Nam Duc Nguyen: Malen jenseits der Sprache

Im Januar 2025 wird Nguyen eine große Zwei-Personen-Ausstellung mit Lionel Allingham in der Kunstgalerie von Grand Prairie. Die Ausstellung zeigt mehr als zwanzig seiner Gemälde aus den letzten fünf Jahren und bringt diese beiden abstrakten Maler zusammen, die, obwohl sie durch Alter, Kultur und Gemeinschaft getrennt sind, beide über die offenen Räume von Edmonton, Alberta, wo sie aufgewachsen sind, nachdenken. Im Gespräch mit Format erzählt Nguyen, wie er sich in internationalen Kunstgemeinschaften zurechtfindet und wie er jenseits der Sprache malt. 

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Erzähl uns von deinem Werdegang als Künstler. Wann und wie hast du angefangen?

Ich habe wirklich Glück, dass meine Familie kreativ ist. Mein Vater ist ein Dichter. Ich bin also in einem kreativen Umfeld aufgewachsen. Mein Vater las seine Gedichte seinen Freunden vor, von denen viele auch Künstler oder Dichter waren. Unser Haus war übersät mit Fotos, Drucken und Gemälden seiner Freunde. Man darf nicht vergessen, dass sie alle in der Tradition der vietnamesischen Moderne arbeiteten, es war also eine ganz besondere Gemeinschaft mit einer ganz eigenen Ästhetik in Edmonton. Schon in jungen Jahren wurde mir klar, dass Kreativität und Kunst die Welt verändern können, oder zumindest die Art und Weise, wie andere Menschen die Welt erleben. Das hat mich dazu bewogen, selbst etwas zu machen. 

Siehst du irgendwelche Einflüsse des vietnamesischen Modernismus in deiner Malerei? Hast du das Gefühl, dass sie die Art und Weise, wie du malst, beeinflusst haben?

Meine Beziehung zum vietnamesischen Modernismus ist interessant, denn obwohl ich mit dieser Arbeit aufgewachsen bin, war sie so weit von der Kultur entfernt, in der ich aufgewachsen bin - Edmonton, Alberta. Ich wuchs mit diesem seltsamen Konflikt zwischen meiner Welt zu Hause und meinen Erfahrungen bei der Integration in Kanada auf. Meine Eltern waren Flüchtlinge und während ich die vietnamesische Kultur zu Hause erlebte, fühlte ich mich in gewisser Weise davon getrennt, weil ich in der kanadischen Kultur aufgewachsen bin. 

Dieser Spagat zwischen mehreren Identitäten, Kulturen und Sprachen ist für viele Kanadierinnen und Kanadier typisch - es ist ein Land mit Einwanderern aus vielen Kulturen. Ich glaube, dass ich in diesem Zwiespalt aufgewachsen bin und mich deshalb zu nicht-narrativen Ausdrucksformen hingezogen gefühlt habe. Ob klassische indische Musik, improvisierter Jazz oder experimentelle elektronische Musik - bei allen geht es darum, jemandem eine Erfahrung außerhalb der Sprache und außerhalb der Erzählung zu vermitteln. 

Um ehrlich zu sein, habe ich die vietnamesische Poesie meines Vaters nicht ganz verstanden. Ich habe das Gefühl, dass ich die Sprache nicht gut genug verstanden habe, um seine Arbeit voll zu schätzen. Aber es klang wirklich schön, weil er in der Tradition der Moderne die Worte als eine Art Material erforschte. Die Intonation und die Art, wie er sprach, genügten mir, um etwas damit anzufangen. Und nicht nur das: Zu sehen, wie er auf das Publikum wirkte und wie es von seiner Arbeit fasziniert war, machte mir klar, dass Kunst, auch wenn sie nicht ganz verstanden wird, die Menschen bewegen kann.

Erzähl uns etwas über deine formale Ausbildung. Wie hat sie deine Arbeit beeinflusst und geprägt?

Nguyen wurde in verschiedenen Institutionen ausgebildet. Nachdem er zunächst eine Schule für Wirtschaftswissenschaften besucht hatte, wechselte er die Richtung und besuchte das heutige Grant MacEwen Universität für ein zweijähriges Programm und absolvierte einen BFA am Emily Carr Institute of Art and Design (jetzt Emily Carr Universität), und schließlich ein Masterstudium an der NSCAD (Universität) in Halifax. 

Ich glaube, jede Schule und jede Stadt hat mich in gewisser Weise gelehrt, wie unterschiedlich die regionalen Gespräche und Diskurse sind und wie sie sich entwickeln. Ich bin in den Achtzigerjahren zur Schule gegangen, also sind die Dinge jetzt mit dem Aufkommen der sozialen Medien ein bisschen anders, aber damals konnte man wirklich sehen, wie ein Ort und seine Gemeinschaft ihre eigene Kurzschrift für visuell-materielle Sprachen und Diskurse entwickelt haben. 

Am Grant MacEwan Community College lag der Schwerpunkt wirklich auf dem Handwerk und alles war sehr auf eine formale Ausbildung ausgerichtet. Ich habe viel über den Aufbau von Fertigkeiten und Materialien gelernt. Ich habe dort gelernt, wie man zeichnet. Das hört sich so einfach an, aber diese Fähigkeit hat sich in meiner Praxis bewährt. Später, als ich nach Vancouver zu Emily Carr ging, war das eine völlige Kehrtwende. Alles war sehr konzeptionell und sehr theoretisch. Die Menge an Theorie war ein kleiner Schock und ich hatte das Gefühl, dass ich alles nachholen musste. Ich hatte auch das Glück, dass ich im Malereiprogramm tolle Professoren hatte, Elizabeth McIntosh, Landon McKenzie, Jordanien Broadworthund andere, die ein unterstützendes Netzwerk in der Malschule bildeten.

Dann bekam ich die Chance, diese beiden Arbeits- und Denkweisen zu vereinen, als ich meinen Master bei NSCAD machte. Es war auch ein wunderbar interdisziplinäres Umfeld. Ich konnte mit Schmuck- und Keramikkünstlern, Malern, Installationskünstlern, Bildhauern und Videokünstlern zusammenarbeiten - mit allem, was es so gibt. Es war ein sehr kleiner Studiengang und das hat mich wirklich herausgefordert, mit den Perspektiven, Hintergründen und Anliegen der anderen zu sprechen und zu diskutieren. Im Nachhinein kann ich feststellen, dass die Arbeit mit handwerklich orientierten Künstlern wie Keramik- und Schmuckkünstlern der erste Hinweis auf das war, was ich jetzt tue: Ich stelle meine eigene Farbe her und betrachte Farbe eher als Handwerk.

Kannst du dein Forschungsjahr beschreiben und was es für deine Entwicklung und Praxis bedeutet hat?

Nguyen wurde mit dem Joseph-Plaskett-Preis 2008die ihn nach Europa brachte und ein Jahr lang Forschung und Reisen finanzierte.

Das war lebensverändernd. Mein Vorschlag für den Preis war, historische Malerei zu studieren. Ich machte Berlin zu meiner Basis für das Jahr. 

Ich konnte ganz Europa bereisen, Westeuropa, London, Brüssel, Amsterdam, Paris, Madrid. Ich habe mir so viele Gemälde wie möglich aus allen Epochen angesehen und so mein kunsthistorisches Wissen erweitert. Als Kanadierin hatte ich keinen Zugang zu dieser Art von Gemälden - denn diese Länder wollen sie behalten. Auf dieser Reise entdeckte ich den Prado und die erstaunlichen Werke von Claude Lorrain und Bartolomé Esteban Murillo. Ich war besessen von der Art und Weise, wie diese beiden Künstler Oberflächen durch Überlagerung malten, um eine Atmosphäre zu schaffen. Sie waren mit nichts vergleichbar, was ich je zuvor gesehen hatte. Sie brachten eine materielle Praxis an den Punkt, an dem sie sich auf einer gewissen Ebene immateriell oder immersiv anfühlte.

Nachdem du viel gereist bist, aber diese Basis beibehalten hast, bist du offiziell nach Berlin umgezogen. Erzähl uns etwas über die künstlerische Gemeinschaft dort. Wie unterscheidet sie sich von anderen Gemeinschaften, denen du angehörst?

Berlin ist für mich jetzt mein Zuhause. Es ist komisch, das zu sagen, denn ich glaube, es ist sehr schwer, sich selbst nach 15 Jahren als Berliner zu bezeichnen, auch weil so viele Leute kommen und gehen. Als internationaler Mensch gibt es einen großen kulturellen Unterschied zwischen der kanadischen und der deutschen Kunstszene.

Das liegt zum großen Teil daran, dass es so viele Künstler aus so vielen Ländern gibt. Du wirst ständig mit deinen eigenen Annahmen über Kunst konfrontiert. Es kann schwierig sein, ein Netzwerk und eine Gemeinschaft aufzubauen, weil man versucht, kulturelle Unterschiede zu überwinden. 

In den letzten Jahren ist deine Arbeit viel abstrakter geworden und konzentriert sich auf das Material. Was hat dich zu dieser Veränderung veranlasst? 

Während meiner Recherchen für den Joseph Plaskett Award habe ich viele Gemälde aus der Barockzeit studiert, die die Atmosphäre darstellen. In diesem Jahr habe ich eine Arbeit über die Atmosphäre als Metapher für den menschlichen Zustand gemacht, der von zeitgenössischen Problemen wie dem Konsumverhalten beeinflusst wird. Dieses Projekt hat mich etwa fünf Jahre lang beschäftigt und es war frustrierend, weil ich das Gefühl hatte, mein Ziel, die barocke Atmosphäre in einem zeitgenössischen Kontext wiederzugeben, nicht erreicht zu haben. In gewisser Weise war das eine gute Sache, denn dadurch wurde mir klar, wie wichtig dieses Problem des Handwerks für mich war. Also konzentrierte ich mich in meiner Praxis auf das Handwerk in Form von monochromen Gemälden. 

Ich erinnere mich, dass ich an diesem braunen monochromen Bild gearbeitet habe und einen Heureka-Moment hatte, weil ich dieses Bild mit dieser braunen Farbe geschichtet hatte und es eine Art von Energie hatte, die der Farbqualität ähnelte, die ich in den Werken in den Museen sah. Ich recherchierte ein wenig und es stellte sich heraus, dass Braun eine der billigsten Farben in der Herstellung ist, was bedeutet, dass die Farben eigentlich sehr rein sind. Farben wie verbrannte Umbra bestehen im Wesentlichen aus Schmutz, so dass das Unternehmen nicht viele Füllstoffe hinzufügen muss. Ich habe festgestellt, dass das bei den meisten anderen Farben nicht der Fall ist. Die meisten handelsüblichen Farben, es sei denn, du zahlst viel Geld dafür, enthalten eine Menge Füllstoffe, was bedeutet, dass sie sich weiter vom reinen Pigment entfernen und ihre Textur, ihre Farbe und ihre Lichtaufnahme verändern. 

Mein Aha-Erlebnis war, dass mir klar wurde, dass die Gemälde, die ich in den Museen studierte, natürlich alle vorindustriell waren. Das bedeutet, dass diese Künstler ihre Farbe selbst herstellen mussten. Sie mussten buchstäblich ihre eigenen Pigmente mahlen, um die Farben und die Oberfläche zu erhalten, die ich sah. Also dachte ich, Okay, das ist es, was ich tun muss. Also begann ich, meine eigene Ölfarbe herzustellen, und durch diesen Prozess öffnete sich meine Arbeit wirklich. Die Ideen der Atmosphäre und des Lichts fügten sich gut ein, weil ich die Farben und das Licht bekam, die ich wollte. Ich hatte die ultimative Kontrolle über diese Elemente und konnte meine Arbeit so öffnen, dass sie weniger an Bilder gebunden war. Indem ich mehr über mein Handwerk lernte, konnte ich eine abstrakte Sprache entwickeln.

Kannst du über Raum und Ort in Bezug auf die Arbeit sprechen, die du jetzt machst? Wie hat sich das für dich verändert?

Das Raumgefühl in meinen Gemälden stammt von einem Ort, einem Moment oder einer Erfahrung. Ob ich es weiß oder nicht, wenn ich ein Bild male, nehme ich Erinnerungen an Licht und Raum auf und filtere sie durch die abstrakte Sprache, die ich entwickelt habe. Ich bin in Edmonton aufgewachsen - der Himmel ist so weitläufig, dass die Erinnerungen an diesen Himmel auch heute noch in meinen Werken mitschwingen. 

Der Himmel ist auch eine Art von Raum, der mich wirklich fasziniert, weil er alle Eigenschaften eines großen Gemäldes hat. Vielleicht ist er das erste große Gemälde in dem Sinne, dass er unendlich tief ist, unendlich viele Farben hat, sich immer wieder verändert und dich überrascht. Und wenn du es ansiehst, musst du es dir noch einmal ansehen, weil es nicht das ist, was du gesehen hast, und ein Moment dauert nur eine Sekunde und dann verändert er sich. Ich schaue mir ständig den Himmel an, und ich habe gelernt, dass jeder Himmel an jedem Ort anders ist. Die Lichtverhältnisse, die Architektur (oder deren Fehlen) oder die Offenheit eines Raums, die Temperatur - all diese Dinge verändern den Himmel genauso wie ein Gemälde. 

Ähnlich wie die kulturellen Veränderungen an den verschiedenen Orten, an denen ich gelebt habe, spüre ich die Veränderungen des Himmels mehr als alles andere. Als ich in Vancouver lebte, gab es eine Zeit, in der es hundert Tage lang durchgehend regnete. Es war so grau. In Halifax war es sehr dynamisch, an einem Tag gab es starken Regen und Wind, am nächsten Tag war es sonnig. In Berlin fahre ich mit dem Fahrrad durch den Tempelhofer Park, in dem ich wohne, um mich an den Raum zu erinnern und ihn zu erkunden. Ich bin ständig auf der Suche nach Räumen in meiner Malerei, die von dieser täglichen Erkundung des Blicks nach oben geprägt sind. 

Wie ist dein Verhältnis zur Meisterschaft in der Malerei? Deine derzeitige Praxis ist sehr stark mit der Beherrschung deiner Materialien verbunden.

Ich mag diese Frage, weil ich denke, dass Meisterschaft in der Malerei, vor allem im Handwerk, ein schwieriges Thema ist. Ich denke, dass Meisterschaft mit Autorität verbunden sein kann. Meisterhaftigkeit kann mit Kontrolle und Perfektion assoziiert werden. Und das sind alles berechtigte Assoziationen. Aber ich denke, wenn man sich die Gemälde von Rothko, de Kooning, Joan Mitchell oder Rembrandt anschaut, die ich als meisterhaft bezeichnen würde, wird einem klar, dass sie es verdient haben, wenn man sich ihr Werk von Anfang an genau ansieht. Dass es Schritte gab, dass es irgendwo angefangen hat und dass sie durch ihre Arbeit zu einem neuen Verständnis von Malerei gekommen sind. Jeder Künstler hat etwas erforscht.

Damit komme ich zu meinem nächsten Punkt: Auch wenn du [Meisterschaft] mit Kontrolle und Perfektion assoziierst, habe ich mit zunehmender Erfahrung und Wissen über die Arbeit mit diesen Pigmenten verstanden, dass Meisterschaft eher ein Prozess von Versuch und Irrtum ist. Ich glaube, es wird nicht genug anerkannt, wie wichtig das Scheitern für den Lernprozess ist. Es ist wirklich demütigend, ein Handwerk zu erforschen, denn es ist nicht nur harte Arbeit, harte Arbeit ist wichtig, sondern ich habe auch gelernt, dass ich in dem Moment, in dem ich etwas tue, extrem aufmerksam und fürsorglich sein muss. Jeder Künstler und jeder gute Koch weiß das, jeder gute Schriftsteller weiß das. Höhepunkte erreicht man, wenn man als Künstler ständig am Lernen ist. 

Erzähl uns von deiner kommenden Ausstellung in der Art Gallery of Grand Prairie.

Ich habe im Januar eine Ausstellung in der Art Gallery of Grand Prairie. Die Eröffnung ist am 30. Januar. Es ist eine Zwei-Personen-Ausstellung mit dem Künstler Lionel Allingham. Sie wird von Jessica Groome kuratiert, und Jessicas Konzept für die Ausstellung ist Teil einer Reihe, in der sie historische Künstler aus ihrer Sammlung mit einem jüngeren zeitgenössischen Künstler zusammenbringt. Und so heißt das Konzept der Ausstellung "Ein zweiter Horizont" - benannt nach einem meiner Bilder - untersucht, wie jeder Künstler auf den Ort reagiert. In diesem Fall die Region Nord-Alberta: Grand Prairie für Lionel und Edmonton für mich.

Es ist unsere Reaktion auf den Himmel und die Landschaft der Region und wie sie unsere abstrakten Bilder beeinflusst. Es ist umwerfend zu sehen, dass jemand, den ich nicht kenne und mit dem ich nie gesprochen habe, abstrakte Bilder aus den 70er und 80er Jahren malt, die mit meinen eigenen im Dialog stehen, ob ich es nun wusste oder nicht, sie waren... es ist irgendwie seltsam.

Wir erforschen beide die Glasur, wir erforschen beide die Art von Weite, wir erforschen beide die Farben Rosa und Blau, die ein gemeinsames Merkmal des Himmels dort sind. Ich bin wirklich begeistert davon. Es wird auch ein kleines Buch dazu erscheinen, in dem etwa 33 meiner Werke und eine große Anzahl von Allinghams Arbeiten zu sehen sein werden.

Dieses Programm, das von der Kuratorin Jessica Groome initiiert wurde, ist großartig, weil es diese Verbindungen und Gespräche zwischen Künstlern herstellt. 

Wenn du deine fünf besten Orte für Kunst in Berlin empfehlen müsstest, was würdest du sagen?

Ich denke, für jeden, der nach Berlin kommt, wäre meine Nummer eins das Alte Nationalgalerie denn jeder muss den Casper David Friedrichs in der obersten Etage sehen. Das ist eines der Dinge, die Berlin bietet und die das Leben verändern können.

Das Brücke-Museum in Wilmersdorf, einer Art Bezirk in Berlin, hat eine Expressionismus-Sammlung, die auch gut kuratiert ist und in der expressionistische Werke mit zeitgenössischen Künstlern kombiniert werden. 

Die Gemäldegalerie wäre wahrscheinlich die Nummer drei, vor allem wegen der ständigen Sammlung. Es ist auch ein großartiger Ort, wenn du andere Dinge sehen willst, denn es gibt einen großen Kulturkomplex namens Kulturforum. Es gibt dort auch ein Designmuseum und ich glaube, auch eine Zeichensammlung. 

Neue Nationale hat eine wirklich starke Kunstsammlung des 20. Jahrhunderts. Das Museum wurde von Mies van der Rohe entworfen und es ist wunderschön. Es gibt dort sowohl Sonderausstellungen als auch eine großartige Dauerausstellung. 

Ich möchte auch den Projektraum erwähnen, HilbertRaum. Es ist eine Institution in Neukölln und besteht seit über 15 Jahren. Alle zwei Wochen gibt es dort Ausstellungen, was ein wahnsinniger Zeitplan ist. Ich glaube, dort ist immer etwas los. Es repräsentiert wirklich ein Stück der lokalen Gemeinschaft.

Welchen Rat würdest du angehenden oder aufstrebenden Künstlern geben?

Ich denke, dass es für alle Künstler, aber besonders für diejenigen, die versuchen, in der Szene Fuß zu fassen, wirklich um Menschen geht. Du machst Kunst für andere Menschen. Du schaust dir Kunst an, die von anderen Menschen gemacht wurde. Ich gehe nicht immer zu Vernissagen, weil ich eine schwächere soziale Batterie habe, aber ich liebe es, nach Atelierbesuchen zu fragen, Atelierbesuche zu machen und mit anderen Künstlern unter vier Augen zu sprechen. Ich treffe mich auch gerne mit Freunden, um gemeinsam Ausstellungen zu besuchen, und bin einfach offen für jede Gelegenheit, neue Leute kennenzulernen. 

Welche Rolle spielt dein Portfolio für deine Karriere?

Ich glaube, mein Portfolio ist sehr wichtig für meine Karriere, aber noch wichtiger für meine Kreativität. Natürlich für meine Karriere, weil sie den Leuten eine visuelle Geschichte meiner Entwicklung zeigt. Mein Portfolio ist der beste Anhaltspunkt, um über meinen Werdegang als Künstler zu sprechen. In letzter Zeit mag ich es sehr, weil ich mit zunehmender Erfahrung auf meine Arbeit zurückblicken und sie in einem anderen Licht sehen kann. Die Mappe gibt dir einen Einblick in deine Arbeit, die sowohl zeitlich als auch räumlich ein wenig entfernt ist. Ich kann meine alten Arbeiten wieder sehen und mit einer Weisheit und Perspektive darüber sprechen, die ich jetzt habe und die im Moment des Schaffens nicht unbedingt vorhanden ist, wenn dein Ego verhaftet, sensibel und unsicher ist. Es ist interessant, auf die Arbeit von vor zehn Jahren zurückzublicken und zu sehen, wie sehr sich meine Arbeit verändert hat, aber auch, dass es immer noch Kernideen oder Fähigkeiten aus dieser Arbeit gibt, die ich mitnehme - dass ich immer noch lerne, wie ich dieselben Dinge tun kann.

Um mehr von Nguyens Arbeit zu sehen, Schau dir sein Format-Portfolio an.