war auch ästhetisch schön. Aufgrund dieser Ästhetik dachte ich mir: "Das ist interessant". Aber ich wusste nicht, was ich damit machen oder wie ich es angehen sollte. Ich hatte das Buch vier Jahre lang, bevor ich mit der Arbeit an den Minen begann. Ich glaube, der Moment, in dem ich mit der Arbeit an den Minen begann, war, als ich anfing, diese Landschaften zu fotografieren.
Sobald ich damit anfing, ging mir durch den Kopf, dass die Schemata auch auf die Landschaften übertragen werden könnten. Und dann machte es für mich einfach Sinn, dass die Schemata auch zu einer Art Animation werden könnten. Dann fing ich an, das Schema wieder als Hieroglyphen zu sehen, als Sprache. Ich dachte mir: "Okay, ich fange an, mir darüber klar zu werden".
Für mich sind diese Schemata eine Sprache, oder auch eine Art Partitur. Deshalb verwende ich sie und integriere sie auf unterschiedliche Weise in meine Bilder. Manchmal verwende ich sie sogar (wie bei der Ausstellung in der Hunt Gallery) als Wandvinyl, damit man sie auch alleine sehen kann. Es gibt viele Möglichkeiten, die sich ergeben, wenn man sieht, wie man Dinge verschieben und Informationen und Bilder fast wie ein DJ sampeln kann. Es ist eine ähnliche Strategie wie in der Hip-Hop-Musik - man nimmt all diese Schichten von verschiedenen Orten und schafft so ein neues Ganzes. Das ist faszinierend, denn es schafft Tiefe, aber es entsteht auch eine gewisse Abstraktion. Alle Schichten in der Arbeit schaffen auch ihre eigene Bedeutung in der Arbeit. Sie können nicht mehr isoliert betrachtet werden - sie schaffen eine facettenreiche Erfahrung mit Tiefe.
Magie einfangen
Als ich Minen fotografierte, hatte ich ein Erlebnis, das ich nie vergessen werde. Ich war stundenlang unterwegs, um im höchsten Sonnenlicht zu fotografieren und blieb, bis die Sonne gegen 18:30 Uhr unterging. Ich kletterte auf einen Hügel und sah von weitem, wie der kleine Bus einen Hügel überquerte. Es war die gleiche Art von Hügel, auf dem ich stand. Es war ein Moment, in dem sich alles sehr verbunden anfühlte - das Licht, die Wiederholung der Landschaft und diese Strommasten und Dinge, die früher die Minen mit Strom versorgten.
Am Ende habe ich die Szene aus verschiedenen Blickwinkeln fotografiert. Ich habe fotografiert, wie ich auf dem Hügel war, ich habe die Menschen fotografiert, die ich an diesem Tag getroffen habe. Ich wusste es nicht einmal, aber ich sah einfach nur diesen Bus, auf diesem riesigen, massiven, ruhigen Land. Und dann siehst du den Staub, es war so ein schöner Moment. Es ist einer dieser Momente in der Fotografie, die wie Magie sind. Ich wusste einfach, dass ich etwas ganz Besonderes fotografiere. Ich wusste es einfach. Ich sage das nicht allzu oft, aber es ist wirklich eines meiner Lieblingsbilder. Und es geht nicht darum, ob es jemand sammelt oder nicht. Für mich persönlich ist es das einfach. Es war einfach ein Geschenk. Dieser Moment war ein Geschenk, für das ich immer sehr dankbar bin. Ich bin Gott immer dankbar, dass er mich mit diesem Moment gesegnet hat - für die Magie, die geschehen ist.
Offen sein; die Fähigkeit, sich neu zu orientieren
Ein Künstler zu sein ist ein Kampf. Es ist nicht leicht. Denn du bist auf der Suche nach etwas. Du bist auf der Suche nach deinem wahren Selbst. Das Ergebnis ist fast so etwas wie ein Dokument der Zeit, das wir schaffen. Aber es geht uns um Erfüllung, die auch sehr tief geht. Es ist eine Reise. Und ich möchte, dass die Menschen verstehen, dass Kunstmachen keine Einheitsgröße ist. Die Reise eines jeden Menschen ist völlig unterschiedlich.
Ich denke, es ist auch wichtig, dass jeder offen für andere Praktiken ist, offen für andere Menschen, offen für die Liebe. Wenn wir über Machtsysteme nachdenken, ist es wichtig, sie neu zu denken oder neu zu kontextualisieren. Diese Worte ziehe ich dem Wort "demontieren" vor. Demontieren bedeutet fast, etwas zu zerstören. Du zerstörst es nicht, aber es ist eine Störung. Es ist wie ein Erdbeben. Du spürst es, du weißt es - du kannst es fühlen. Du bist erschrocken. Plötzlich bist du dir dessen bewusst. Du denkst: Mein Gott, ich könnte mein Leben verlieren oder so. Ich will keine Angst in meinen Werken erzeugen. Ich versuche, verschiedene Wege zu finden, wie ich diese Macht- und Darstellungsstrukturen umgestalten kann, denn dort liegt die eigentliche Macht.
Zugang zu und Kontakt mit Kunstinstitutionen
Wenn du in Institutionen ausstellst, finde ich es wichtig, einen Dialog zu führen. Es ist wichtig, offen zu sein und von diesen Institutionen zu lernen, oder? Sich mit diesen Institutionen auseinanderzusetzen und die Systeme in gewisser Weise zu hinterfragen, und zwar auf ästhetische Art und Weise. Aber der Zugang zu diesen Institutionen ist sehr wichtig. Wenn du dir Zugang verschaffst, ist das schon ein großer Schritt in Richtung eines kritischen Diskurses. Das ist etwas, das ich sehr schätze. Ich habe das Gefühl, dass wir manchmal mit einem Gefühl der Gnade kommen müssen und nicht mit einem Gefühl des Anspruchs. Wir müssen mit einem Gefühl der Empathie kommen, um uns mit diesen Objekten oder Archiven auf eine Art und Weise auseinandersetzen zu können, die nicht verunglimpft, sondern einen globalen Diskurs über Rassismus, systemischen Rassismus oder institutionellen Rassismus anregt.
Der Zugang ist, wie gesagt, sehr wichtig. Und wenn du dir diesen Zugang verschaffst, schafft das einen Weg für die nächste Generation. Es schafft einen Weg für sie. Und wir müssen verstehen, dass es auch sehr viel mit Pädagogik zu tun hat und dass wir offen sein müssen, um diejenigen zu unterrichten, die später kommen. Ich denke, es ist wichtig, bescheiden zu sein.
Bildung & Gemeinschaft
Vor zwei Jahren habe ich meinen MFA an der York University abgeschlossen. Diese Zeit war so seltsam, denn kaum war ich im Programm, kam die COVID. Also machte ich meinen MFA während der COVID und machte meinen Abschluss. Es war schrecklich, aber wir haben es hinbekommen und ich habe gute Freunde gefunden. Trotz der vielen Einschränkungen war es eine tolle Gemeinschaft.
Ich liebe Toronto. Ich liebe die Kunstgemeinde. Die Kunstszene ist wirklich klein. Es ist also sehr einfach für die Leute, sich gegenseitig zu kennen. Aber ich liebe es hier wirklich. Es ist ruhig. Ich kann mich ganz auf meine Arbeit konzentrieren. Ich kann reisen und zurückkommen. Es ist eine tolle Basis. Im Moment arbeite ich an einer Auftragsarbeit für die Toronto Biennale und präsentiere sie gemeinsam mit der Galerie TPW. Damit bin ich im Moment sehr beschäftigt. Ich bin gerade dabei, die Produktion meiner Installation aus gedruckten Werken, Zeichnungen und Objekten mit dem Titel Onoriode (Wer weiß, was morgen ist?)-und sie wird am 21. September 2024 eröffnet.
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