Eine kurze Geschichte der Protestkunst

Im aktuellen politischen Klima finden Künstler/innen Wege, sich in die Politik einzumischen. Mit einer amerikanischen Regierung, die die Unterstützung von Kunst und Geisteswissenschaften nicht als "umsichtig"Die kreative Bevölkerung nimmt es auf sich, zu beweisen, dass Kunst eine wichtige Rolle in der Gesellschaft spielt.

Das Ergebnis war alles, von einzelnen Aktionen, wie Richard Princes Anprangerung seiner Arbeit die Ivanka Trump gehört, zu Ausstellungen wie Das Knockdown Center's Böse Frauen in Queens, New York, die den Verkauf von Kunstwerken an Planned Parenthood spendete.

Wenn die Menschen in die Zukunft gerufen werden Action auf der StraßeManche Künstlerinnen und Künstler möchten vielleicht die Pinsel weglegen, ihre Laptops schließen und sich anschließen. Aber sie können ihr Talent und ihre Vision auch nutzen, um eine Bewegung zu unterstützen. Der Künstler Christo hat zum Beispiel beschlossen, ein Projekt aufzugeben, das $15 Millionen seines eigenen Geldes und über 20 Jahre Arbeit gekostet hat. New York Times genannt "Der bisher größte Protest der Kunstwelt". Andere Künstlerinnen und Künstler scheinen sich zu melden.

Könnte die Streichung der Kunstförderung ein Zeichen dafür sein, dass die derzeitige Regierung kritische Stimmen zum Schweigen bringen will? Im Laufe der Geschichte haben Künstler/innen immer wieder auf ungerechte politische Aktionen reagiert. Sie haben unverblümt protestiert während des Vietnamkriegs in den 60er und 70er Jahren, neben unzähligen anderen Beispielen. Sie sind oft die erste Gemeinschaft, die sich für die Menschenrechte und gegen Unterdrückung einsetzt. In den letzten hundert Jahren waren Künstlerinnen und Künstler und ihre Aktionen unglaublich wichtig für LGBTQIA-Rechte, Feminismus, Pazifismus, Einwanderungsrechte und die Rechte von People of Color.

Die Geschichte der Protestkunst ist umfangreich und dicht. In diesem kurzen Überblick blicken wir auf eine Auswahl politisch einflussreicher Künstlerinnen und Künstler des letzten Jahrhunderts zurück, um dich für künstlerische Aufrufe zum Handeln zu inspirieren. Von den Dadaisten bis zu den Guerrilla Girls - hier sind die Kunstbewegungen und Personen, die du kennen solltest. Ein Blick zurück, um nach vorne zu schauen.

Hannah Höch, "Untitled (Large Hand Over Woman's Head)", 1930, Fotomontage via Kunstvoll

Die Dadaisten

Europäische politische Absurdisten aus Zürich

In den 1920er Jahren gründeten die Dadaisten den Nachtclub Cabaret Voltaire als Ort für experimentelle und politische Performance-Kunst. Sie erfanden auch Collage als ein erschwingliches Medium. Als Reaktion auf den Ersten Weltkrieg eigneten sie sich Collagen aus Zeitungen an. Die Gruppe spaltete sich in verschiedene Disziplinen auf: Bildhauer, Designer, Performer und Dichter. Sie vereinten sich unter der Absurdität der vom Krieg zerrissenen Menschheit und machten mit voller Kraft unapologetische reaktionäre Kunst. Einige der einflussreichsten Dadaisten sind Hannah Höch, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Francis Picabia, und Kurt Schwitters.

Diego Rivera, Detail von "Der Aufstand" 74 x 93 3/4″, 1931 via MoMA

Mexikanische Wandmaler

Wandmaler für die mexikanische kommunistische Unterstützung

Im Nordamerika der 1920er Jahre waren die mexikanischen Muralisten im Aufstand gegen die tyrannische Industrialisierung. Ihr Ziel war es, die Rechte der Arbeiter zu schützen. Künstler wie Diego RiveraSie malten großformatige öffentliche Fresken, die den Kampf des Proletariats illustrierten. Die Gruppe, die sich unter Leninistische Ideale und setzten sich mit der Politik auseinander, indem sie die Standards der Geschichte der Malerei zugrunde legten. Sie übernahmen traditionelle Malstrategien und malten vor allem großformatige Fresken. Wie die Künstler der Renaissance kommunizierten sie durch ihre didaktischen und kraftvollen Szenen mit den Massen.

Jacob Lawrence, "Einer der größten Rassenunruhen fand in East St. Louis statt." via NPR

Jacob Lawrence

Afroamerikanischer Sozialmaler

Jacob Lawrence ist einer der bedeutendsten bildenden Künstler Amerikas. Er schuf illustrative Serien von Werken, die sich auf historische Momente konzentrieren und die Rassenungleichheit festhalten. Das oben abgebildete Bild ist Teil seiner umfangreichen 60-teiligen Gemäldesammlung namens Die Migrationsreihe. Die Serie schildert die Ursachen, den Aufruhr und die Ergebnisse der großen Migration von Afroamerikanern aus dem Süden in die Städte im Nordosten und in der Mitte. Die Migration fand statt, nachdem Jim Crow ihr Leben und die Gleichberechtigung im Süden bedrohte. Lawrence malte unermüdlich mit bunten Temperafarben auf Karton und einfaches Holz. Die Gemälde drücken Momente der Reise aus, darunter auch wärmere Momente, die Familie und Kameradschaft zeigen. Aber am eindringlichsten beschreibt er die Momente der Gewalt und Unterdrückung sowohl im Süden als auch im Norden. Lawrence schuf mehrere weitere Serien zu sozialgeschichtlichen Themen und leistete einen wichtigen Beitrag zur amerikanischen Kunst.

Gordon Parks, "American Gothic, Washington, D.C.", 1942, Gelatinesilberdruck über Galerie Metivier

Gordon Parks

Afroamerikanischer Dokumentarfotograf für Bürgerrechte

Gordon Parks war ein erfolgreicher Fotojournalist, Filmemacher, Schriftsteller und Menschenfreund. Er war in den 1940er bis 70er Jahren ein bekannter Künstler und arbeitete bis zu seinem Tod im Jahr 2006. Er dokumentierte Bürgerrechte, Rassenungleichheit und Armut. Als einer der ersten afroamerikanischen Filmemacher war Parks auch maßgeblich an der Entwicklung des "Blaxploitation" Filmgenre. Die meisten Filme dieses Genres waren im Wesentlichen Actionfilme, die sich an ein schwarzes Publikum richteten. Sein einflussreichstes politisches Werk waren jedoch wahrscheinlich seine Bilder der schwarzen Armut, die er in den 1940er Jahren aufgenommen hat. Die formell komponierten und eindringlichen Werke beschreiben eine verarmte Gemeinschaft, die ins Rampenlicht gerückt werden musste, um Veränderungen zu bewirken. Parks war wegweisend für die Entwicklung der sozialen und politischen Fotografie. '

Danny Lyon "Arrest of Taylor Washington" Atlanta , 1963, Gedruckt 1967, Vintage Gelatinesilberdruck - 10 x 8 inches (25,4 x 20,3 cm)

Danny Lyon

Amerikanischer Straßenfotograf

Im Sommer 2016 hatte Danny Lyon eine Better-Late-than-Never-Retrospektive mit dem Titel *Danny Lyon: Botschaft an die Zukunft im Whitney Museum of Art. Die Galerie zeigte historische Fotografien von farbigen Menschen, die in den 1960er Jahren bei Protesten verhaftet wurden, Bilder von der aktuellen Occupy-Bewegung und einen Film im Interviewstil mit dem Titel "One Man One Vote": Danny Lyon im Gespräch mit Julian Bond". Wenn du dir die neuen Bilder ansiehst und sie den Bildern der Bürgerrechtsbewegung gegenüberstellst, wird klar, dass wir nicht viel Fortschritt gemacht haben. Lyon hat die letzten sechs Jahrzehnte damit verbracht, einige der gesellschaftlich brisantesten Momente zu fotografieren. Momente, in denen Menschen für ihre Rechte kämpfen, und die Reaktion von Gemeinschaften, die sich gegen sie stellen. Viele seiner Bilder werden als wichtige Referenzfotos für die Bürgerrechtsbewegung verwendet. Als Künstler, der mit der amerikanischen Straßenfotografie in Verbindung gebracht wird, zeichnet sich seine Arbeit dadurch aus, dass sie die Bewegungen der 1960er Jahre bis heute in Bezug auf Rassen- und Menschenrechtsfragen dokumentiert. Er arbeitete als unkonventioneller Fotograf, der mit keiner großen Medienpublikation verbunden war. Er war nicht nur ein Fotograf des Aktivismus, sondern arbeitete auch unermüdlich mit den Bewegungen als Teilnehmer und Organisator.

William Kentridge, Still aus "Felix in Exile", 1994, Hand Drawn Animation via Serpentinen-Galerien

William Kentridge

Südafrikanischer politischer Animator

William Kentridge ist ein südafrikanischer Künstler. In seiner zeichnerischen Praxis nutzt er Erzählungen und Bilder, um seine Besorgnis über die Menschenrechte auszudrücken. Er konzentriert sich oft auf Johannesburg, einen Ort, der von industriellen, politischen und wirtschaftlichen Problemen geplagt ist. Das bekannte Werk Felix im Exil ist eine Animation, die eine reumütige Kritik an der politischen Landschaft in der Stadt darstellt. Die kurze Animation besteht aus über vierzig Zeichnungen, die nacheinander ausradiert und überzeichnet werden, um komplexe Szenen zu animieren. Kentridge zeigt eine verlassene Industriestadt, die voller Schmerz und Leid der schwarzen Körper ist. Der Film drückt tiefe Besorgnis, Trauer und Verlust über die Folgen des sozialen und politischen Zustands der Stadt aus. Dies ist nur ein Werk von vielen, die Kentridge mit seiner einzigartigen Technik geschaffen hat. Er schafft weiterhin emotionsgeladene politische Werke über die Nuancen des Schmerzes, die zur Verweigerung der Menschenrechte führen.

Ana Mendieta; Ohne Titel; 1974

Ana Mendieta

Feministische Performance-Künstlerin

Ana Mendieta wurde in Kuba geboren, emigrierte aber im Alter von 12 Jahren in die USA, um der kubanischen Revolution zu entkommen. Sie war eine wichtige Figur in der Entwicklung der feministischen Körperkunst. Sie kombinierte ihren Körper oft in Land-Art-Installationen und Performances und verwendete dabei natürliche Materialien sowie ihre Haare und ihr Blut. Eines ihrer bekanntesten Werke ist Ohne Titel ( Gesichtshaartransplantation) (1976), in der sie männlichen Teilnehmern die Gesichtsbehaarung abschnitt, um ihr eigenes Gesicht mit den Überresten zu schmücken. Die Arbeit kommentiert die performative Natur des Geschlechts. Ihre Arbeit befasst sich mit Fragen des Feminismus, des Körpers, der kulturellen Zugehörigkeit, des Ortes und der Sterblichkeit. Ihr Werk besteht aus Performances, Installationen, Filmen, Büchern und Tonarbeiten. Ana Mendieta starb zu früh - es ist landläufig gedacht dass ihr Ehemann und Künstler Carl Andre sie aus dem Fenster ihrer New Yorker Wohnung geworfen hat. Es wurde jedoch nie Anklage erhoben, und ihr Tod wird offiziell als Unfall angesehen.

"Ein Guerrilla Girl posiert 2002 vor einem Plakat, das die Oscar-Verleihung unweit des Ortes kritisiert, an dem sie in Hollywood verliehen wird." via NYT

Guerrilla Girls

Feministische Anonyme Künstler

1985 traten die Guerrilla Girls als anonyme, Gorillamasken tragende Demonstranten in Aktion. Sie kämpften gegen die mangelnde Anerkennung und Einbeziehung von Frauen und People of Color in der Kunstwelt. Die Guerrilla Girls sind auch heute noch aktiv, da wir nach wie vor mit diesen Problemen konfrontiert sind, und die Identitäten der Mitglieder sind immer noch verborgen. Die Aktivistinnen verwenden Pseudonyme von verstorbenen Künstlerinnen, um ihre Arbeit am Leben zu erhalten. Die Gruppe protestiert, spricht und tritt öffentlich auf, in Kunstinstitutionen und privaten Galerien. Ihre verdeckten Identitäten schützen die Mitglieder davor, ihre eigentlichen Karrieren als Künstlerinnen zu ruinieren. Sie kritisieren oft große, öffentlich finanzierte Institutionen und private Galerien für ihre mangelnde Bezahlung und Einbeziehung marginalisierter Künstler/innen. Bekannt sind sie vor allem für ihre cleveren und humorvollen Plakate, Plakatwände, Flyer und Bücher. Die Arbeit nutzt stilistisches Grafikdesign, um schnell klare Statistiken über das Defizit an Unterstützung zu präsentieren.

Judy Chicago "The Dinner Party", 1974-79. Keramik, Porzellan, Textil, 576 × 576 in.

Feministischer Atelier-Workshop

Organisiert von Judy Chicago, Sheila Levrant de Bretteville und Arlene Raven

Der Feminist Studio Workshop war ein sich selbst tragendes Programm, das von den Gründerinnen der Gebäude für Frauen in Los Angeles. Zu den Gründern gehörten drei Frauen: Die angesehene feministische Künstlerin Judy Chicago, die in den 1970er Jahren das berühmte feministische Werk Die DinnerpartyGrafikdesigner Sheila Levrant de Bretteville die unzählige Bilder zur Unterstützung des Feminismus schuf; und die feministische Kunsthistorikerin Arelene Rabeder 1989 das Buch "Kunst im öffentlichen Interesse" schrieb, in dem es um die gleichen Themen geht, mit denen wir heute konfrontiert sind. Das Women's Building und der Feminist Studio Workshop existierten von 1973 bis 1991. Der Feminist Studio Workshop war eine der ersten unabhängigen, auf Workshops ausgerichteten Kunstschulen für Frauen. Die drei Gründungsmitglieder gründeten sie, nachdem sie es satt hatten, an männerdominierten Schulen zu arbeiten. CalArts. Der Raum war eine wichtige Initiative für die Entwicklung anderer feministischer Künstlerinnen und einfach von Frauen gefertigter Kunstwerke. Der Raum umfasste eine Galerie, einen Buchladen, ein Café und Arbeitsräume.

Carrie Mae Weems. Aus "The Kitchen Table Series", 1990

Carrie Mae Weems

Fotograf und Videokünstler

Carrie Mae Weems ist eine der wichtigsten Künstlerinnen unserer Zeit. Weems hat ihr ganzes Leben damit verbracht, sich mit Rasse, Geschlecht, Klasse und Aktivismus auseinanderzusetzen. Sie arbeitet mit Fotografie, Video, gesprochenem Wort und Textilien. In ihren Arbeiten beschreibt sie alltägliche Themen mit poetischen Bildern und einem klaren Blick für das Gewicht der menschlichen Situation. Die Küchentisch-Serie ist wahrscheinlich ihr bekanntestes Fotoprojekt. Das Werk beschreibt die Momente, die sich in häuslichen Innenräumen zwischen den Geschlechtern und der Familie abspielen. Ihre Arbeit ist voll von subtilen Beschreibungen von Macht und Intimität. Sie fängt wunderbar ein, wie das Persönliche politisch wird.

Nancy Spero. "Search and Destroy", Detail, 1967 Gouache und Tinte auf Papier, 24 x 36 cm.

Nancy Spero

Politisch-feministische Malerin

Nancy Spero war als Feministin in den Anfängen der Frauenbewegung in den 1960er Jahren in den Schützengräben. Ihre großformatigen, gestischen Gemälde/Zeichnungen veranschaulichen emotionale Reaktionen auf den Krieg und auf Frauenfragen. Obwohl sie als Malerin gilt, lehnte die Künstlerin die Verwendung von Farbe auf der Leinwand ab, da sie als Synonym für frauenfeindliche männliche Maler galt. Stattdessen entschied sie sich für eine Vielzahl von Zeichenmaterialien, um intensive, rohe und illustrative politische Werke zu schaffen. Die Diskussion über ihre Krieg Serie arbeitet mit Stephanie Buhmann für Die Brooklyn RailSpero sagte: "Bei den Kriegsbildern musste ich herausfinden, wie ich 'Manifeste' gegen den Krieg und die Gewalt malen konnte. Von 1966-70 arbeitete ich schnell und wütend. Ich mühte mich nicht mehr mit Ölfarbe und Leinwand ab. Ich benutzte Gouache, Aquarellfarben, Zeichentusche und Papier. Sie hat auch warf Torten in den Gesichtern der Leute zu protestieren, also sind wir ein großer Fan.

Archivbild über

PAD/D

New Yorker Künstler-Aktivistengruppe

In den 1980er Jahren ging die New Yorker Gruppe PAD/D auf die Straße und in die Archive. Der Name der Gruppe steht für Political Art Documentation and Distribution. Die Gruppe hatte den Auftrag, "Künstlern eine organisierte Beziehung zur Gesellschaft zu bieten, die politische Wirksamkeit der Bildgestaltung zu demonstrieren und einen Rahmen zu schaffen, in dem progressive Künstler Alternativen zum Mainstream-Kunstsystem diskutieren und entwickeln können". Sie organisierten Veranstaltungen, verteilten Informationen, nahmen an Protesten teil, schufen Kunst für Demonstrationen, veröffentlichten Newsletter, veranstalteten Foren und engagierten sich für alles, was Kunst und Protest miteinander verband.

Martha Rosler. "Gladiators from the series Bringing the War Home: House Beautiful", 2004, Fotomontage.

Martha Rosler

Cleverer politischer Fotomontager

Martha Rosler ist eine amerikanische Künstlerin. Sie arbeitet mit Fotomontage, Video, Fotografie, Text, Performance und Installation, um politische Kommentare aus feministischer Sicht zu schaffen. Das Mandat, das ihre multidisziplinäre Praxis vereint, ist ihr ausgeprägter Sinn für Politik und ihr leidenschaftlicher Blick auf die Medien. Sie nutzt oft die Aneignung, um satirische und kraftvolle Bilder zu schaffen. Ihre Arbeit fängt Momente der Ungerechtigkeit, Nuancen der Gewalt und Fragen der Ungleichheit ein und kommentiert sie prägnant. Ihre Arbeiten wurden in den 1970er Jahren am populärsten, aber Rosler ist so aktiv wie eh und je. Zweifelsohne wird sie Arbeiten zum aktuellen politischen Klima in Amerika machen.

Felix Gonzalez-Torres, "Ohne Titel", 1991. Plakatwand. Installationsansicht des Felix Gonzalez-Torres Billboard Project.

Felix Gonzalez-Torres

Kubanisch-amerikanischer Konzeptkünstler

Felix Gonzales-Torres war ein prominenter Konzeptkünstler, der sich mit sozialen und politischen Themen auseinandersetzte und dabei minimalistisch vorging. Er nutzte eine breite Palette von Materialien, um seine visuellen konzeptionellen Prämissen auszudrücken, darunter Papierstapel, Süßigkeiten, Lichterketten und Puzzles. Als schwuler Mann, der in den 1980er Jahren in New York City lebte, schuf er viele Werke, die auf mitfühlende Weise die Ausbreitung von AIDS in seiner Gemeinde kommentierten. In seinen Werken thematisiert er auf subtile, prägnante und kraftvolle Weise die Sterblichkeit und die Vergänglichkeit des Lebens. Das Werk oben, Unbenannt (1991), zeigt das Bild eines leeren Bettes. Dieses Werk thematisiert in eleganter Schlichtheit den Verlust eines Geliebten und wie der Tod uns an alltäglichen Orten umgibt, wenn wir ihn verlieren. Seine Arbeiten haben oft diese Fähigkeit, alltägliche Materialien und Anspielungen zu verwenden und eine tiefe emotionale Wirkung zu erzielen.

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